17 декабря в спектакле «Свадьба, свадьба, свадьба» А.П.Чехова роль Елены Ивановны Поповой первый раз сыграла артистка Ольга Абрамова. Поздравляем и желаем новых творческих успехов!

Удивительные вещи творятся в нашем театральном королевстве. Смотрю интервью одного из руководителей знаменитой театральной премии. Говорит человек: у нас экспериментальные спектакли. Есть постановка, в которой участвует один (!!!) зритель, играют и для пяти человек. Те, что играются на тридцать-сорок зрителей, будем несколько раз повторять...

Марк Анатольевич Захаров, который, как известно, малые формы не любил, сокрушался: эдак мы дойдем до спектакля в лифте... Эта гипербола оказалась весьма близка к жизни.

Поставив в своей жизни немало спектаклей как режиссер и посмотрев их в разы больше как зритель, я, знаете, что вам скажу? Самое сложное в театре - внятно, интересно и со вкусом рассказать историю. То есть сделать то, что нынче считается чуть ли не отстоем. Те, кто этого не умеют, - начинают "выпендриваться", придумывать всякие гэки, демонстрировать свою фантазию.
Вот сижу я в замечательном зале филиала Малого театра и получаю удовольствие. Понимаете, да? Не оцениваю происходящее на сцене, не разгадываю режиссерские ребусы, а просто удовольствие получаю. За чем, собственно, в театр и хожу. Показывают "Слугу двух господ" в постановке итальянского режиссера Стефано де Лука. Аншлаг. Зал хохочет, замирает в напряженные моменты, хлопает, когда на сцене торжествует любовь... Короче говоря, ведет себя так, как должен вести себя зритель на хорошем спектакле.
Спектакли Малого театра, как правило, обходят и критики и раздатели театральных премий. Потому что живем в такое время, когда, чтобы понравиться критикам и раздателям, надо ставить не хорошие, глубокие спектакли, а скандальные. Не живые люди интересны театральной общественности, а всякие придумки.

Труффальдино в спектакле играет молодой актер С. Потапов. Играет блестяще - тонко, умно, невероятно темпераментно. Премий не имеет. С положительными критическими отзывами - тоже напряженка. Зрители встают, когда он выходит на поклоны. Такие дела.
Стефано де Лука создал традиционный вроде бы спектакль, но эта традиционность и стала авангардной. Он каким-то невероятным образом соединил русский психологический театр и итальянскую комедию масок. На этом языке поставил внятную и замечательную историю Карло Гольдони. Режиссер сумел объяснить актерам необычную форму существования, и они в восторге откликнулись.

Не так уж часто увидишь среди нынешних театральных экспериментов, чтобы актерам так нравилось работать в спектакле. О. Абрамова одинаково прекрасна и в мужском костюме, и в женском платье, энергия исходит от нее такая, что взгляд оторвать невозможно. А. Коновалов превращает эпизодическую роль хозяина гостиницы в значительную и смешную, каждый его выход вызывает смех.
Хотя - и это для создателей спектакля принципиально важно - здесь никто специально зрителя не смешит. На сцене просто такие люди, они так живут забавно. Как, например, доктор Ломбарди в исполнении народного артиста России С. Еремеева - очень тонкая и смешная работа. Д. Зеничев играет старика, ни разу не переигрывая, точно и тоже очень смешно. Как и Д. Шевчук, М. Хрусталев, К. Саханенко... Прошу прощения, всех перечислить невозможно.

Рядом с экспериментом сегодня на нашей сцене царствует антрепризная комедия, в которой - не всегда, но, как правило, - актеры ходят с выпученными глазами и изо всех сил смешат зрителя. В спектакле Малого театра этого нет. Кажется, что актерам вообще все равно, как реагирует на них зритель: они просто живут ту жизнь, что сочинил для них Гольдони, организовал де Лука, в замечательно красивом мире (художник Лейла Фтейта). Живут страстно, темпераментно и с удовольствием.
Сегодняшние режиссеры очень любят переносить действие классических пьес в современность, считая, видимо, что Гоголь или Чехов сами по себе недостаточно современны, и их непременно надо поселить в современный интерьер и современные костюмы. Актеры под руководством де Лука играют комедию очень давних времен, не претендуя на внешнюю актуальность. Но мы, зрители XXI века, вдруг начинаем думать о том, что в мире этом есть любовь, верность и ревность; что, помимо политических страстей, есть еще лирические; что люди - это интересные создания, за которыми занятно и полезно наблюдать, а не только пробегать мимо них в вечной суете.

Спектакль "Слуга двух господ" - не премьерный, и, судя по переполненному залу, "сарафанное радио" доносит слух о нем. Но я вот об этом спектакле не слышал, почему-то в нашем театральном мире он негромкий. Наверное, потому, что традиционный. Традиционный классный спектакль. Увы, не это нынче находится в тренде.
Спектакль "Слуга двух господ" в нашем театральном мире негромкий. Наверное, потому, что традиционный. Традиционный классный спектакль
Если бы у меня была возможность и деньги, я бы придумал театральную премию для постановок в непопулярном нынче жанре русского психологического театра. Хотя бы для того, чтобы поддерживать спектакли, которым все-таки порой удается пробиться сквозь заслоны театрального эксперимента и выйти к зрителю.На спектакле "Слуга двух господ" я еще раз убедился в том, что в авангарде сегодняшнего театра шагает традиция, как это ни парадоксально. Театр, который берет зрителя высоким профессионализмом создателей; глубокой, даже в комедии, актерской игрой; красивой, а не просто символичной декорацией... И, главное, в центре которого находятся живые, интересные люди.

Спасибо итальянскому режиссеру и русскому театру за возвращение подлинности.

