Дорогие друзья!

28 февраля мы приглашаем всех поклонников творчества народного артиста СССР Евгения Яковлевича Весника на вечер, посвященный его памяти. По традиции, он пройдет в Малом зале на Ордынке. Начало в 19:00.

О своем знаменитом партнере по сцене расскажут художественный руководитель Малого театра народный артист СССР Ю.М. Соломин, народные артисты России В.И. Бочкарев, Б.В. Клюев, А.В. Клюквин, главный режиссер театра "Сфера" А.В. Коршунов, заслуженная артистка З.Е. Андреева, артистка Малого театра К.В. Моисеева.

Вечер проведет - народный артист России В.А. Дубровский.

Мы покажем вам отрывки из спектаклей театра "Сатиры" и Малого театра, фрагменты из кинофильмов с участием Весника, отрывки из телевизионных передач с участием актера, фрагменты его телевизионных рассказов-воспоминаний о выдающихся актерах прошлого.

Вход по предварительной записи: 8-499-237-44-72

Дорогие друзья!

Сегодня на нашем сайте появился репертуар на апрель. В нем есть одна особенность, на которую мы хотим обратить ваше внимание. По многочисленным просьбам зрителей, Малый театр возвращается к показам дневных спектаклей для взрослых по субботам и воскресеньям. Если полистать страницы истории, то мы обнаружим, что эта традиция всегда существовала в нашем репертуаре. Поэтому мы с радостью сообщаем вам, что

7 апреля (Сцена на Ордынке) комедия А.Н.Островского «Свои люди – сочтёмся!» пойдет в 12:00 и в 18:00
и
15 апреля (Основная сцена) комедия А.Н.Островского «На всякого мудреца довольно простоты» пойдет также в 12:00 и в 18:00.

Надеемся, что наши дневные спектакли будет удобно посещать не только столичным театралам, но и жителям Подмосковья.

Билеты уже продаются в кассах театра и на сайте!

16 февраля (пятница, Малая сцена на Ордынке) пойдет спектакль «Поздняя любовь» А.Н.Островского (вместо спектакля «День на день не приходится»).

Приносим извинения за доставленные неудобства!

11 февраля в трагедии А.К.Толстого «Царь Борис» роль князя Репнина первый раз исполнил артист Дмитрий Кривошеев. Поздравляем Дмитрия и желаем ему новых творческих успехов!

К 125-летию со дня рождения Елены Митрофановны Шатровой (1892 – 1976) и к 145-летию со дня рождения Николая Мариусовича Радина (1872 – 1935)

Они были одной из самых знаменитых и талантливых театральных семей. Опытными мастерами они пришли в Малый театр в 1932 г. На прославленной сцене Н.М. Радин выступал 3 года и успел сыграть всего 8 ролей, в то время как за 34 года сценической деятельности – около 450 ролей. Е.М. Шатрова служила в Малом театре 44 года и сыграла 42 роли, в то время как за всю жизнь – более 300 ролей. Свои мемуары она назвала «Жизнь моя – театр».

«Я смущаюсь своими годами,
но пока есть капля силы, я буду пить свое настоящее счастье, благословляя тебя за то, что ты дала мне его».

Из письма Н.М. Радина Е.М. Шатровой.
5 января 1916 г.

[GALLERY:390]

Николай Радин был старше своей избранницы почти на 20 лет, более 20 лет продолжался их сценический дуэт и около 20 лет – семейный союз. Они познакомились в Киеве в труппе видного провинциального режиссера и антрепренера Николая Николаевича Синельникова. С апреля 1913 г. Елена Шатрова была замужем за его старшим сыном, Николаем Николаевичем Синельниковым-младшим. Николай Радин состоял в гражданском браке с Натальей Лисенко, актрисой театра и кино, которая в 1920 г. вместе с новым мужем Иваном Мозжухиным эмигрировала во Францию.

Осенью 1913 г. Радин был введен на роль Тригорина в спектакль «Чайка» А.П. Чехова, где Шатрова играла Нину Заречную. Но молодой актрисе было трудно с ним играть, так как «Тригорин смотрел в глаза Нины слишком по-радински».
В 1915 г. Радин написал ей: «Завтра ровно два года, как мы играли в первый раз Чайку. Я помню поцелуй, помню твои глаза. Я часто думаю о том, что наша любовь удивительно красива».

Высокий, стройный, черноглазый брюнет, элегантный и обаятельный, с легкой, почти постоянной улыбкой на смугловатом лице, благодаря приподнятым вверх уголкам тонких губ, поразил ее своей «сверкающей красотой», остроумием, но более всего – естественной манерой произнесения текста на сцене. Он казался ей «человеком из сказки» благодаря его умению перевоплощаться в образ до неузнаваемости.

Неожиданное предложение Радина замужней женщине: «Поедем венчаться!», – она обратила в шутку. Лёлю Шатрову он называл «веточкой ландыша». Первый его подарок как анонимное подношение после спектакля – брошь в виде золотой веточки ландыша с брильянтовыми цветочками. Он любил дарить ей ландыши, посылал открытки с ветками, букетиками, корзинами ландышей, а также ландышами и фиалками, ландышами и незабудками. Сохранились многочисленные, пронумерованные письма-дневники Радина. Каждый день убористым почерком на 4 – 8 страницах голубой бумаги он писал ненаглядной Веточке о своей любви безграничной, безмерной и, главное, первой подлинной в его жизни.

В октябре 1915 г. Радин умолял: «Скажи, что ты не можешь жить в разлуке, что ждешь праздника нашей любви, нашей свадьбы, что веришь, как я в настоящее наше счастье, в нашу нежную дружбу. Ведь все, что я предсказывал для нас – все осуществляется – и наше сближение и эта красота, которой полно мое существо, рвущееся к тебе и изнывающее от тоски».

Их встреча была судьбоносной. Но Шатрова не могла решиться сразу на кардинальное изменение своей жизни. Иногда они встречались, вместе играли в гастрольных спектаклях. По контракту она продолжала служить на юге, а он закидывал ее письмами и срочными телеграммами из Москвы. В январе 1916 г. Радин написал: «Милая, родная, ты хочешь нашего счастья? Ты хочешь не только получать его от меня, но и давать его мне? Ты чувствуешь, ты понимаешь, каким оно может быть глубоким, внутренним, настоящим, большим при внешней, простой, обыденной форме!! Душа дрожит, сердце бьется – такая волна любви охватывает меня. Как хорошо, что – хоть как исключение, но душа человека может подниматься до такой высоты чувства!».

Венчание Шатровой и Радина состоялось 9 октября 1916 г. Режиссер Н.Н. Синельников любил Шатрову и Радина, высоко ценил их талант и простил их обоих. Радина он называл своим любимым учеником и другом. А Н.Н. Синельников-сын, с которым Шатрова была ранее обвенчана, всю официальную «вину» перед церковью взял на себя. В 1919 г. его смертельно ранили на дуэли.

Радин любил свою избранницу всю жизнь. «Тебя нет со мной, и я не живу – я все время мучаюсь разными мыслями. Это ужасно. Я не знаю, что отдал бы за один твой поцелуй – это так, именно так, несмотря на 8 лет моей любви и приближающийся мой полувековой юбилей жизни», – писал он ей в августе 1922 г.
27 января 1917 г. по старому стилю у Шатровой и Радина родилась дочь Марина. В 1923 г. она скончалась от туберкулезного менингита. Смерть любимой дочери вызвала длительное охлаждение отношений между супругами. Больше детей ни у Шатровой, ни у Радина не было. У Елены Митрофановны были племянники и племянницы, которым она помогала.

Лёля Шатрова происходила из многодетной крестьянской семьи. Она мечтала о театре с 11 лет и еще ученицей Санкт-Петербургской женской гимназии принцессы Ольденбургской приняла твердое решение стать актрисой.

Когда до выпуска из гимназии оставалось еще два года, девушка записала в своем дневнике: «Когда мать сказала, что она не пустит меня на репетицию и в театр, мне захотелось крикнуть: "А я пойду! И я буду актрисой!" К чему жить, если не быть на сцене».
В 1909 г. Шатрова поступила в только что основанную частную Школу сценического искусства в Санкт-Петербурге. Ее преподавателями были А.П. Петровский, С.И. Яковлев, А.А. Санин. В школе ее увидел знаменитый немецкий режиссер Макс Рейнхардт и пригласил в свою труппу. Однако ее любимый учитель А.П. Петровский сказал: «Ты русская и должна работать в России». В 1912 г. по окончании школы она приняла приглашение Н.Н. Синельникова вступить в харьковскую труппу. Служила у него в Харькове и Киеве четыре сезона и сыграла 58 ролей.

Радин окончил юридический факультет Санкт-Петребургского университета в 1900 г. Сначала был актером-любителем, играл на клубных сценах и уже как актер-профессионал выступал в гастрольной труппе В.Ф. Комиссаржевской (1902 – 1903). Актерское мастерство он совершенствовал в театре Корша под руководством режиссера Н.Н. Синельникова в 1903 – 1908 гг. Настоящая фамилия Николая Радина по матери Казанков. Радин – его сценический псевдоним, от слова «радость». Он был блестящим исполнителем комических ролей. Его талант был жизнерадостным и полным солнечного света. С.Н. Дурылин называл его «великолепным мастером радости» и «виртуозом сценической речи». У него была кристально четкая дикция, легкость тона, быстрая манера подавать фразу чеканной скороговоркой, как бы бросать ее, великолепные и неожиданные интонации, создававшие иллюзию подлинной импровизации.

Несравненный исполнитель героических и характерных ролей, Радин бесподобно носил театральный костюм. Актеры учились у Радина искусству «носить фрак». Он отличался редким актерским обаянием, благородной простотой и изяществом. Радин все роли играл ясно, изумительно легко и свободно, хотя на самом деле в силу своей артистической скромности и критического отношения к своему творчеству часто терзался сомнениями, был не уверен в себе и даже испытывал полное разочарование. Друг семьи актер В.О. Топорков, пытаясь определить особенность мастерства Радина, отмечал, что «чрезвычайно трудно передать словами все очарование, всю тонкость, изысканность, виртуозность и жизнерадостность этого замечательного артиста».