Андрей Максимов, "Российская газета", 9 февраля 2020 года

Афиша Малого театра пополнилась еще одним спектаклем, напрочь переворачивающим представление о «Доме Островского» как о живом анахронизме. Вряд ли его можно назвать «музеем», разве что меняющимся музеем в меняющемся мире. Режиссер Владимир Иванов, известный мастер музыкального спектакля, убежден: если попали в затруднительное положение — «Всегда зовите Долли!».

При выборе пьесы для бенефисного спектакля, к тому же приуроченного к солидной круглой дате, актерам свойственно замахиваться на что-нибудь трагично-эпическое в духе Вильяма нашего Шекспира. Уж очень хочется изумить почтенную публику накалом страстей и амплитудой переживаний. Всеми любимая Ирина Муравьева, отметившая в этом году юбилей, поступила с точностью до наоборот, подарив себе, партнерам и зрителям шумный, яркий, искрящий бешеной энергией карнавал, который в русской интерпретации нью-йоркской истории получил название «Всегда зовите Долли!». Ее неунывающая героиня стремится во что бы то ни стало осчастливить всех, кто попадается ей на пути, и у нее это прекрасно получается.

Сюжет о ловкой особе, готовой поспособствовать счастью влюбленных, а заодно и наладить свою личную жизнь, смело можно отнести к разряду «вечных». Но если классицизм, как правило, отводил эту роль расторопным служанкам, то в XIX веке авторы все чаще стали поручать важную миссию женщине свободной и независимой. О мюзикле Джерри Хермана «Хелло, Долли» слышали даже те, кто не является поклонником данного жанра: это одна из непотопляемых бродвейских постановок, к тому же еще и покорившая полмира благодаря вовремя подсуетившемуся Голливуду.

Немногие знают, что корни истории растут из фарса австрийского драматурга Иоганна Непомука Нестроя «Einen Jux will er sich machen» (в вольном переводе: «Ему хочется пошутить»), написанного в 1842 году. Популярная пьеса не раз адаптировалась разными авторами под новые времена и нравы. Ее грузинская версия известна отечественному зрителю как «Ханума» Авксентия Цагарели, а вот англизированная, «A day well spent» («Хорошо проведенный день»), созданная в середине позапрошлого века переводчиком и драматургом Джоном Оксенфордом, однажды попалась на глаза Торнтону Уайлдеру. «Сваха» (кстати, поначалу она именовалась «Купец из Йонкерса») была написана в середине 1950-х и имела вполне удачную сценическую историю, но подлинного триумфа достигла почти через десять лет в результате объединенных усилий либреттиста Майкла Стюарта и композитора Джерри Хермана.

Зритель, пришедший в филиал Малого театра на Ордынке, непременно услышит музыку, оцененную десятком премий Tony. Но слова, положенные на нее, как и вся драматургическая основа спектакля, поставленного Владимиром Ивановым, — не калька знаменитого мюзикла. Вместе с поэтом Сергеем Плотовым Иванов сочинил очень «нашенскую» историю, не меняя ни исходного места действия, ни имен персонажей. Зато в характерах просматривается та обстоятельность, какая свойственна русскому психологическому театру. И это при том, что скорость раскручивания интриги не замедлена ни на секунду, а остроты более чем злободневны.

Ирина Муравьева делает свою неунывающую Долли не просто земным воплощением Счастливого случая, с помощью которого все влюбленные доберутся до вожделенного хеппи-энда. В сцене разговора с умершим мужем, пожалуй, единственной по-настоящему трагичной в этом спектакле, перед нами предстает женщина, спрятавшая от чужих глаз свое страдание. «Я всегда хотела счастья, — произносит Долли, обращая глаза к небесам, — здесь, сейчас и для всех». Но понимает: такого счастья, как с Энтони, у нее уже не будет. Однако горести и утраты не лишили героиню любви к жизни, этого единственного действенного эликсира молодости. Горасу Вандергельдеру (Валерий Афанасьев) она искренне симпатизирует, видя в скупердяе и зануде такую же страдающую от одиночества душу. Так почему бы не попытаться осчастливить его, а заодно и еще десяток достойных лучшей участи людей?
К слову, мистер Горас не очень тянет на лавочника, как он заявлен в программке. Респектабельности ему вполне хватит на владельца среднего бизнеса. Но за солидной оболочкой прячется человек, который больше всего на свете боится, что окружающие узнают о его ранимой и чуткой душе.

Об исполнителях второстепенных ролей, почти о каждом, можно писать отдельный дифирамб: актеры Малого умеют в несколько реплик уместить такие глубины, что только диву даешься. Их отточенная техника превращает классических, можно сказать, архетипических персонажей в живые типажи сегодняшнего дня, с которыми зритель каждый день ездит в метро, делит open-space в офисе или подлокотник кресла в театре. Алена Охлупина (Флора Ван Хойзен) дает изящный шарж на самоотверженную старую деву. Ирина Жерякова (Эльза) и Григорий Скряпкин (Малачи Стэк) сочными мазками рисуют эдаких классических Труффальдино и Смеральдину, приноровившихся к новому веку. Александр Дривень (Рудольф) — воплощение обаятельного до невозможности Фигаро, мастера на все руки. Максим Хрусталев (Хакл) и Сергей Потапов (Такер) — две ипостаси «маленького человека» Чаплина.

Из этого тонко настроенного ансамбля, пожалуй, несколько выбиваются Ольга Абрамова (Ирэн Моллой) и Дарья Мингазетдинова (Минни) — образы, сделанные по лекалам Рокси Харт и Велмы Келли из «Чикаго», получились слишком плоскими. Да и играющим юных влюбленных, из-за которых, собственно, и началась вся история, Дарье Шевчук (Эрменгарда) и Дмитрию Триумфову (Эмброз) пока не хватает искренности и непосредственности.