«Французское изящество речи и жеста, гасконская искрометная веселость, чувство художественной меры» у Радина, как отмечал С.Н. Дурылин, – это «достояние Петипа». Николай был сыном Мариуса Мариусовича Петипа, известного актера-гастролера и премьера Александринского театра. Радин – внук великого русского балетмейстера, француза по происхождению, Мариуса Ивановича Петипа. Мариус Иванович признал своего внебрачного сына Мариуса и дал ему свою фамилию, а драматический актер Мариус Мариусович Николая не усыновил. Однако талантом сына он восхищался и часто играл вместе с ним в одних спектаклях на провинциальной сцене. Радин очень любил свою мать, происходившую из крестьян, Марию Ивановну Казанкову, которая последние годы постоянно жила с ним. В молодости она работала служанкой владелицы швейной мастерской Терезы Карловны Бурден, матери М.М. Петипа.

Б.И. Равенских в своей статье «Современна всегда!» писал о любви многих людей разного возраста, особенно молодежи, к Е.М. Шатровой: «Всем известны ее ум, обаяние, лукавство, я бы сказал, озорство и какая-то редкостная женственность». Сценические создания актрисы отличались внутренней чистотой, свежестью и непосредственностью, мягкостью и изяществом, лиризмом и одухотворенностью, задушевностью и теплой женственностью. Талант Шатровой был также, как и у Радина, светлым, солнечным, праздничным, искристым. Ее пластика отличалась французским изяществом формы и красотой движений. Ей легко удавались комические и драматические роли. У Шатровой был выразительный звонкий голос и отличающая мелодическим разнообразием сценическая речь.

Николай Радин оказал большое влияние на Елену Шатрову. Он был не только любимым человеком, мужем, другом, несравненным партнером по сцене, но и требовательным режиссером, мудрым руководителем и педагогом-наставником. Филигранное комедийное мастерство у Радина и Шатровой сочеталось с психологической глубиной, предельной искренностью, яркостью и жизненностью характеров. Любимцы театральной публики восхищали высоким мастерством диалога, который то плелся как драгоценное кружево, то становился стремительным, отточенным диалогом-поединком.

С 1917 г. они вместе работали в Москве. Где бы они ни служили – в труппе Н.Н. Синельникова, Московском драматическом театре Суходольских (в здании «Эрмитажа»), Краснодарском драматическом театре, в театре МГСПС, в театре бывш. Корша, называвшемся после революции Московский драматический театр «Комедия», – они всегда были премьерами. Радин несколько лет был режиссером и художественным руководителем театра бывш. Корша, где он собрал превосходную труппу. В 1925 г. Радину было присвоено звание заслуженного артиста РСФСР.

Супружеская пара поражала своим превосходными любовными драматическими дуэтами-диалогами: Катарина и Петруччио, Беатриче и Бенедикт («Укрощение строптивой», «Много шума из ничего» У. Шекспира), Роксана и Сирано («Сирано де Бержерак» Э. Ростана).
П.А. Марков подчеркивал, что сложный юмор и тонкая ирония таких авторов, как О. Уайльд и Б. Шоу, были «органически сродни Радину». Радин – первый исполнитель роли профессора фонетики Генри Хиггинса на русской сцене, Шатрова была одной из первых и блистательных исполнительниц роли уличной продавщицы цветов Элизы Дулитл («Пигмалион» Б. Шоу). В.А. Филиппов видел Радина в роли Хиггинса с тремя партнершами и отмечал: «Неповторимым художественным наслаждением было не только смотреть Радина в этой роли, но и наблюдать в каждом следующем спектакле изменения отдельных деталей, и прежде всего совсем иные речевые краски, особенно пленявшие, когда его партнершей была Шатрова».

Одной из удачных ролей Шатровой стала молодая, легкомысленная парижанка Жоржина, влюбившаяся в стареющего донжуана, в спектакле «Золотая осень» Ж. Кайяве и Р. Флерса. Радин создал в этом спектакле один из своих знаменитых шедевров – благородного, пленительного, элегантного графа де Ларзака, впервые в жизни полюбившего по-настоящему. «Да, он очень умел передавать на сцене обаяние зрелого мужчины, уже переходящего в пожилой возраст. Его герой знал мастерство соблазна и в то же время свысока подтрунивал над самим собой, над взрывом поздних страстей, над приближающейся старостью, но уже грустил по ушедшей и невозвратимой юности».
В пьесе-диалоге Л. Вернейля «Ложь», требующей большого драматического напряжения актеров, не покидающих сцены в течение трех действий, Шатрова исполнила роль Жермен, утаивающей свое прошлого из любви к мужу, а Радин – ее мужа Мориса, любящего жену и разоблачающего ее ложь и предательство. Летом 1929 г. они гастролировали с этим спектаклем во многих городах страны.

Другом семьи стал Алексей Николаевич Толстой. Он очень любил Радина, талант которого был ему близок. «Радин до конца, до предела почувствовал и передал главного героя творчества Толстого тех лет», – писал П.А. Марков. Артист «с разящей силой и жалостью, душевной глубиной и горькой усмешкой» исполнял роль азартного картежника, жалкого, нищего дворянина, никчемного князя Бельского в «Касатке». Шатрову Толстой считал лучшей исполнительницей Маши, певицы из шантана с прозвищем Касатка. Вместе они играли и в «Горьком цвете» А.Н. Толстого, где Радин создал сложный образ беспомощного, опустошенного и поблекшего избалованного барина Драгоменецкого, а Шатрова сыграла роль скромной, впечатлительной, горячо любящей провинциальной девушки-портнихи Лизы.

«Коллектив Малого театра сразу признал Н.М. Радина за "своего", – свидетельствовала Е.Д. Турчанинова, – Он был наш. И актеры старшего поколения находили в нем много общего с А.П. Ленским и А.И. Южиным по высоте мастерства».
В Малом театре в возобновленном спектакле 1932 г. «Стакан воды» Э. Скриба Николай Радин блеснул в роли английского лорда, хитрого, веселого и остроумного Болингброка, истинного джентльмена, изысканно вежливого и по-французски галантного и грациозного. Радин давал стиль автора французской комедии. Публика вызывала Радина даже среди актов, не давая ему говорить. Эту поистине совершенную роль своего репертуара Радин впервые сыграл еще в 1912 г. в Киеве в свой бенефис. До Радина на сцене Малого театра эту роль исполнял А.И. Южин, после Радина – М.Ф. Ленин.

Как свидетельствовал С.Н. Дурылин: «Радин точно подлил шампанского в старый «Стакан воды»: его влага стала искрометной».
Е.Д. Турчанинова отмечала: «Диалоги Радина в роли Болингброка были мастерски изощрены – они сверкали, ослепляли тысячью интонационных неожиданностей». Это была последняя комическая роль Радина, великолепный праздник его мастерства, где он всепобеждающе продемонстрировал свой зрелый талант, свой безупречный «радинский стиль». Много лет назад роль молоденькой Абигайль исполняла в «Стакане воды» Шатрова, которая в дуэтах с Радиным – Болингброком не могла скрыть на сцене своей влюбленности в него.

Елена Шатрова уже после Радина была введена в спектакль Малого театра на роль гордой, властолюбивой и надменной интриганки герцогини Мальборо. С 1939 г. она стала также играть роль доброй и слабохарактерной королевы Анны поочередно с ролью герцогини. До Шатровой эти роли играли Е.К. Лешковская (герцогиня), М.Н. Ермолова и А.А. Яблочкина (королева). Вместе с Шатровой роль герцогини играла Е.Н. Гоголева, а роль королевы – Н.А. Белевцева. Шатрова стала первой актрисой в Малом театре, которая играла один вечер роль герцогини, а другой вечер роль королевы. Высокое мастерство позволяло ей почти не менять грим, но при этом создавать самобытные образы. Исполняющий роль Артура Мешема в этом спектакле М.М. Садовский отмечал: «Женственность и темперамент отличают Шатрову во всех ролях… Но природа женственности и темперамента в этих двух ролях была различной. Женственность герцогини выражалась в притягательной пластике. В глазах ее таилась страсть. Даже голос ее был полон очарования и силы. Женственность королевы была совсем другой по своей природе – глаза королевы сияли чистотой, любовью, надеждой, в голосе звучали то ноты жалобы, то просьбы, то покорности, а вся ее пластика была застенчивой и робкой. Если герцогиня Шатровой охотилась за своей жертвой, то ее королева ждала момента, когда сама станет жертвой».

В этом описании видна «радинская» актерская школа. Исследователь творчества Радина С.Н. Дурылин отмечал, что Радин давал «образец перевоплощаемости, построенной не на смене гримов и костюмов, а на труднейшей смене речевых укладов и психологических рисунков».
Шатрова с нетерпением ждала премьеры и не любила срочные вводы в готовый спектакль, хотя никогда не отказывалась от них. Долгое время в Малом театре ее занимали исключительно на вводах. Первой ее ролью стала Лидия Чебоксарова в «Бешеных деньгах» А.Н. Островского (1933 г.), одна из лучших ее ролей, которую Радин назвал «громадной победой». Она создала правдивый образ молодой женщины, полной жажды легкой жизни, любительницы праздности и роскоши. Однако беспокойный Радин не был доволен тем, что Шатрову не занимают в новых постановках и в 1934 г. даже вел переговоры с Ленинградским академическим театром драмы о возможном переходе. Последний раз Радин выступал на сцене 30 ноября 1934 г. После смерти мужа Шатрова сказала себе, что нашла свой театр, свой дом и останется в нем навсегда. И она стала одной из первых артисток Малого театра.

Лучшая роль Шатровой в репертуаре Островского – это роль Евлампии Николаевны Купавиной в комедии «Волки и овцы», которую она играла еще в труппе театра бывш. Корша с 1928 г. В Малом театре Шатрова играла роль Купавиной в трех разных постановках: К.П. Хохлова (1935), Л.А. Волкова (1941), П.М. Садовского (1944). Но только работа с Волковым и Садовским принесла ей подлинное творческое удовлетворение. П.М. Садовский говорил: «Она дышит Островским, у ней дыхание в роли по-Островскому». Актриса выдвинула совершенно неожиданный образ красивой, веселой, приветливой и душевно богатой женщины на первый план, сделав его едва ли не самым значительным во всем спектакле. Ее Купавина – это светлая, доверчивая, чистая, простодушная и бесхитростная влюбленная женщина с добрым сердцем, наделенная тонким юмором, которая знает, к чему приведет ее роман с Беркутовым. Роль Беркутова в 1934 г. репетировал Радин, но тяжелое заболевание не позволило ему больше выступать на сцене.

С.Н Дурылин отмечал: «За всю сценическую историю спектакля «Волки и овцы» (не в одном Малом театре) Купавина Шатровой – лучшее исполнение этой роли, наиболее тесное приближение к глубокому замыслу Островского».
Много лет играла она Купавину. В 1952 г. состоялось 400-е представление спектакля «Волки и овцы». Последний раз Шатрова выступила в роли 35-летней вдовушки на гастролях в Рязани в 1967 г., после более чем 12-летнего перерыва, в связи с внезапной болезнью исполнительницы этой роли И.А. Ликсо. Шатрова сыграла подряд три спектакля на пороге своего 75-летия.

А.Н. Островский был ее любимым драматургом. А самой любимой ролью стала изящная и капризная молодящаяся светская львица Клеопатра Львовна Мамаева в комедии «На всякого мудреца довольно простоты», на которую она была введена в 1940 г. из-за несчастного случая с А.А. Яблочкиной, первой исполнительницей роли в постановке П.М. Садовского. А.А. Яблочкина, извинившись за срочный ввод, не только уступила Е.М. Шатровой свою любимую роль, но и помогла ей в работе над ней. Старики Дома Щепкина и Островского признали актрису Шатрову своей. В дни юбилейных торжеств 1949 г. в связи со 125-летием Малого театра она призналась: «Чувствовать себя частицей живого огромного существа по имени Малый театр доставляло радость несказанную».

В 1952 г. на Центральном телевидении появились фильмы-спектакли Малого театра с Е.М. Шатровой в ролях Купавиной и Мамаевой.
В репертуаре Островского в Малом театре она с успехом выступала в ролях Коринкиной, Кукушкиной, Феклушы, Аполлинарии Панфиловны Халымовой, Мавры Тарасовны Барабошевой («Без вины виноватые», «Доходное место», «Гроза», «Сердце не камень», «Правда – хорошо, а счастье лучше»). Когда 30 сентября 1972 г. Малый театр отмечал 80-летие со дня рождения Е.М. Шатровой и 60-летие ее творческой деятельности, она исполнила роль Чебоксаровой-матери в комедии Островского «Бешеные деньги».

Среди ее бесспорных актерских удач на сцене Малого театра: гордая и властолюбивая польская аристократка Марина Мнишек («Борис Годунов» А.С. Пушкина), капризная и самоуверенная Наталья Дмитриевна и старая гнягиня Тугоуховская («Горе от ума» А.С. Грибоедова), жеманная и приятная во многих отношениях городничиха Анна Андреевна и жена унтер-офицера («Ревизор» Н.В. Гоголя), продажная стяжательница генеральша Вера Алексеевна Стессель («Порт-Артур» А.С. Степанова и И.Ф. Попова), светская сплетница герцогиня Бервик («Веер леди Уиндермиер» О. Уайльда), скаредная Зинаида Саввишна Лебедева, прозванная Зюзюшкой («Иванов» А.П. Чехова), темная, неграмотная, домовитая деревенская баба Матрена («Власть тьмы» Л.Н. Толстого), бодрая и энергичная тетя Саша («Так и будет» К.М. Симонова).
Шатрова ценила режиссеров умных, талантливых, требовательных: Л.А. Волкова, К.А. Зубова, Л.В. Варпаховского, Б.И. Равенских.

Последней ролью стала хитроватая сваха и сводня Василиса Волохова в трагедии А.К. Толстого «Царь Федор Иоаннович» в постановке Б.И. Равенских (1973). Режиссер назвал Шатрову своей актрисой, хотя она играла всего в двух его спектаклях. Он писал: «Актерский талант Е.М. Шатровой, ее профессионализм для меня – идеальное воплощение старой русской школы актерской игры. Мастерица создавать образы подлинно народные, русские, она достигает этого путем внутреннего перевоплощения в образ и детально, филигранно отделывает внешний рисунок роли. Личность самой актрисы – личность культурного, умного, богатой души человека – всегда просматривается в созданных ролях, и это придает им внутреннюю наполненность, сложность, убедительность».

После смерти Радина Шатрова прожила долгую жизнь. Она опять была замужем, но ее муж не был человеком театра.

В 1937 г. ей было присвоено почетное звание заслуженной артистки РСФСР, в 1949 г. – звание народной артистки РСФСР, в 1968 г. она получила почетное звание народной артистки СССР. За исполнение главных ролей в пьесах советских авторов в 1948 – 1949 гг. Шатрова получила две Сталинские премии первой степени (Милягина – «Великая сила» Б.С. Ромашова, Гринёва – «Московский характер» А.В. Софронова).

Шатрова вела активную общественную работу, была членом Московского комитета РАБИС, Совета ЦДРИ, Совета Дома Актера ВТО, заместителем председателя Президиума Совета ВТО, председателем Центральной социально-бытовой комиссии ВТО, с 1957 г. депутатом Верховного Совета РСФСР двух созывов.
Театр всегда оставался главным делом ее жизни. В своих воспоминаниях Елена Шатрова с потрясающей откровенностью написала: «За пятьдесят лет по моей болезни ни разу не отменяли назначенного спектакля. Я играла с температурой сорок и в ознобе лихорадки. Умирала моя дочь – я играла, умирала свекровь – мы с Николаем Мариусовичем играли, умирала мать – я спешила на спектакль…».

Согласно завещанию Николая Радина, она бросила его прах в воду, но горсточку пепла захоронила на Ваганьковском кладбище. На их могиле общий памятник. Плиту венчает скульптурная голова Шатровой, чуть ниже на мраморном постаменте высечены три веточки ландыша.
«Моя душа прильнула к твоей душе и если бессмертна душа, то и любовь моя бессмертна…», – это слова из письма Николая Радина Елене Шатровой.

Надежда Телегина, "Малый театр", №6-7 2017

Дорогие друзья!

Приглашаем всех желающих на экскурсии по историческому зданию Малого театра «Скорей в театр!.. Там целый мир, мир полный и живой...»

Вас ждёт рассказ об истории и современной жизни старейшего русского театра, сохраняющего и приумножающего лучшие традиции реалистического психологического театра. Вы познакомитесь с памятником национальной культуры, сохраняющим свой уникальный архитектурный облик с 1824 года. Увидите интерьеры Малого театра, в том числе знаменитое Ермоловское (артистическое) фойе, недоступное для зрителей. Наш театр всегда славился своей труппой – вы услышите о таких великих мастерах сцены, как Михаил Семёнович Щепкин, Павел Степанович Мочалов, Мария Николаевна Ермолова, Александр Павлович Ленский, Александр Иванович Сумбатов-Южин, а также об уникальной актёрской династии Садовских; узнаете, почему Малый театр называют «Домом Островского», сможете посетить выставку в Новом Щепкинском фойе и зрительный зал.

[GALLERY:389]

16 ноября на Основной сцене состоялся премьерный показ спектакля «Визит старой дамы» по мотивам трагикомедии Фридриха Дюрренматта. Над проектом работал творческий коллектив из Израиля во главе с режиссером Иланом Роненом, для которого это уже вторая постановка в Малом театре (в 1990 году он выпустил спектакль по пьесе Ж.Б.Мольера «Мещанин во дворянстве»).

Тяжелые времена наступили для жителей города Гюллен – городская казна пуста, заводы и магазины закрываются, безработица процветает, и единственное, что им остается – смотреть вслед уходящим поездам. В такой обстановке тотального обнищания гюлленцы во главе с бургомистром (народный артист России, Александр Клюквин) с нетерпением ждут приезда мультимиллиардерши Клары Цаханассьян (народная артистка России Людмила Титова), бывшей жительнице города, покинувшей родные края нищей и опозоренной. В толпе встречающих и ее бывший возлюбленный, Альфред Илл ( народный артист России Василий Бочкарёв).
Постановочной группе с помощью продуманных до мелочей костюмов (Анат Штерншусс), сценографии (Лили Бен-Нахшон), светового оформления (заслуженный работник культуры России Андрей Изотов) музыкального сопровождения (Эдуард Глейзер) и видеоконтента (Йоав Коэн) выстроила захватывающую череду событий, исследующих темные стороны человеческой природы.

О своем опыте работы с российскими артистами, об актуальности пьесы швейцарского драматурга и её воплощении на сцене Малого театра рассказала постановочная группа.

[GALLERY:388]

ИЛАН РОНЕН (РЕЖИССЕР)

-В чем актуальность «Визита старой дамы» сейчас, в наше время?

- Эта пьеса написана Ф.Дюрренматтом в 1950х. В связи с развитием экономики и общества, и как следствия ростом потребностей, мир изменился, но темы, которые были актуальны десятилетия и даже столетия назад, актуальны и в настоящее время. Крупные компании и богачи порой используют власть и деньги не по назначению, они считают, что вправе распоряжаться чужими жизнями и могут манипулировать людьми. Власть над финансовым капиталом развращает сердца и заставляет совершать бесчестные поступки.
В пьесе поднимаются вопросы: какой может быть цена за благополучие, возможно ли купить правосудие, честь и достоинство целого города или же современное общество утратило духовные корни? Мне было интересно посмотреть, как отреагирует молодая публика, найдет ли отражение действительности в постановке.

- В чем заключалась сложность создания спектакля?

- Главным для меня было создать актуальный спектакль об основных тенденциях нашего времени, понятный современному московскому зрителю.
Художественная проблема заключалась в том, чтобы рассказать современную историю в традиционном театре, таком как Малый, а также грамотно использовать все возможности уникальной исторической сцены.
Мы с Лили (сценограф) не представляли, гармонично ли впишется декорация в виде тяжелых металлических конструкций в классический интерьер театра с его убранством: золотой лепниной, бархатными креслами, хрустальными люстрами, а также, насколько удачно она будет сочетаться с другими элементами художественного оформления сценического пространства – костюмами, светом, видеопроекцией. Но надо сказать, что все в целом стало словно логичным дополнением игры актеров и смогло передать процесс пугающего изменения всего сообщества, которое становится жертвой системы и утрачивает свои духовные ценности.

- Как вам работалось с актерами Малого театра?

- Для меня всегда очень важен творческий диалог. Я работал с актерами из Германии и Израиля, которые отличаются от русских. Надо сказать, что в Малом театре очень много характерных актеров. Да, порой было непросто в силу различия языков и менталитета, но поскольку я работал с профессионалами своего дела, мне кажется, что нам удалось найти точки соприкосновения, и это стало особенно ценным.

- Что Вам больше всего запомнилось при работе с актерами?

- Самым необычным открытием для меня стал их интерес к ивриту. Они слушали, когда постановочная группа переговаривалась друг с другом и пытались имитировать звучание и ритм иврита. К своему удивлению в конце совместной работы оказалось, что они уже неплохо на нем разговаривают. Я думаю, это была увлекательная встреча двух миров, двух культур, двух разных подходах к театру – русской с ее давними сценическими традициями и израильского театра, который еще достаточно молод и только создает свой уникальный театральный язык.

- Какой была первая реакция публики?