Зато самых высоких похвал достоин удивительно слаженный «кордебалет»: он двигается (балетмейстер Елена Богданович, репетитор Наталья Цыбульская) и поет (педагог по вокалу Галина Гусева) с той самозабвенной легкостью и азартом, которые в традиционном мюзикле, опирающемся более на технику, нежели на актерское мастерство, не так часто встретишь. И пусть в оркестровой яме нет оркестра, зато у самой авансцены, рядом со зрителями пристроился тапер и по совместительству аранжировщик Вячеслав Жуков, время от времени позволяющий себе маленькие музыкальные «хулиганства». Ничего удивительного, ведь перед нами не мюзикл, а «старый, добрый» музыкальный спектакль — правнук еще более старого русского водевиля, сделанный в лучших традициях этого любимого зрителем жанра.

Виктория Пешкова, "Культура", 25 сентября 2019 года

Знаменитая драма Гауптмана «Перед заходом солнца» была поставлена в Малом театре специально к юбилею Бориса Клюева. До него в этой роли на легендарную сцену выходил только царственный Михаил Царев (премьера состоялась 15 сентября 1972 года). Малый театр ценит преемственность.

Конечно, Борис Клюев - актер иного амплуа. В молодые годы фрачный герой, словно созданный для пьес Оскара Уайльда, блестящий Рошфор в «Трех мушкетерах» и импозантный старший брат Шерлока Холмса Майкрофт. Вторая же половина его творческого пути окрашена рядом комических ролей, самая любимая из которых - глава семейства в ситкоме «Воронины». Маттиас Клаузен для любого актера - роль-подарок и роль-испытание. Самое захватывающее в спектакле Малого театра о трагической судьбе Клаузена - то преодоление зрительского ожидания, в котором постоянно существует на сцене Борис Клюев. Появившись впервые на сцене, он тут же берет зал, заставляя его забыть старого знакомого Воронина.

Его Маттиас очень сдержан, величественен, можно сказать - даже холоден. Это много переживший и перечувствовавший благородный человек, который может себе позволить снисхождение и к невоспитанной невестке Пауле (в остром рисунке Ольги Абрамовой), и к неврастеничному старшему сыну Вольфгангу (неожиданно сыгранному Игорем Петренко), и даже к дерзкому зятю Эриху Кламроту (Алексей Фаддеев). Тайный коммерции советник Клаузен успешен, он пользуется уважением города, чего не скажешь о его наследниках.

Конфликт между старшим и младшим поколением нарастает постепенно. Формально подросшие дети ревнуют своего почтенного отца к его молодой возлюбленной, изумительно сыгранной Ириной Леоновой, - благородной, способной на самопожертвование красавицей Инкен. По факту боятся потерять огромное наследство, поэтому решаются стаей накинуться на своего почтенного отца. Если считать, что отпрыски Клаузена - это то самое поколение, которое через десять лет наденет эсэсовскую форму, раскол между отцом и его детьми выглядит более фатальным. «Я против всего, к чему стремится нынешнее поколение», - произносит герой Бориса Клюева, с первых сцен обозначив свою позицию. «Вам не удастся остановить время», - заявляет ему отъявленный мерзавец Кламрот. Остановить время Клаузену, конечно, не удастся, зато у него получится прожить свою последнюю позднюю любовь, которая способна преодолеть многое, даже смерть.

Алла Шевелева, «Театральная афиша столицы», июнь-июль 2019 года

Под занавес сезона Государственный академический Малый театр представил зрителям необычную премьеру. Спектакль «Смута. 1609 – 1611 гг.» режиссера, народного артиста России Владимира Михайловича Бейлиса поставлен по роману министра культуры Российской Федерации Владимира Ростиславовича Мединского «Стена», написанному в 2012 году.

Действие романа происходит в России, в Смутное время, известное стихийными бедствиями, интервенцией, тяжелейшим политическим, экономическим, государственным и социальным кризисом. Историю, посвященную обороне Смоленской крепости, автор постарался сделать приключенческой, и, кто бы мог подумать, детективной. Мнения критиков о произведении полярно разделились на положительные и резко отрицательные. Одни говорили, что историческая точность описываемых в книге событий вызывает желание еще больше узнать о тех смутных, но ярких временах, детектив приковывает к себе хитросплетением острой интриги и сравнивали высокопоставленного автора, ни больше, ни меньше, с Александром Дюма. Другие называли роман искусственным, отчасти похожим на проповедь из-за излишне часто встречающихся в повествовании и будто бы навязываемых Мединским выводов из его же публицистических книг. Обвиняли героев в банальности, детективную составляющую называли надуманной, а патриотизм «Стены» показным и пафосным. Очевидно одно: при спорности перечисленных суждений книга Владимира Мединского рассчитана на широкую аудиторию. И эту аудиторию автор постарался привлечь так, как посчитал нужным и правильным.

Что же мог сделать Владимир Бейлис с этим спорным и вызвавшим огромный резонанс романом на сцене Малого театра, в репертуаре которого преобладают классические постановки классических же произведений? Усложняло задачу и то, что до постановки в Малом на телеканале «Россия 1» с треском провалилась экранизация произведения. При этом работал над ней вовсе не безызвестный и неопытный режиссер, а заслуженный деятель искусств Российской Федерации, член Европейской Киноакадемии, член Оскаровского комитета России (и прочая, и прочая…) Дмитрий Месхиев. В главных ролях снялись народный артист Алексей Серебряков, заслуженный артист Анатолий Белый, талантливый театральный и киноактер Павел Чинарев.