- Самый лучший и честный критик – это зритель. Я люблю наблюдать за реакцией публики во время спектакля, ведь она всегда неподдельная. Московские зрители поняли иронию, там, где она крылась, и были очень вовлечены в сюжет и в действие, происходящее на сцене. После окончания спектакля многие подошли ко мне и сказали, что постановка заставила их и смеяться и плакать, но что самое ценное - задуматься о том, в каком мире мы сейчас живем.

АНАТ ШТЕРНШУСС (ХУДОЖНИК ПО КОСТЮМАМ)

- Где Вы черпали вдохновение?

- Моими источниками вдохновения для создания эскизов были лаконичный, но в то же время изящный стиль 40-х годов XX века, а также коллекции британского дизайнера Александра МакКуина. Мне хотелось, чтобы костюмы были одновременно современными, но в то же время воспринимались вне контекста, вне времени.

- Как костюмы отражают черты характера своих персонажей?

- Костюм способен подчеркнуть характер героя. Многие персонажи в этой пьесе идентифицируются по профессии или их роли в обществе («Бургомистр», «Полицейский», «Учитель» и т. д.). Я стремилась создать костюмы и подобрать аксессуары, будь то очки, маленькая сумочка или брошь, не только для того, чтобы зритель смог легко вычислить, кто есть кто в толпе жителей города, но и выделить каждого из них.

- Ваш любимый костюм из спектакля?

- Красный, в котором Клара (Людмила Титова) появляется во втором акте, в сцене второго леса. Он несёт сразу несколько функций: показывает Клару очень элегантной женщиной, и в то же время яркий красный цвет выступает как символ ее желания отомстить. Колор также является частью действия: сочетание красного и желтых оттенков других костюмов помогает создать гармонию цвета, формы и пространства.

- Есть ли детали, важные для раскрытия персонажей и для понимания постановки, которые, как вам кажется, зритель мог не заметить?

- Основная задача костюмов – показать трансформацию, которую проходят герои пьесы. В начале спектакля они предстают в простой поношенной серой одежде, которая символизирует их психическое и физическое состояние, состояние упадка. По мере развития действия желтый цвет распространяется как чума, медленно захватывая в свои сети всех жителей города, начиная от появления в гардеробе героев новых жёлтых ботинок и заканчивая нарядной одеждой гюлленцев в финале спектакля. Желтый цвет, с одной стороны – это символ праздника, богатства, погони за наживой, деньгами и благополучием, но в то же время он олицетворяет процесс морального разложения, предательства, продажности и греха. По сути, цвет становится равнозначным персонажем в пьесе.

ЛИЛИ БЕН НАХШОН (СЦЕНОГРАФ)

- Какого, на Ваш взгляд, значение сценографии в структуре спектакля?

- Сценография — неотъемлемая часть концепции спектакля, основная роль которой заключается не в живописном украшении сцены, а в реализации режиссерского замысла. Оформление сцены представляет собой своеобразный математический алгоритм, включающий в себя пространство, действие, ритм и время, которые посредством линий, цвета, графики, динамики, материала и света превращают сцену в единое театральное пространство.

- Как родилось художественное оформление «Визита старой дамы»?

- Работа началась с диалога с режиссером, в результате которого возникла первичная концепция дизайна сценического пространства. Мы пришли к выводу, что декорация должна быть стационарной, но в то же время очень функциональной. Она дает возможность параллельного действия, а также быстро трансформируется в различные места действия пьесы: это и железнодорожная станция, и городская площадь, и здание суда, и банкетный зал, и лес.
Для создания иллюзии толпы горожан, эффекта массовости мы использовали реальные тени актеров со специально подготовленным видео рядом на заднике сцены. Построенная декорация и видео проекция помогают актерам свободно перемещаться. Также очень важен свет, который преображает любые театральные декорации. Вообще цветовая палитра по мере действия пьесы постепенно меняется и окрашивает всю сцену в желто-золотые оттенки.

-Откуда Вы брали идеи для пространственного решения спектакля?

- Сценография – особый вид искусства, тесно связанный с развитием изобразительного искусства, фотографии, архитектуры, драматургии, музыки, кинематографа, то есть всеми областями творческой деятельности. Для реализации этого проекта я опиралась на фотографии послевоенной Европы, работы архитекторов провинциальных немецких железнодорожных станций, мемуары Стефана Цвейга «Вчерашний мир», исследовала часы на ратушных башнях и вокзалах. Источником вдохновения также послужили современный американский танцевальный театр Pilobolus (Pilobolus Dance Theatre), «Life Shapes» и видеоработы Уильяма Кентриджа (William Kentridge), художника из ЮАР. Все это стало основой для создания мира, в котором живут герои спектакля.

- Как вы оцениваете опыт работы в Малом театре?

- Цельность спектакля невозможна без совместного диалога и взаимопонимания всех авторов, участвующих в его создании. Я хочу выразить огромную благодарность службам театра, всем кто принимал участие в работе над этой постановки – мастерским, пошивочным, постановочной части за их профессионализм, ответственность и отзывчивость.

Эвелина Тимохина, "Малый театр", №6-7

В 2017 году в издательстве ГИТИС вышел второй том избранных работ «Век нынешний — век минувший» заместителя художественного руководителя Малого театра, ректора высшего театрального училища им. М. С. Щепкина, профессора Б. Н. Любимова. В двухтомнике представлены отрывки из театрального дневника, театральные портреты, проблемные статьи, интервью, работы по истории театра и церкви, философские, литературоведческие статьи. С разрешения автора редакция публикует статью из первого тома издания.

...Я пришел в Малый неожиданно для себя и для Малого театра. Прежний опыт прямого сотрудничества с театрами приносил результаты, но не радость. Малый театр только что обрел нового художественного руководителя Ю. Соломина и был лишен главы лит. части. Звонок Б. Морозова, интересовавшегося моими рекомендациями на эту вакантную должность, вторичный звонок, огорошивший предложением встретиться с Ю. Соломиным и самому стать репертуарным «менеджером» императорского театра, мой поход к Ю. Соломину с тем, чтобы вежливо отказаться (впрочем, шел я с томиком пьес А. Солженицына, значит, подсознательно шел на работу), и, наконец, мое согласие, вернее всего, обусловленное количеством животных в семье Ю. Соломина, кажется, превышавшим тогда моих двух собак...

Я, во-первых, решил, что, если мы разойдемся по всем остальным вопросам, — в одном уж мы точно единомышленники, а, во-вторых, если
людям вокруг него живется ненамного хуже собак, я продержусь. Шел, впрочем, с мыслью, что ненадолго, что мне надо снова войти в жизнь театра, понять, что с ним происходит, и вырваться из повседневной репортерской суеты, и к тому же Малый театр отвечает и моим историко-театральным и даже родовым интересам (дочка М.Н. Ермоловой — М.Н. Зеленина — крестная мать моего отца, в отрочестве я почти каждую субботу ночевал в нынешнем музее Ермоловой). Так случилось, что в Малом у меня не было врагов и практически почти не было даже знакомых. Я никогда не хвалил этот театр и, кроме одного случая, ни разу не задевал его. Наконец, мне казалось, что именно этот театр сможет выбрать из богатства театральных возможностей все перспективное, что дали последние годы, и в то же время — противостоять всему мутному, шумному и бездарному, что еще цвело, хоть и подгнивало как в театре, так и в политике. Напомню, что М. Горбачев только что стал во главе Верховного Совета, но съезда народных депутатов еще не было. Республики СССР боролись за национальные языки, не более того. Руководящая роль партии подвергалась сомнению лишь теоретически.
Два спектакля — «Леший» и «Хищники» Писемского — были на выходе, «Отец» Стриндберга репетировался самостоятельно. Был также запланирован спектакль американского режиссера. Мне казалось, что новая жизнь театра должна начаться с неизведанного, с того, что никто из нынешнего поколения не видел или очень давно не видел. Я вообще убежден в том, что наша стадность репертуарная — театральная беда. Выживает, перерастает временное только индивидуальное, что не штампуется. «Царь Федор Иоаннович» живет 20-й сезон потому, что в 1970-е годы никто не подражал Б. Равенских. Спектакль этот можно любить или не любить, но аналогий ему в Москве нет. У него нет подражаний даже внутри Малого театра. Важно было открыть сегодняшние возможности Малого театра и реализовать их на максимально высоком уровне. Первого, кажется, театр достиг, второе еще впереди...

Я предложит в качестве первых репертуарных планов Малого театра «Князя Серебряного» и пьесы Солженицына. Мне тогда мерещился цикл спектаклей об узловых моментах русской истории, частично реализованный к 1992 году, но далеко еще себя не исчерпавший, богатый перспективами для труппы, режиссуры и зрителей. (Кстати, совершенно необязательно сводить исторический цикл лишь к русской драматургии и истории. Достаточно сказать, что из всех шекспировских исторических хроник московский зритель видел лишь «Ричарда III» у вахтанговцев.) С другой стороны, выбирая из имен ныне здравствующих авторов, крупнее имени А. Солженицына назвать невозможно. Сравнивая его пьесы со всеми «диктатурами совести», я и сейчас убежден, что уровень литературы, мысли и совести в его пьесах выше, чем все, что предлагалось на театральном рынке второй половины 1980-х годов (а что из «шедевров» той поры перешагнуло в 1990-е?), а театральную структуру должен сочинить театр. Но за А. Солженицына боролись тогда и литературные журналы (а против, кстати, увы, не только реакционеры, как, впрочем, и сейчас), и тогдашний «партайгеноссе» по части идеологии В. Медведев дал указ «годить». Это нам не привыкать стать, а премьера А. Солженицына в 1989 году могла бы стать событием. Я думал о создании сводного текста, создания текста пьесы из нескольких сюжетных линий пьес, сценариев, романов А. Солженицына, но это — до XXI века...

А пока — премьера «Лешего». Худсовет принял на «ура», зритель тоже хорошо, а пресса — по-разному. Любопытно, что немногочисленные доброжелательные отклики заподазривались, предполагались скрытые авторы, псевдонимы. Как будто Малый — тот покойник, о котором или плохо, или ничего. Часть его спектаклей заслуживает подобного к себе отношения (да простят мне их участники), но лучшие — отнюдь нет. С моей точки зрения, подкрепленной четырьмя годами жизни, спектакль «Леший» лучше своей печатной репутации. Но это выяснилось только к 1992 году. А пока, в 1989-м хорошим тоном принято считать брань в адрес официального искусства, а поскольку вахганговцы и мхатовцы почему-то были выведены из-под боя, Малый оставался единственной мишенью.

С другой стороны, считаю, что урок этих лет должен пойти на пользу труппе. Избалованные вниманием прессы, поддержанным опекой министерства, ЦК, горкома, райкома, ВТО, актеры и до сих пор еще не привыкли к тому, что на дворе 1992 год. «Почему о нас не пишут?» — спрашивали меня, причем вопрос звучал примерно так: почему ты о нас не пишешь? Взаимоотношение театра и прессы, положение завлита в этой связи — особая тема, для Малого театра и особенно старшего и среднего поколений до сих пор еще до конца неосознанная. Изживаемая предвзятость прессы и опыт новых взаимоотношений с печатью, надо надеяться, снимут остроту ситуации.
Следующий сюжет, принадлежащий к «вечным», — здание Малого театра. Кажется, никто не обратил внимания, что каждый сезон, начиная с 1988 года, проходил по-особому. В 1988-м открылись с двумя сценами, закрылись с одной (филиалом). 1989/90 год целиком прошел в филиале. 1990/91 год начали в филиале, закончили с двумя сценами, 1991/92 год начали с двумя сценами, закончили без филиала, 1992-й начинаем с основной, а «дальше — тишина»... Это значило: труднейшие ремонтные работы (вспомним, что ремонт МХАТа начался в год принятия брежневской конституции, а закончился при Горбачеве); снятие одних спектаклей и эксплуатация других, потом — наоборот; как следствие — потеря репертуара у одних актеров и переизбыток у других. И это в период фактического переформирования труппы и отсутствия предпосылок для принципиального и последовательного ее изменения. К тому же сложности с постановочной частью — одной из лучших, если не лучшей в стране, имеющей в своем составе уникальных специалистов; невозможность быстрого репертуарного реагирования на меняющиеся запросы зрителей и т.д.

Руководство приняло два решения. Одно заслуживает премии и даже удивительно для людей, не имевших, в сущности, опыта самостоятельного руководства театром. Речь идет о том, что Малый театр не стал консервировать здание и становиться на капитальный ремонт. Сегодня ясно, что если бы на это пошли, старейший театр Москвы открылся бы в 2024 году и, возможно, снова в качестве помещения «купца Варгина». Под грохот ремонтных работ, время от времени призывая власти и телевидение, театр за два года снова получил здание, ныне охраняемое президентским указом.

Второе решение административно спорно, а нравственно безупречно. Речь идет об отказе от сокращения труппы. Конечно, сто с лишним человек в труппе — слишком дорогая роскошь, а при одной сцене это выгладит примерно так, как, скажем, обладание псовой охотой хозяевами «Вишневого сада». Но ни одного Фирса Малого театра не заколотили... В условиях экономического обвала, инфляции, пенсионной неупорядоченности, безработицы и пр. Ю. Соломин и В. Коршунов не пошли на сокращение.
Ничто не остается безнаказанным. Не знаю, как в других театрах, но среднее поколение Малого театра жаждет играть. Роль, ввод, даже эпизод — временами кажется, что ты живешь на 30 лет раньше. Поэтому театру приходилось мучительно выпускать до пяти премьер в год (чего это стоит в буквальном смысле слова!), причем подчас не ради зрителей, а ради актеров, распределять роли не по сути, а ради занятости. «Театр очень раздался вширь — в нем более 120 человек актерского состава, из которых многие претендуют на работу, которой мы не можем им дать и которой они... нести не могут» — эти слова Станиславского, написанные 60 лет назад, сказаны как будто о сегодняшнем Малом театре...

Далее в тексте статьи купюра. Это не цензура, это — автоцензура, диктуемая инстинктом самосохранения. ...Я хотел назвать тех актеров, у кого эти годы были лучшими в их биографии, но, зная, как это отразится на моих отношениях с их коллегами, отложу до мемуаров. Назову лишь тех, у кого в Малом театре, да и в Москве сегодня нет соперников. Побивший рекорд Гиннесса И. Анненков, в 92 года сыгравший премьеру в «Царе Иудейском» (аналогий этому, по-моему, в мировом театре нет), Е. Гоголева, которую можно сравнить лишь с А. Яблочкиной, с той разницей, что на моей памяти А. Яблочкина выходила в эпизоде в «Ярмарке тщеславия», а Е. Гоголева играет центральную роль в «Холопах», и — Е. Самойлов, отмечающий в октябре свое 80-летие и сыгравший в прошлом сезоне три (!) премьеры... Нынешние, ну-тка!..
Старики Малого театра уникальны. Прудкин и Степанова, увы, не выходят на сцену, в других театрах актеры этого поколения (и этого масштаба!) занимают куда более скромное положение. Лишь для С. Пилявской последние пять лет оказались одними из самых значительных и насыщенных в ее биографии.

...И все же совершенно очевидно, что неизбежное откладывается, но не отменяется... Если Малому театру суждено быть не только первым зданием, но и первой или одной из первых трупп, то он должен постоянно получать и приток молодежи, чтобы места для исполнителей ролей Джульетты и Ромео, Гамлета, Чацкого и Хлестакова не оставались вакантными, и не бояться приглашать в труппу звезд всероссийского масштаба, как это было с Ильинским и Царевым, Жаровым и Бабочкиным, Кенигсоном, Любезновым, Константиновым, Самойловым, Хохряковым, Весником...

...Еще одна проблема, возникшая в 1989 году в Малом театре, — приглашение иноземных режиссеров и зарубежные гастроли. Эту проблему нельзя было не разрешать, ибо престиж гражданина тогда еще СССР, начиная с 1988 примерно года, определялся количеством зарубежных контактов. Театр здесь не исключение. Трудность заключалась в том, что эти контакты Малому театру приходилось вести на свой страх и риск, без какой-либо помощи со стороны СТД.

Скажу откровенно, что, на мой взгляд, ни один из спектаклей Малого театра, поставленных режиссерами из США, Израиля и Германии, особых лавров театру не принес. Впрочем, вспомним спектакли американских режиссеров в Ермоловском или Пушкинском театрах и согласимся, что любой практикант ГИТИСа или ЛГИТМиКа, хоть с тройкой по мастерству переведенный на 4 курс, мог бы поставить не хуже. Полагаю, что наш опыт был полезен, прежде всего постановочной части и труппе, как попытка за месяц работы построить капитализм в условиях перехода от развитого тоталитаризма к недоразвитой демократии.

Зато зарубежные поездки 1989/90 года — важная веха в жизни театра. И если поездка в Ливию, пожалуй, обнаружила лишь способность актеров жить и творить в условиях «сухого закона» (материалы о способах нарушения его прошу хранить до 2089 года), то поездки в Израиль и Японию, полагаю, остались не только в памяти Малого театра.
8 февраля 1990 года чартерным рейсом нас «перебросили» в Тель-Авив. Как-никак это были первые официальные гастроли в Израиле русского театра, через месяц принявшего Камерный театр из Тель-Авива. И если в духовном плане Вифлеем, Гефсимания и причастие у Гроба Господня останутся самым значительным событием в жизни по крайней мере у части труппы, если общение с русским духовенством, с местными жителями — коренными и бывшими соотечественниками — обогатило нас таким обилием новых фактов, конфликтов, пониманием разных проблем, как, быть может, ни одна поездка до и после, то — в театральном плане две недели переполненных залов на трех спектаклях, включая не только «Вишневый сад» и «Лешего», но и «Царя Федора Иоанновича», сыгранного дополнительно, сверх контракта, давали актерам надежду на то, что и в Москве они будут небезынтересны зрителям... Добавлю, что спустя полтора года Б. Морозов поставил в Тель-Авиве «Чайку». Опять-таки наша пресса, до премьеры многократно и вполне закономерно оповещавшая читателя о том, что в «Чайке» занят М. Козаков, как-то не удосужилась сказать, что ставил-то спектакль наш соотечественник.

Лишь М. Захаров отозвался лестно о морозовской «Чайке», лишний раз убеждая в том, что подлинный талант может быть щедрым и не ревнивым к чужому успеху.
А двухнедельные гастроли в Японии в 1990 году должны быть продолжены в начале 1993-го тремя спектаклями на 40 дней и в нескольких городах, причем к игравшемуся в прошлый раз «Вишневому саду» добавляются «Царь Федор» и «...И аз воздам»...

...В 1992 году Малый театр начинает собирать плоды посева 1988— 1989 годов. Далеко не все вызрело из того, что было тогда посеяно, не все взошедшее одинаково спелое, урожай не всем достался поровну, далеко не все осмыслено как внутри театра, так и за его пределами. А пока — Дом Островского репетирует Островского, зритель ходит, критик пишет, здание стоит. Театр выдержал даже свободу торговли начала 1992 года. Мало- помалу и в Малый театр возвращается жизнь — трудная, больная, нервная, но жизнь. И даже временами счастливая.

"Малый театр", №6-7 2017.

Дорогие друзья!

Мы продолжаем публиковать на сайте материалы из последнего номера газеты «Малый театр». Сегодня вашему вниманию мы предлагаем интервью с заслуженной артисткой России Татьяной Лебедевой, посвященное ее работе над образом Домны Пантелевны в комедии А.Н.Островского «Таланты и поклонники».

— Когда я читала пьесу, мне показалось, что в моей героине больше комедийных красок. Это сразу лежало на поверхности, Домна Пантелеевна — характерный, бытовой образ. Я должна была играть простую малограмотную женщину и произносить эти ее специфические слова, такие как «шуфлер» «ампренер». Это сразу ассоциировалось с персонажами, которых играли великие старухи — Садовская. Рыжова… и полностью соответствовало их амплуа. Моя же актерская индивидуальность другая. Но Островский так и тянет играть в комедийном ключе, хотелось в этом «покупаться», уйти от драмы. Придумала для себя, что создам этот образ ярким, сочным, колоритным, не лишенным юмора, может быть, и женского кокетства. Даже с неким лихим актерским озорством: где-то пустилась бы и в пляс. Тем более, был опыт работы над ролью Пелагеи Егоровны в спектакле «Бедность не порок» в постановке Александра Коршунова. Захотелось еще раз погрузиться в мир Островского. Режиссер сначала одобрял мои искания. Уже кое-что начинало получаться. Но когда дело дошло до прогонов, музыка вошла в ткань спектакля, режиссер настоятельно просил уйти от всяких бытовых проявлений в роли, от традиционного исполнения Домны Пантелеевны как комедийной старушки. Наверное, убедившись, что мне как актрисе такой рисунок роли не свойственен. Драгунов в другом ключе решал спектакль. Требовал играть строго без нажима. В результате к выпуску спектакля я поняла, что никаких ярких красок не может и не должно быть. Это диссонировало бы и с установками режиссера и с игрой моих партнеров. Выпадение из ансамбля недопустимо. Я была растеряна. И решила идти от себя, от своей актерской индивидуальности.