Легендарный режиссер Бейлис совершил невозможное. Для своего спектакля он взял из произведения – основы все самое лучшее, придумал для этого материала прекрасное художественное обрамление, и на сцене Малого театра появился историко-патриотический спектакль – блокбастер «Смута. 1609 – 1611 гг.». Спектакль, на который дамы смело могут привести в театр мужей, а также детей – ценителей современного отечественного кинематографа – и тем и другим эта постановка будет интересна.
Сценография спектакля – просто наслаждение для визуала. Эффектно вращающийся поворотный круг, переносит зрителя то под стены Смоленской крепости в стан захватчика короля Сигизмунда III, то на улицы осажденного города, то в дом воеводы Шеина. Видеоконтент, как служащий фоном для мобильных декораций, так и проецирующийся на происходящее на сцене действие, выглядит не хуже высокобюджетных спецэффектов в кинематографе. А если учесть, что происходит все под музыку именитого и бесконечно талантливого композитора Георгия Свиридова, то можно догадаться, что атмосфера в постановке создана воистину эпическая.
В труппе Малого театра служат талантливые актеры, истинные профессионалы, настоящие хранители традиций исконно русской театральной школы. Потому актерские работы в спектакле «Смута. 1609 – 1611 гг.» исполнены на высочайшем уровне.

Главную роль воеводы Смоленска Шеина исполняет горячо любимый публикой народный артист России Валерий Афанасьев. Мудрый, честный человек, всею душой радеющий за благо родной земли – именно такой образ должен был получиться и определенно получился у Валерия Алексеевича. И после просмотра спектакля в этой роли представить другого исполнителя абсолютно невозможно, а это значит, что Владимир Бейлис как всегда не промахнулся с подбором актерского состава.

Потрясающе яркий, характерный герой получился у народного артиста России Владимира Дубровского. Его городовой Зобов – персонаж неоднозначный и интригующий. Красавец Дедюшин в исполнении артиста театра и кино Александра Волкова помог спектаклю раскрыть ту самую детективную линию, которой так не хватило читателям романа «Стена». Без его динамичной, даже страстной игры хитросплетения сюжета не казались бы столь увлекательными, ведь персонаж Александра волею судеб оказался в эпицентре таинственных событий, происходящих в спектакле.

Тандем Алексея Фаддеева и Олега Добрована взял на себя приключенческую составляющую истории. Их герои – сын старого воеводы Григорий Колдырев и немецкий офицер Фриц Мейер – и правда чем-то напоминают бравых мушкетеров, людей чести, умеющих по-настоящему любить и дружить.

В спектакле всего три женских образа, разбавляющих серьезное мужское общество. Но каждый из них – украшение постановки, каждый помогает расставить свои необходимые акценты, а также раскрыть еще одну вечную тему – тему любви. Героиня Лидии Милюзиной – племянница воеводы Шеина, Катерина – попадает в классический любовный треугольник. Вот только финал сложившейся ситуации окажется для зрителя очень неожиданным. Городская ведьма Варвара в исполнении Ольги Абрамовой невероятно хороша в своей первозданной красоте. Она не живет – горит, влюбляет в себя мужчин и любит сама. А скромница Наташа, героиня актрисы Апполинарии Муравьевой, самая отважная из девушек, помогает раненым польскими захватчиками солдатам. Именно ею и заинтересуется при встрече немецкий перебежчик Фриц. Три женщины, три дороги к счастью. Увы, не все они приведут к счастливому финалу.

В спектакле, помимо исполнителей главных и второстепенных ролей, заняты артисты массовки, а также студенты ВТУ имени М.С. Щепкина. Всего в спектакле занято около 60 артистов, что предполагает большое количество массовых сцен. И сцены эти поставлены потрясающе. Иногда зрителю может показаться, что он смотрит хорошо поставленный балет – мизансцены в спектакле на самом деле завораживают.

Режиссер-постановщик Владимир Бейлис сказал о своем спектакле: «К сожалению, мы не всегда знаем своё прошлое, героические подвиги нашего народа. Столько столетий «сгибали» чужеземцы русских людей, и только мужество наших предков останавливало их. Смоленская крепость, как и Брестская, навеки вписана в отечественную историю. Об этом хотелось напомнить зрителям Малого театра».

Напомнить удалось. И не только напомнить, но и увлечь, заинтересовать, повести за собой и заставить задуматься. После спектакля «Смута. 1609 – 1611 гг.» хочется, во-первых, более подробно изучить ту страшную и сложную эпоху, а, во-вторых, обязательно вернуться в Малый театр на другие постановки гениального Владимира Михайловича Бейлиса. Мастер творит чудо из любого материала, которого касается его рука.

Проще говоря, в 2018 году спектаклю творческой команды Малого театра удалось то, с чем в 2012 году не смогла столь же успешно справиться книга министра Владимира Мединского – вызвать интерес широкого круга современников к истории своей родины.

Наталия Каминская специально для Musecube

Алла Шевелева, специально для газеты «Малый театр» (№5 (157) 2017 г.)

Дружба между итальянским режиссёром Стефано де Лука и Малым театром завязалась давно. Во время очередных гастролей его родного Piccolo Teatro di Milano (названного его основателями в честь Малого театра) в Москве, Стефано получил от Юрия Соломина предложение провести со студентами Щепкинского училища мастер-класс по комедии дель арте. Тот мастер-класс со временем вылился во «взрослый» спектакль «Влюблённые» по пьесе Карло Гольдони на сцене Малого, позднее Стефано поставил здесь «Филумену Мартурано» Эдуардо Де Филиппо с Ириной Муравьёвой и Юрием Соломиным.
В нынешнем сезоне режиссёр решился на смелый шаг – осуществить на сцене-побратиме «Слугу двух господ» – название, которое определило судьбу и его учителя Джорджо Стрелера, и Миланского театра Пикколо. Да и самого Стефано легендарный «Арлекин, или Слуга двух господ» на долгие годы взял в плен. Какое-то время он играл в спектакле роли Доктора и Панталоне, после смерти Стрелера возобновил постановку и поддерживает его по сей день. Тем не менее, де Лука не стал переносить на сцену Малого знакомый режиссёрский рисунок. Русская версия ни в коей мере не копирует театральную легенду, несмотря на то, что проникнута воспоминанием о ней.