— Имя «Домна» происходит от латинского слова «domina» — значит «хозяйка, госпожа», хозяйка дома, и получается что она хозяйка и в судьбе дочери… ?

— Да, она хозяйка дома, держит его, тянет этот воз. Домна Пантелеевна и дочь воспитывала одна: муж музыкант провинциального оркестра, вряд ли мог быть ей помощником. Каждый рубль на счету, не на что приобрести Саше сценический гардероб и переменить квартиру, а у дочери грядет бенефис. Сложно выжить в этом мире, кстати, и сегодня. Моя Домна Пантелеевна не угодничает, не лебезит перед власть имущими.. Она — другая. Не похожа на Огудалову из «Бесприданницы», которая буквально «торгует» дочерью, постоянно хитрит, льстит, заискивает и попрошайничает у богатых. Здесь устои дома довольно строги. Я зацепилась за эту тему. И вдруг почувствовала свою героиню — женщину, наученную судьбой выживать, не потерявшую ни сердечности, ни внутренней силы, сохранившую в себе порядочность, чувство собственного достоинства. Появилась моя мотивация пребывания на сцене. При этом она же живой человек и, вопреки невзгодам, сохраняет чувство юмора, подтрунивает над симпатичным ей Нароковым — Прокофьичем как она его называет (помощником режиссера) — чуть-чуть подкалывает, подсмеивается над ним.

— Ваша Домна Пантелеевна влияет на выбор дочери — уехать с Великатовым или Саша сама принимает такое решение?

— Домна Пантелеевна — добра по природе. Просто знает точно: нежности нашей бедности не по доходам. И сама отшатывается от соблазна, бормочет: «Да меня бог и люди…». И — в конце-то концов — оставляет Сашу наедине. Решать самой. Не разбираясь особенно в искусстве и даже отвергая его, она любит свою дочь и разделяет ее терзания. Но понимает, что Саша — большой талант, и рождена для сцены. А рядом с ней находятся люди, которые, может быть, менее талантливы, а все имеют. И глупо сомневаться в необходимости (как сегодня говорят) спонсорской поддержки искусства: когда богатый покровитель, направляет, спасает, дает деньги. Сделка уже заключена, Великатов купил мою дочь. В финале на вокзале Домну Пантелеевну вдруг резанула его появившаяся настойчивая хозяйская интонация в голосе. С тревогой подумалось — сейчас этот человек готов на все, а дальше неизвестно какая судьба ожидает мою героиню и её дочь, может быть и несчастная.

— В предыдущей постановке «Талантов и поклонников» (режиссер Владимир Бейлис) вы играли Смельскую. Какой вашу героиню увидел зритель? Естественно, что сегодняшний взгляд на пьесу и на роль Смельской другой?

— Смельская — совершенно естественная, веселая. Я даже танцевала на сцене канкан, но не играла мою героиню кокоткой. Она постарше Негиной, и в ее жизни наверняка были актерские удачи, она человек одаренный. Я предположила, что в ней произошел какой-то надлом, она решила для себя, что от жизни надо брать все и сейчас, ведь можно остаться и не с чем. И выбрала деньги. Терпение, медленный труд самоусовершенствования в профессии — это удел Негиной. Соперничества в профессии между двумя актрисами нет. Смельская доброжелательно относится к Негиной, знакомит ее с Великатовым, выбирает ей платье на бенефис. Но в итоге тихая, скромная Саша Негина даже опережает подругу, берет ее «добычу», «срывает ставку» Смельской. Мне Негина тогда казалась «загадкой», человеком непростым. Отъезд Негиной для моей героини был потрясением.Аксинья Пустыльникова, вводилась на роль Смельской в сегодняшний спектакль, и мы обменялись с ней мнениями по решению этого образа. Оказывается, ей близко такое видение этого персонажа.

— Смельская, охотно принимая покровительство богатых поклонников, живет лучше, чувствует себя в театре гораздо увереннее, чем талантливая Негина. Но ведь судить Смельскую за легкомыслие и безнравственность, значило бы подвергнуть сомнению решение, которое принимает Негина и лишить этот образ привлекательности?

— Ведь она сопротивлялась… Разве не отвергла она гнусное предложение сластолюбивого князя Дулебова? Разве хоть минуту колебалась она, прежде чем отклонить домогательства циника Бакина? Она одержима театром, сценой. Это жертва, которую она приносит на алтарь искусства. А, может быть, она станет второй Ермолой, Комиссаржевской… Кстати, из сотен героев и героинь своих пьес только Негиной одной Островский дал свое собственное имя и отчество, неспроста это.

— Талант всегда привлекает поклонников, но и они бывают разные: одни боготворят своего кумира преданно и бескорыстно, другие оценивают чужие способности суммой прибыли. Наличие таланта — большая ценность, но как распорядиться им, если таланту не дают возможности реализовать свой дар?

— Как говорят, художник должен быть голодным… Сейчас много способных людей, кто их поддерживает? Если не богатый покровитель, то, как реализовать свой талант? Остаётся надеяться только на удачу. И начинается погоня за успехом и славой! Что пересилит в нашем обществе, отношение к человеку, к таланту, как безусловной ценности или расчет, соблазн выигрыша любою ценой? Ситуация такого выбора вечна. Вечен и Островский.

Елена Микельсон, газета «Малый театр» №6-7 2017

Дорогие друзья!

Предлагаем вашему вниманию наш небольшой видеорепортаж с первой читки комедии Ж.-Б.Мольера «Тартюф».

8 февраля в водевиле П.А.Каратыгина «Таинственный ящик» роль Джульетты сыграла актриса Аполлинария Муравьева. От души поздравляем Полину с этим знаменательным событием и желаем новых творческих успехов!

Народный артист России Валерий Афанасьев пришел в Малый театр в марте 2017 года. Его первой премьерой стал Борис Годунов в возобновленном спектакле Владимира Бейлиса «Царь Борис» А. К. Толстого. Сразу после премьеры редакция взяла короткое интервью у актера.

- Валерий Алексеевич, Вас пригласили в Малый театр на роль Бориса Годунова?

— Не совсем. Меня пригласили работать в Малый театр, и было очевидно, что приходить нужно с ролью. Так сложилось, что Владимир Бейлис запланировал восстановление «Царя Бориса» и предложил мне главную роль.

— У спектакля богатая история: Бориса Годунова в свое время играли Виктор Коршунов и Василий Бочкарев. Говорили ли вы с Владимиром Бейлисом, в каком ключе Вы хотели бы решить образ Вашего Бориса?

— В решении образа мы с Владимиром Михайловичем решили отталкиваться от меня. Потом нашли определенный знаменатель: он — кающийся человек, но при этом оправдывающий свои поступки, даже самые страшные, желанием процветания своего государства. Это же большой вопрос, стоит ли совершать такое количество преступлений ради одной слезы ребенка. Представьте, что для Бориса важно, прежде всего, государство — оно для него, как дитя, которое нужно поставить на ноги — и ради него он и совершал все свои самые страшные дела. Сочетание человека жесткого, но кающегося, и есть мой Борис.

— Как шла работа над ролью?

— Если честно, когда я дал согласие, то не очень хорошо понимал, какой объем работы меня ждет. Спектакль я не видел, и именно эту пьесу из всей трилогии Толстого не читал. Когда я ее прочел, то опешил от количества сложнейшего текста, написанного белым стихом, где если хоть слово выпадет, то теряется размер. К работе я решил подходить постепенно. Обычно, перед тем как преступить к репетициям, я беру тетрадь и переписываю туда свою роль. Так было и с Борисом. Я уехал на дачу, и там в тишине работал, а когда переписываешь, раздумываешь, то страх потихоньку уходит, и так, шажочек за шажочком, ты двигаешься дальше.

— А кто Борис для Вас, прежде всего?

— Если мы говорим про персонаж, а не про историческую личность, то он — человек. В чем прелесть для актера в этом спектакле?! Все картины у Бориса разные: в начале — помпезная, царская — прием послов, дальше — речь о семье, встречи с детьми и сестрой, где он раскрывается как отец, как брат. Образы, эмоции идут волнами, их нужно уловить, через них все прожить и прийти к трагическому финалу. Борис взошел на престол, царствовал, но был сломан огромной машиной власти. В первой картине он полон сил и надежд, но после всего происходящего превращается в развалину — кается за свои преступления. Все эмоции и поступки Бориса я стараюсь проводить через себя. Он совершал страшные поступки? Совершал! Каялся? Каялся! Предавал кого-то? Да. Хотел фанфар? Хотел. В моей жизни, конечно, не было таких страшных вещей, но мы тоже через многое проходим: и через ревность, и через зависть.

— Как образ Бориса меняется к концу спектакля?

— В первую очередь, физически: от сильного мужчины с внутреннем стержнем до абсолютно разбитого человека, который ищет успокоения, для которого смерть — избавление. Он не может уйти просто так. Ему не только нужно оставить сына у власти, но еще и подготовить для него престол. — Тяжело ли Вам дается сцена финала? — Есть актерское мнение: чтобы заплакать, нужно идти от себя, вспомнив трагические моменты своей жизни. Когда в последней картине я подхожу к Сергею (Ефремову — исполнителю роли царевича Федора), то представляю своего младшего сына, а Сережа на него очень похож. Для меня только посмотреть на этот затылок… — тот момент, когда в финальную сцену я провожу собственные переживания.

— Сейчас, когда первые спектакли уже прошли, что Вы можете о них сказать?

— Перед премьерным спектаклем очень волновался, миллион раз повторял первый монолог, знал его, как «Отче наш». Но перед выходом на сцену у меня вдруг появилось ощущение, что я его не помню. Да, я профессионал, в театре работаю пятьдесят лет, но выходя на сцену каждый раз волнуешься, как в первый. В одних сценах что-то забываешь, в других, наоборот, находишь. Сомнение есть всегда. Кажется, что когда репетировал, получалось лучше, интереснее. Но профессия обязывает: как встал на планшет сцены, все волнение уходит, и дальше ты идешь по канве роли.

— Зритель встречает Вас аплодисментами?

— Никогда заранее не думаю об аплодисментах, если они появляются, я счастлив. Аплодисменты — это загадка. Иногда бывает, прибегаешь усталый, выходишь на сцену, что-то сказал, сцена проходит — и вдруг овации. Бывает и наоборот: ты полон сил, думаешь, ну вот сейчас, а раз — и нет реакции зала. Не знаю, как зритель дальше будет принимать спектакль, но мне бы хотелось сочувствия для моего Бориса. Когда человек уходит из жизни — я говорю сейчас про людей, которые прожили тяжелую жизнь и совершили неблаговидные поступки — мы ему прощаем многое.

— Можно сказать, что премьера прошла удачно. Билетов на ближайшие спектакли уже нет!

— Это огромная ответственность. Если зритель Малого театра доверился и купил билеты на спектакль с моим участием, мне очень важно оправдать его ожидания. Если он потом придет еще раз и скажет, что вот в одном спектакле я играл так, а сегодня эту же роль по-другому — это особенно ценно. Мне же кажется, что я толком еще не сыграл, а только наметил роль. Но радостно, что люди приходят — это самое важное, так как с моим Борисом мы только в начале пути.

Дарья Антонова

"Малый театр", №6-7 2017

5 февраля в Центре документального кино (ЦДК) прошел показ фильма «Его величество актер». Документальный фильм о художественном руководителе Малого театра Юрии Соломине сняли режиссер Денис Бродский (Курочка) и оператор Алексей Галкин. Закрытая премьера фильма состоялась год назад в Центральном доме кино и имела такой успех, что дополнительные показы для зрителей были устроены дважды – в кинотеатре «Октябрь» и Центре документального кино (ЦДК).

- Денис, расскажите о том, как к вам пришла идея фильма?

- Начну с того, что «Его величество актер» входит в цикл под названием «Фильмы о выдающихся деятелях театра на большом экране». В его основе не классический фильм-портрет, где мы идем по этапам жизни героя, а ощущения автора от увиденного. Я подходил к истории о Юрии Мефодьевиче именно с этой стороны: мне было важно застать героя в момент проживания им знаковых событий. Такое событие случилось – началась реконструкция Исторической сцены Малого театра, и Юрий Мефодьевич сказал: «Давай, снимай!» Он поверил мне и, что очень важно, доверился. Мы совместно пустились в эту авантюру. Снимали больше года. Позже у нас даже появилась возможность снять продолжение фильма: были гастроли театра в Читу, на родину Юрия Мефодьевича, и мы с оператором Алексеем Галкиным поехали туда уже по его приглашению. У нас есть этот материал, и мне очень хочется завершить второй фильм. Сейчас он находится в работе – нам нужно еще кое-что доснять уже тут, в Москве. В ближайшее время будем рады представить зрителю «читинскую историю» Юрия Мефодьевича Соломина.

Что лично для вас значит работа над этим фильмом?

Может, это звучит пафосно, но для меня эта работа - возможность встречи с личностью планетарного масштаба, огромного жизненного опыта, каким является Юрий Мефодьевич Соломин.

Мысль снять фильм о Юрии Мефодьевиче зародилась у меня, когда я отпрашивался у него сниматься в кино, а он ругался на меня. Как-то раз я ему и сказал: «Юрий Мефодьевич, я сниму о вас фильм!» Думаю, тогда он отнесся к моим словам с иронией. Спустя два или три года – к тому времени я уже закончил режиссерский факультет ВГИКа - мысль, «запущенная в космос», материализовалась – фильм появился, причем не один, а целых два. Для меня «Его величество актер» – дань уважения мастеру, художественному руководителю, и, прежде всего, человеку.

Чего больше в фильме «Его величество актёр», театральности или кинематографичности?

Французский режиссер Рене Клер много говорил о соединении театра и кино. Я думаю, влияние театра во мне очень сильно, и заявлять о том, что это чисто кинематографическое кино, нельзя. Многие после просмотра говорили мне, что у них возникло полное ощущение заранее прописанных сцен, хотя на самом деле в фильме нет ни одного постановочного кадра. Но именно этого я и добивался: найти декоративную манеру в документальном повествовании.

Как складывались отношения с вашими столь именитыми героями во время съемок?

Они фантастические. Еще до того, как возникла идея проекта, меня попросили снять поздравление по случаю юбилея Юрия Соломина от худруков столичных театров. Я встретился тогда с Марком Захаровым, Геннадием Хазановым, Иосифом Райхельгаузом, Романом Виктюком и многими другими. Когда мы снимали худруков, я понял, что это люди особой культуры, особого культурного кода. Так что я очень счастливый человек. У меня есть возможность работать с этими людьми в контексте моих фильмов. Каждая встреча – это подарок. Ведь даже в их паузе может быть так много сказано о том, как делать фильм. Или Юрий Мефодьевич, к примеру, может обронить какое-то одно слово, и оно будет настолько значимо…

Я уже говорил, что идея проведения съемок фильма во время реконструкции была большой авантюрой, потому что объект был закрыт для посторонних, а мы его вздумали снимать. Только благодаря Юрию Мефодьевичу нам удалось то, что в итоге получилось: он нам буквально открыл все двери, и мы могли беспрепятственно работать. Я благодарен ему за это.

Когда ты встречаешься с такими людьми, это вдохновляет, мотивирует, и это очень важно - получить такой заряд в начале пути!

Уважаемые зрители!

12 февраля по техническим причинам кассы Основной сцены будут работать до 19:00.

Приносим извинения за возможные неудобства!

Дорогие друзья!

6 февраля в Малом театре прошла первая читка комедии Ж.Б.Мольера «Тартюф». Постановка поручена режиссеру Владимиру Драгунову. В качестве художника-постановщика приглашен Станислав Бенедиктов. Комедия пойдет в музыкальном оформлении композитора Григория Гоберника.
В спектакле заняты Виктор Низовой (Оргон), Татьяна Лебедева (госпожа Пернель), Ирина Леонова (Эльмира), Максим Хрусталев (Дамис), Дарья Новосельцева (Мариана), Василий Зотов (Клеант), Инна Иванова (Дорина), Александр Наумов (Валер), Станислав Сошников (Господин Лояль) и Андрей Сергеев (офицер). Заглавную роль исполнит Глеб Подгородинский.

По традиции, первую встречу постановочной команды нового спектакля открыл художественный руководитель Малого театра Юрий Соломин.

Сегодня мы предлагаем вашему вниманию фоторепортаж Николая Антипова, а через некоторое время подготовим и небольшой видеосюжет о том, как прошла первая читка пьесы.

[GALLERY:387]

Программа «Большие гастроли» – крупнейший театральный проект России, созданный по инициативе президента Российской Федерации В.В. Путина. Программа реализуется Центром поддержки гастрольной деятельности Министерства культуры РФ с 2014 года и состоит из четырех основных направлений:

— Федеральная программа – гастроли федеральных и ведущих театров страны (с 2014 г.)
— Зарубежная программа – международная программа по взаимодействию с русскими театрами за рубежом (с 2015г.)
— Большие гастроли для детей и молодежи – гастроли детских театров, ТЮЗы, кукольные и другие театры со спектаклями для детей и молодежи (с 2017г.)
— Межрегиональная программа – поддержка гастролей региональных театров всей страны, в том числе обменных и кросс-гастролей (с 2017г.)
На пресс-конференции в ТАСС в первый день февраля представительная делегация спикеров встретилась с журналистами и телевизионщиками по поводу предстоящей работы в 2018 году программы «Большие гастроли».

Рассказывали о предстоящих гастролях, целях и задачах представителям СМИ – Журавский Александр Владимирович – зам.Министра культуры РФ, Булукова Елена Николаевна – генеральный директор Федерального центра поддержки гастрольной деятельности, Крок Кирилл Игоревич – директор Государственного академического театра имени Евгения Вахтангова, Михайлова Тамара Анатольевна – генеральный директор Государственного академического Малого театра, Безруков Сергей Витальевич – художественный руководитель Московского Губернского театра, Золотовицкий Игорь Яковлевич – ректор школы-студии МХТ имени Чехова, Мухомеджан Фатима Рафиковна – заместитель директора Благотворительного фонда «Искусство, наука и спорт» (партнер программы «Большие гастроли»).

Первым слово предоставили заместителю министра культуры РФ Александр Журавский. Он рассказал журналистам, что программа «Большие гастроли» позволяет зрителям в регионах увидеть постановки ведущих театров страны, в 2018 году охватит все 85 субъектов России. Финансирование со стороны Минкультуры составляет 513 млн. рублей. Также Журавский отметил, что, как минимум 270 театров дадут более 2 тысяч спектаклей в 200 городах. Далее замминистра обратил внимание журналистов на то, что ведомство также ввело новые механизмы поддержки театров, в том числе субсидии детским театрам и театрам малых городов, что позволяет улучшать их техническое оснащение.

Генеральный директор Федерального центра поддержки гастрольной деятельности Елена Булукова уточнила, что в нынешнем году программа «Большим гастролям» стартует в феврале и включает в себя мероприятия от Чукотки до Дербента. Журналисты узнали также, что в этом году к программе присоединились Театр им. Моссовета, «Современник» и МХАТ им. Горького, а также в Россию приедут Русский театр из Узбекистана и Кишиневский театр. По правительственному проекту строятся новые Дома культуры, и в них «Большие гастроли« видят расширение возможностей проката спектаклей лучших театров страны, а ДК будут задействованы как новые площадки для показа более широкой аудитории.

Следующим выступающим стал импозантный Кирилл Крок — директор Театра им. Вахтангова, который рассказал журналистам, что коллектив театра планирует гастроли на Дальний Восток в апреле. С гордость Кирилл Игоревич сообщил, что у театра на вывозные спектакли имеются по два комплекта костюмов и декораций, таким образом, есть база для осуществления далеких поездок, без ущемления зрителя. Летом арбатский театр собирается ехать в Омск, в театр-побратим, а осенью вахтанговцы ждут омичей на своей площадке в Москве. Сам же Театр Вахтангова в это время будет гастролировать на Северном Кавказе.

Очаровательная Тамара Михайлова призналась на пресс-конференции, что именно гастроли помогли сохранить коллектив Малого театра во время реконструкции исторической сцены. В мае театр поедет в рамках«Больших гастролей« с премьерами в Кострому и Ярославль. Тамошние жители смогут насладиться легендарным спектаклем «Женитьба« с корифеями Малого театра и «Не все коту масленица« — с молодежным составом. Дальше путь театра лежит в Екатеринбург и Нижний Тагил.
Добавил изюминки в пресс-конференцию непревзойденный актер, а теперь и худрук Губернского театра, Сергей Безруков. Он рассказал о постановке к 80-ти летию Владимира Высоцкого, которую представили шести тысячам зрителей в Кремлевском Дворце. А изюминка заключалась в сравнении возможностей Театра имени Вахтангова и Губернского театра, а также в степени популярности Киркорова и Высоцкого. Журналисты и участники пресс-конференции с улыбкой отреагировали на репризы Безрукова. Далее он рассказал о том, что постановку о Высоцком театр везет в Астрахань, Сургут, Ханты-Мансийск и Санкт-Петербург. Также в гастролях будет участвовать премьерный спектакль театра «Вишневый сад«.