Придумывая своего «Арлекина», Стрелер воссоздавал заново забытую традицию театра масок, он угадывал, какой она могла бы быть, а иногда и сочинял её заново. Его спектакль был построен на бесконечном количестве трюков, маленьких вставных пантомимах, которые с цирковой виртуозностью выполнял исполнитель заглавной роли.

Стефано де Лука отказался от масок, он сделал ставку на русскую театральную традицию, позволяя зрителю наслаждаться мимикой актёров и характерностью созданных ими образов. Он придумал каждому персонажу универсальные узнаваемые черты, стерев условную границу между итальянской и русской школами.
Стихия праздника, карнавала и импровизации традиционного площадного театра, кажется, помогает участникам спектакля обрести особую степень свободы. Это настроение охватывает зал, заставляя взрослых зрителей чувствовать себя детьми.

На их глазах разворачивается почти сказочная история. Случайно оказавшись в одной и той же гостинице двое возлюбленных-беглецов. Беатриче и Флориндо, скрывающие свои настоящие имена, нанимают одного и того же слугу Труффальдино – сбежавшего в богатую Венецию из нищего Бергамо. Прислуживая сразу двум господам, этот плут устраивает весёлую неразбериху, из-за которой едва не расстраиваются две свадьбы, а убитые горем влюблённые чуть не лишают себя жизни. В итоге все недоразумения разрешаются и в конце весёлой комедии главный герой обретает своё счастье.

В пьесе Гольдони, наследующей традицию площадного театра, есть две пары влюблённых, пара слуг, пара благородных отцов и хозяин гостиницы Бригелла. За каждой «маской» скрывается узнаваемый типаж. Гораздо больше режиссёра интересуют социальные маски, которые примеряют на себя герои, де Лука предлагает нам посмеяться над стремлением человека казаться не тем, кто он есть на самом деле. Здесь все играют роли, начиная с притворяющейся мужчиной Беатриче (Ольга Абрамова), до самого Труффальдино.

Вот Сильвио – в точном исполнении Константина Юдаева – восторженный, пылкий и, увы, трусливый юноша, постоянно демонстрирующий свою мнимую доблесть, то теряя шпагу, то проигрывая на дуэли переодетой в мужское платье девушке. Его сердце принадлежит капризной красотке Клариче, которая, благодаря тонкой игре Аполлинарии Муравьёвой, из скучной «голубой» героини превращается в капризную, своенравную особу, скрывающую за благовоспитанностью необузданное желание завоёвывать мужские сердца и повелевать.

Оставшись наедине с внезапно воскресшим женихом (на деле – переодетой в одежду брата Беатриче), она хоть и ведёт себя подчёркнуто холодно, но исподволь с любопытством наблюдает за потенциальным новым поклонником, любуясь силами своих женских чар. В постановке де Луки несколько схематичные персонажи пьесы Гольдони обретают плоть и кровь, а внешняя выразительность актёров Малого театра становится разнообразней и насыщенней – пластика каждого героя напоминает танец, где так важны выразительность и чувство ритма. Крупными мазками написан Дмитрием Зеничевым портрет венецианского купца Панталоне Деи Бизоньози. В этой роли не по возрасту молодой актёр предстаёт воплощённой старостью с её осмотрительностью, бережливостью, подагрой, близорукостью и шарканьем больных ног.

Из крошечной роли Бригеллы – хозяина гостиницы – Алексей Коновалов умудряется сделать блистательный бенефис. Словно рождённый для комедии дель арте актёр по крупицам создаёт образ своего героя. Бригелла любит деньги (как он очаровательно выуживает монетки из своей знакомой по Турину Беатриче, которую, разумеется, узнал), он любит порядок (между делом не забудет смахнуть пыль с перил своей гостиницы), наконец, он очень любопытен, потому его симпатичное лицо то и дело мелькает в окошках крошечного здания.

На долю Сергея Потапова – Труффальдино выпала самая тяжёлая доля – он носится по сцене как шаровая молния, делает сальто через голову, жонглирует, повторяет сложнейший танец Константина Райкина из фильма «Труффальдино из Бергамо», мастерски справляется с фирменными итальянскими лацци – шутливыми сценками, где требуется особая сноровка. Кажется, и поворотный круг приходит в движение от энергии, с которой мчится на протяжении всего действия его неутомимый герой. Ему единственному дозволено перешагнуть границу комнаты со стороны рампы и вновь покинуть её, то и дело поддерживая диалог со зрительным залом. Тогда как его партнёры скорее напоминают фарфоровые фигурки в музыкальной шкатулке или кукол, послушно действующих в руках кукловода. Произнося в самом начале спектакля монолог «Всему, что я знаю, меня научили мои учителя: жизнь и театр», – Труффальдино акцентирует наше внимание на ключевой теме постановки – сценической магии, рождающейся и умирающей здесь и сейчас, пока бьётся наше сердце.

«Слуга двух господ» воспевает саму жизнь, но в тоже время констатирует её быстротечность. Безмятежность забавного сюжета то и дело ненавязчиво сменяет светлая грусть. Своеобразным посвящением ушедшим учителям и любимым людям вдруг звучит монолог одинокого старика Панталоне, перенесшегося в мыслях в прошлое. Эта же грусть вкрадывается в душу, когда звучит хрустальная музыка скрипичного оркестра, весь спектакль присутствовавшего на сцене, и сквозь пелену прозрачного занавеса на зрителей печально взирают загадочные безликие силуэты.