Игорь Золотовицкий порадовал журналистов сообщением, что есть договоренность с Центром поддержки гастрольной деятельности о том, чтобы студенческие спектакли и Школы-студии МХТ, и Щукинского училища стали участниками программы «Больших гастролей«. Это будет хорошей традицией и просветительским проектом и для молодой зрительской аудитории, и для начинающих артистов. Первым пунктом такой поездки станет город оружейников – Тула. Но и Игорь Яковлевич не захотел отставать от Сергея Безрукова в плане шуток, и рассказал присутствующим о том, как благодаря программе «Большие гастроли « он впервые за 35 лет попал в родной Ташкент, и с каким трепетом и благодарностью интернациональный зал принимал труппу театра.

Заключительным спикером пресс-конференции выступила Мухомеджан Фатима Рафиковна – заместитель директора Благотворительного фонда «Искусство, наука и спорт», который является партнером программы «Большие гастроли». Она поблагодарила все театры за активное участие в программе и сообщила журналистам об успехах прошлых фестивалей и заверила, что Фонд будет и дальше поддерживать благородные начинания театральных коллективов страны, помогать им финансово, осуществить все запланированное.

Аплодисменты собравшихся журналистов после окончания пресс-конференции стали свидетельством правильности и нужности данной программы для всех регионов страны.

WPNews, 2 февраля 2018 года

7 февраля в комедии Э.Скриба и Е.Легуве «Тайны мадридского двора» роль Танцующей дамы впервые исполнит актриса Мария Дунаевская.

2018 год – знаковый для Элины Авраамовны Быстрицкой: прославленной актрисе исполняется 90 лет, ровно 60 из них отдано служению Малому театру.

Элина Быстрицкая была приглашена в труппу в 1958 году. С первых же лет работы она смогла занять и сохранить по настоящее время почётное место в когорте ведущих мастеров Малого театра.

Быстрицкую можно смело назвать идеалом актрисы – дивная красота сочетается у неё с незаурядным талантом. Её дебютом стала леди Уиндермиер в блестящей салонной комедии О.Уайльда, получившая признание не только зрителей и критиков, но и, что немаловажно, коллег-артистов. Э.А.Быстрицкой довелось играть и особ благородного происхождения, и наших современниц, но всех её героинь, таких разных и не похожих друг на друга, объединяет яркая индивидуальность, магия личности Элины Авраамовны.

В творческом багаже актрисы нет ни одной «проходной» героини. Красота, стать и царственность сделали её идеальной исполнительницей «костюмных ролей», но Быстрицкой на редкость повезло с драматургическим материалом: сыгранные ею героини, будь то упоминавшаяся леди Уиндермиер, или же баронесса Штраль («Маскарад»), герцогиня Мальборо («Стакан воды»), наделены острым деятельным умом и всем спектром человеческих эмоций.
Будучи актрисой театра, носящего неофициальное звание «Дом Островского», Быстрицкая неоднократно участвовала в постановках по произведениям великого драматурга. В числе исполненных ею ролей – Лидия («Бешеные деньги»), Глафира («Волки и овцы») и Турусина («На всякого мудреца довольно простоты» – за эту роль актриса была удостоена Премии Правительства России). «Образ Лидии, созданный Быстрицкой, займёт самостоятельное место в сценической истории «Бешеных денег», – писал известный критик Б.В.Алперс. – В нём есть необходимая цельность и сложность, очень редко достигаемые исполнительницами этой роли».

Одна из вершин творчества актрисы – Отрадина/Кручинина в «Без вины виноватых» А.Н.Островского. «Её Кручинина ни на одно мгновение не позволяла забывать зрителям и окружающим коллегам по сцене, что перед ними прославленная актриса, женщина, что называется, с удачно состоявшейся судьбой, привыкшая к поклонению и поклонникам, но при этом несущая в душе некую трагическую тайну. Эта женщина прошла через кошмар разочарования в любимом человеке, через подлый обман, наконец, через смерть ребёнка и, может быть, именно поэтому поместила в своей душе если не всепрощение, то постоянное внимание к людям, её окружающим. Быстрицкая играла – нет, не играла, а со всей присущей ей художественной убедительностью творила на глазах у зрителей жизнь души истинно верующего в добро и конечную справедливость человека», – писал критик А.Шерель.

Способная достичь вершин подлинного трагизма, Быстрицкая обладает качеством, присущим далеко не каждой актрисе: она не боится быть нелепой и смешной. Её ханжа Турусина прикладывается к рюмочке, Москалёва из «Дядюшкиного сна» мнит себя представительницей высшего общества, проживая в Богом забытом Мордасове. Но есть среди работ Элины Авраамовны и такая, что сочетает в себе свойства «от великого до смешного»: леди Китти в комедии С.Моэма «Любовный круг» – Быстрицкая виртуозно раскрывает сложный и противоречивый образ своей героини, превращая её на глазах зрителей из легкомысленной кокетки в глубоко чувствующую и страдающую женщину, расстающуюся с иллюзиями прошлого.

В числе лучших созданий актрисы – работы в спектаклях по А.П.Чехову и М.Горькому, драматургам, замечательно отображавшим психологический мир своих героев. Среди них горьковские Юлия Филипповна («Дачники»), Софья Марковна («Старик»), Пелагея («Фома Гордеев»), Анна Петровна («Иванов» А.П.Чехова).
Всенародную популярность и зрительскую любовь принесли Э.А.Быстрицкой её работы в кино. Миллионы почитателей «Тихого Дона» С.А.Герасимова не представляют себе другой Аксиньи. Число поклонников Быстрицкой растёт с каждым новым поколением зрителей, впервые открывающим для себя «Тихий Дон», «Добровольцев», «Неоконченную повесть», «Николая Баумана», «Богатырь идёт в Марто», «В мирные дни», «Всё остаётся людям» и другие картины с участием актрисы, составляющие золотой фонд отечественного киноискусства.

Э.А.Быстрицкая активно занята в концертной деятельности. Актриса выступает с оркестром Малого театра; на её счету участие в ряде программ, посвящённых значимым датам в истории нашей страны, таким как День России, День защитника Отечества, Международный женский день, День космонавтики и др. В репертуаре Элины Авраамовны – романсы, народные песни, песни военных лет. 22 июня 2011 года она участвовала в концерте оркестра Малого театра, посвящённом 70-й годовщине начала Великой Отечественной войны (Донецк).

Сегодня, в день творческого юбилея, мы предлагаем читателям сайта посмотреть запись спектакля "Без вины виноватые" А.Н.Островского, в котором Элина Авраамовна исполнила роль Отрадиной (Кручининой).

19 февраля Юрий Соломин и артисты Ирина Муравьева, Алексей Фаддеев и Инна Иванова посетят Государственный музей Льва Николаевича Толстого. В этот вечер в доме великого писателя пройдет встреча, посвященная 130-летию первой постановки пьесы Льва Толстого «Власть тьмы» и 10-летию спектакля, поставленного в Малом театре.

У пьесы Толстого интересная сценическая история, ведь ее премьерные показы прошли вовсе не в России, а за рубежом – в Париже и Берлине. На родине по цензурным соображениям премьера откладывалась, и впервые спектакль был поставлен в Петербурге.

В Малом театре к «Власти тьмы» обращались трижды, впервые – в 1895 году в бенефис Надежды Никулиной, сыгравшей Анисью.

В 1956 вышел легендарный спектакль Бориса Равенских. Тогда сценографию Бориса Волкова сравнивали с картинами Венецианова - таково было соотношение света и цвета на сцене. Создателями нарочно подчеркивалась гармония окружающего мира - в противовес внутренней греховности человека, свету природы и быта (убранства избы и национальных костюмов) противопоставлялась темнота души героев. У спектакля была долгая сценическая жизнь: он был популярен, и билеты на него быстро раскупались. Сегодня зрители могут посмотреть телеверсию спектакля 1978 года, где заняты: Игорь Ильинский – Аким, Борис Горбатов – Петр, Михаил Жаров – Митрич, Елена Шатрова – Матрена. Анисью и маленькую Анютку играли тогда выпускницы Щепкинского театрального училища, а ныне заслуженные артистки России, актрисы Малого театра Ольга Чуваева и Клавдия Блохина. В роли Никиты в телеверсии можно увидеть Виктора Коршунова, хотя изначально в спектакле эту роль играл Виталий Доронин, а в роли Матрены – великолепную Татьяну Панкову.

10 лет назад, в 2007 году, Юрий Соломин вернул «Власть тьмы» на сцену Малого театра. Спектакль с участием Ирины Муравьевой (Матрена), Владимира Носика (Петр), Алексея Кудиновича (Аким), Алексея Фаддеева (Никита), Инны Ивановой и Ирины Жеряковой (Анисья), Екатерины Базаровой и Ольги Абрамовой (Акулина), Лидии Милюзиной и Дарьи Мингазетдиновой (Анютка) по сей день в репертуаре и, несмотря на страшный сюжет, пользуется у зрителя неизменным успехом. Роль Митрича в спектакле Соломина незабываемо играл Александр Сергеевич Потапов, сейчас в этой роли можно увидеть Виктора Низового и Михаила Фоменко. По случаю юбилея постановки Музей Льва Толстого пригласил на встречу Юрия Соломина и артистов – исполнителей главных ролей: Ирину Муравьеву, Инну Иванову и Алексея Фаддеева.

Встреча состоится 19 февраля в 17:00 в Государственном музее Л.Н. Толстого.

Вход по приглашениям.

ОБРАЩАЕМ ВАШЕ ВНИМАНИЕ! ЗАПИСЬ НА МЕРОПРИЯТИЕ 19 ФЕВРАЛЯ ЗАКРЫТА!

Дорогие друзья!

Предлагаем вашему вниманию запись ток-шоу «Действующие лица» на радио «Культура». Ведущие передачи Владислав Борецкий и Оксана Подрига так представляют своих гостей: «Малый – один из старейших традиционных театров Москвы. Однако наряду со всенародными любимцами, пожилыми маститыми артистами, на подмостки выходит молодёжь, о которой мы знаем гораздо меньше. Мы решили встретиться с молодыми представителями труппы Малого театра и поговорить с ними о жизни в искусстве. К тому же, гости нашей программы – участники спектакля "Васса" по пьесе М.Горького, чей юбилей в этом году отмечает весь мир».

Слушать запись