Алла Шевелёва

Режиссер из Милана Стефано де Лука поставил на сцене Малого театра «Слугу двух господ» — самую известную комедию Карло Гольдони. В феврале исполняется 310 лет со дня рождения драматурга.

Сам Стефано де Лука — давний знакомец «дома Островского», здесь он поставил два спектакля: «Влюбленных» того же Гольдони и «Филумену Мартурано» Эдуардо де Филиппо. Де Лука — ученик и продолжатель великого Джорджо Стрелера, хранитель его шедевра «Арлекин — слуга двух господ» в миланском «Пикколо театро». Знаменитый на весь мир сценический образец в стиле итальянской комедии дель арте. В аутентичном варианте каждый персонаж — маска, и ее образная суть включает гротесковую внешность, заданные пантомимные ходы, пластические рисунки и характер как амплуа.

Наш театр масками увлечен давно. Но если очарованным ими Мейерхольду, Таирову, Вахтангову они помогали уходить от жизнеподобия, создавать поэтический, неуловимый и таинственный мир сценических метафор — каждому свой, то де Лука выбирает обратный ход, скрещивая условность итальянской площадной комедии с реализмом русского классического театра. Смешение эстетических кодов происходит достаточно смятенно и кажется несколько наивным. Трудно поверить, что на родине режиссер осуществляет альтернативные постановки, где с дотошностью психоаналитика препарирует проблемы насилия, — так все мило и гладко на московских подмостках. Лука, конечно, не хотел реконструировать стрелеровский спектакль, но и освободиться от него не смог. То и дело прорываются специфичные итальянские лаццо, цитатами звучат отдельные сочные гэги, сцены, где эхом произносится имя одного из героев или запечатывается хлебным мякишем письмо, — умиляют.

Сюжет незамысловат, да и известен. Нищий Труффальдино, приехавший из родного Бергамо, нанимается служить сразу двум синьорам: Федерико и Флориндо. На самом деле первый — переодетая Беатриче, второй — ее возлюбленный. Они ищут друг друга, живут в одной гостинице, но по воле судьбы до поры до времени не встречаются. Есть еще две пары: Клариче и Сильвио, сам Труффальдино и Смеральдина. Лихорадочная кутерьма ситуаций чуть не расстраивает счастливую биографию каждого из дуэтов, но в итоге по законам комедии все заканчивается радостно.

На сцене — Венеция XVIII века. Арки, лестницы, мостики, переходы, обнявшиеся по-братски домики с резными окошками и балкончиками (художник-постановщик Лейла Фтейта). Город карнавалов необыкновенно красив, когда поворотный круг открывает объемную панораму узеньких улочек и двориков — в дымке, при свечах, в нежно-палевом освещении. Под лучами же яркого солнца «жемчужина Адриатики» коробит грубовато сколоченной фанерой. Все уровни декораций — функциональны, и действие занимает собой все пространство. На одном из балконов — исполняют мелодии Антонио Вивальди в переложении Эдуарда Глейзера для струнного ансамбля. Сохраненный Малым театром оркестр, еще недавно казавшийся художественным анахронизмом, от спектакля к спектаклю отстаивает свое историческое реноме. Жива и такая традиция одного из старейших театров России, как уважение к тексту: за основу взят ставший уже классикой перевод Алексея Дживелегова. С оглядкой на старину одели героев: сюртуки, мундиры, кюлоты — у кавалеров, корсажи с глубоким вырезом, длинные платья, фижмы — у дам. Парики, шпаги, треуголки, колпаки — образцы наивной и грациозной моды галантного века с присущими ей аксессуарами молодежи Малого пришлись впору. Играют так, как заведено здесь, кажется, раз и навсегда — «по-старому»: серьезно, ответственно, с прилежанием. Искрометное приключение, закрученное пройдохой Труффальдино (он же — Арлекин), то и дело пытаются проверить законами психологической достоверности. Создается впечатление, что многое придумали сами исполнители. Подчас непрочный режиссерский каркас «заваливается» под напором чувств и эмоций артистов. Маски теряют шутовскую однозначность (Труффальдино — плутоватый слуга, устраивающий судьбу господ; Смеральдина — находчивая служанка; Панталоне — скупой купец; Доктор — старик-псевдоученый; Бригелла — умный и хитрый слуга etc.) и обрастают подробностями психологического театра.

Труффальдино в исполнении талантливого Сергея Потапова прибыл в Венецию Малого театра, похоже, не из Бергамо, а из русской старины. Русопятый Иванушка-дурачок, скоморох — шутник и фокусник. Российское фольклорное начало только заявлено, и весьма поверхностно, а было бы интересно проследить, как герой из славянских волшебных сказок, привыкший к общению с бабами-ягами, змеями горынычами да жар-птицами, почувствует себя в предлагаемых обстоятельствах итальянской пьесы. Прыгучий, энергичный, ловкий Потапов с гуттаперчевой пластикой и природным обаянием мог бы с блеском повести интригу по новым руслам, а кокетливая Смеральдина (Карина Саханенко) сумела бы прикинуться Марьей Моревной или Василисой Премудрой.

Но в сыром и, похоже, спешно скроенном спектакле новый путь лишь декларируется. Из итальянской культуры пожаловали на сцену на Ордынке три маски. Хозяин гостиницы Бригелла — ловкий и услужливый — в исполнении Алексея Коновалова необыкновенно забавен повадками провинциального премьера, желающего рассмешить почтенную публику. Пышнотелый Доктор Сергея Еремеева — обманутый старик, с комичной многозначительностью произносит мудрые изречения, приговаривая: «Учите латынь». Скуповатый купец Панталоне представлен остроумным Дмитрием Зеничевым старичком изящной комплекции, жертвой недугов — с больными зубами, со сраженной артритом спиной и хворыми ногами. Репризы знатных аферистов и балагуров, которые вдоволь резвятся и дурачатся, зал неизменно провожает аплодисментами.

По законам жанра в веселый карнавал врываются две дамы и их избранники, лишенные масок. Особенно хороша капризная Клариче — Аполлинария Муравьева играет с тонким юмором, вниманием к деталям и фабульным поворотам. Ее возлюбленный Сильвио (Константин Юдаев) — задиристый петух, пылкий и бравурный, но незадачливый защитник чести. Флориндо Максима Хрусталева — более монументален и серьезен, чем того требует веселая чехарда сюжета. Сложная роль досталась Ольге Абрамовой, давно уже возведенной в труппе в ранг «героини». Она уверенно чувствует себя в мужском костюме, не теряя озорного куража и природной стати. Итальянский режиссер признался в любви русскому театру, но скрыть того, что наши традиции ему непонятны, не смог. Хорошо, что исполнители изящно подставили плечо премьере, сохранив праздничный дух от комедии дель арте и добавив лирических переживаний от русской актерской школы. В результате получился спектакль, о каком заправские театралы говорят: афиши не испортит, но и славы не прибавит.

Елена ФЕДОРЕНКО, "Культура", 01.02.2017

Разбитое пианино надрывается блюзом. Трамвайные пути ведут в квартал красных фонарей да на кладбище. Новый Орлеан – руины колониальной пышности, город Луи Армстронга и креольского джаза...

«Трамвай „Желание”» Малого театра начинается чуть иначе, чем пьеса Теннесси Уильямса. Нет Стэнли с куском мяса к ужину – добычей настоящего мужчины. Но накал чувственности на сцене даже выше, чем в тексте. Телесной, грубой простотой бьют в глаза голые колени, едва прикрытая грудь – женщины на крыльце громко хохочут, налегая на пиво. Отблески заката, платье Бланш цвета вечерней зари, огненно-красная майка Стэнли – как прилив крови, как румянец разгорячённой плоти.

А вместо пианино больше труба. Полька-варшавяночка – главная музыкальная тема спектакля. Под её аккорды раздался тот самый выстрел. Первая утрата юной принцессы, удар, трещина в сознании, не сумевшем справиться с такой бедой. Эта музыка преследует Бланш долгие годы. Заводится нажатием на каждую тревожную кнопку её души.

Полька-наваждение звучит злее, неотвязнее: Стэнли – поляк! Предки сестёр Дюбуа – французские плантаторы-колонисты, а Ковальски – отпрыск польской голытьбы. «У Ковальски и Дюбуа разные взгляды на жизнь». И люди они слишком разные, чтобы ужиться в комнатёнке с портьерой. Столкнутся – слабый рубеж падёт без боя.

Неизбежность этого столкновения ясна обоим задолго до развязки. Стэнли, стоя над поверженной «белой дамой», бросает: «Ну!.. Мы же назначили друг другу это свидание с первой же встречи». Бланш не спорит. Ещё вечером, подарившим было надежду, призналась своему горе-спасителю Митчу: «С первого же взгляда на него меня пронзила мысль: вот он – твой палач. И этот человек ещё сотрёт меня в порошок...»
Что же, Стэнли Ковальски злодей, чудовище? Нет, обычный выходец из низов, которому ничто не давалось в жизни даром. Заносчивость и насмешки Бланш приводят его в бешенство. Поначалу ему даже сочувствуешь. Действие пьесы развивается, как на ринге. В каждом раунде открываются нюансы, меняющие всю картину и наше отношение к героям. «Обмен ударами» учащается к финалу. Последний, сокрушительный, остаётся за ним. В пьесе Уильямса этот герой показан откровенно тупым и злобным.

Стэнли Сергея Потапова совсем не простак. Говорит тише, не срывается на крик, пока не пьян. Владеет собой и, кажется, воспитан, да не считает нужным соблюдать приличия – не прослыть бы «тряпкой». Носит хитроватую полуулыбку – маску «своего парня» из рекламы пива. Человек без лица? Возможно, персонаж так и задуман автором. Ведь Ковальски – то же, что Кузнецов или Смит. Самая распространённая в Европе и Америке сороковых фамилия. «Один из», каждый. Всё же, в спектакле «безликость» Стэнли – тоже своего рода маска, из-за которой проглядывает человек с задатками стратега. Живёт по принципу «Каждый сам себе король», по «Кодексу Наполеона», по неписаным законам городских джунглей, но просчитывает ходы. Не Бланш, а он главный герой спектакля, ещё и поставленного исполнителем этой роли.

Но Бланш на второй план не уходит – Елена Харитонова мастерски удерживает внимание зрителя. Бланш здесь – не бьющаяся в агонии раненая птица Вивьен Ли в фильме Элиа Казана. В спектакле она скорее усталый путник, как ни странно, видящий в тяготах пути приключение. Когда становится совсем невмоготу, расщеплённое сознание открывает ей спасительную дверь в сказку.

Грязи не пристать к девочке из хорошей семьи, из дома с колоннами, что бы та ни сделала! Нет уже ни семьи, ни дома, пора самой платить по счетам, а Бланш так и осталась «вдовствующей Джульеттой». Тот, единственный, снова и снова приходит к ней – солдатом, школьником, агентом по подписке. «А люди – каются, попрекают друг друга... „Сделай ты то-то и то-то, так мне бы не пришлось делать того-то и того-то...”» Упрёк его «порочной природе», себе, не спасшей, не ставшей ему респектабельной вывеской «Семья». Тем, у кого «искала приюта», силачу Митчу, оказавшемуся таким слабаком.
Ёжик волос под париком Бланш пугает Митча больше её жуткой исповеди. Режиссёрская вольность кажется оправданной: «Не хочешь фальши? Смотри, как бы правда не сшибла тебя с ног!» Со Стэнли этот номер не пройдёт, и пробовать нечего. Бывший двоечник сначала преподаёт учительнице урок словесности, а затем топит её в сточной канаве. Дарит билет из «Мечты» в «Дом Восходящего Солнца».

Что ему лепет Бланш об интеллигентности, духовной красоте и душевной тонкости? Он видит то, что видит – пьяную женщину в дурацком грязном платье, жалкую побирушку с очередной порцией грёз. Добить лежачего «Кодекс Наполеона» не запрещает.

Сладкоголосая птица юности навсегда умолкла и для Митча. Теперь только блюз – он словно обречён терять любимых женщин. Герой Михаила Фоменко трогателен и даже трагичен. Простак с тонкой душой всегда будет чужой игрушкой. Даже Бланш, зная, каково это, не удержалась. За минуту до свидания с Митчем целует паренька из газеты. Глоток воздуха, прививка от отвращения к себе. Она бы хотела любить и не лгать, но Митч не тот человек, ничего бы у них не вышло. Белый мотылёк отдохнул бы и упорхнул. Не такому тяжеловесу гоняться за бабочками.

Стелла, младшая сестра Бланш, персонаж очень интересный. Ольге Абрамовой в этой роли приходится «оттенять» главных героев. Подробности её жизни раскрываются в диалогах с Бланш. Сёстры не виделись пару лет, хотя Стелла уехала давно. Какое-то время назад она, видимо, готова была расстаться с мужем, но теперь всё улеглось, и они даже ждут ребёнка. Перед нами неглупый, стойкий человек. За высокопарными нравоучениями Бланш ей видится попытка разбить семью. А слова о том, что со Стэнли нельзя заводить детей, звучат для Стеллы кощунством.

Мастерство актёров Малого театра ярко проявляется и в небольших ролях. Соседи Ковальски – жизненные, почти шукшинские образы. Юнис Ирины Жеряковой, Ханна Любови Ещенко – горластые кумушки с мягким сердцем и слезой сочувствия наготове. Герой Михаила Мартьянова – юноша с чистым взором, возможно, и газете помогает бесплатно, по убеждениям. Стив с Пабло (Максим Хрусталёв и Константин Юдаев) – «заводские мужики» с окраины. Доктор (Сергей Тезов) и надзирательница (Алёна Охлупина) – слуги явно государства, а не общества. Роботы в пиджаках. «Трамвай „Желание”» – пьеса об изначальном несовершенстве жизни. Её мораль – «Будь человеком. Всегда». Спектакль Малого театра доносит её до самого сердца.

Елена Романова

Первая часть программы Вадима Верника посвящена премьере «Трамвая «Желание»» Т.Уильямса на Малой сцене в постановке Сергея Потапова.

Телеканал «Культура», эфир от 18 декабря 2016 года.

Открытие исторической сцены дополнили новым «Слугой двух господ».

Нынешняя неделя для Малого театра – знаковая. На Театральной площади состоялось открытие исторической сцены после реконструкции. Руководство решило осторожно возвращать репертуар в родной дом, отчего пока здесь сыграли только один спектакль – «Горе от ума». И до Нового года покажут на Основной сцене спектакли еще лишь пару раз. Поэтому вторым событием недели для театра стала премьера на сцене на Большой Ордынке. «Слугу двух господ» поставил итальянец Стефано де Лука, режиссер из «Пикколо театро ди Милано».

В филиале Малого театра, очень скромном по московским меркам в том, как принимаются зрители (как все скапливаются в фойе, как не пускают в зал до начала спектакля), хочется тоже обустроить пространство по-новому, с толком. Но вот наконец гаснет свет, и треволнения уходят на второй план. Все внимание – на сцену, где сквозь дымчатую завесу проглядывают огоньки свечей. На авансцену выбегает Труффальдино и принимается балагурить по-итальянски, однако, заметив, что публика ни гугу, бросает затею. Именно он заведет представление, словно откроет старинную шкатулку с ожившей итальянской акварелью.

Неустаревающая комедия Гольдони в Малом в первый день премьеры началась с чрезвычайной повестки дня. По сюжету старик Панталоне рассказывает своему будущему зятю Сильвио, что не видеть бы ему женитьбы на прекрасной Клариче как своих ушей, «когда б сеньор Распони в Турине не скончался». Это фонетическое созвучие на следующий день после убийства российского посла в Турции повисает особым напряжением в зрительном зале и будет с нажимом повторено актерами еще раз. Но уже через такт-другой все страшное забыто и начинается затейливая кутерьма. В итальянском спектакле Малого совсем нет того, что часто встречается на русской сцене в комедии дель-арте. Жирных гэгов, предельного заострения характера, стремления во что бы то ни стало расшевелить зрителя. Отчего правда прямые реплики в зал тут наименее выигрышны. Зато соблюдена многоуровневая комбинация из игровой комедии, лирики и даже пародии на душещипательную мелодраму и итальянскую оперу. И прозаический перевод Алексея Дживелегова середины прошлого века в этом смысле открывает простор – комедия стряхивает всю архаику.

Режиссер вслед за драматургом деликатно раскладывает всех на типажи – ненавязчиво, без давления. Поэтому хрестоматийные черточки характеров здесь тоньше и не только комичны, но в первую очередь обаятельны. Скуповатый подагрик Панталоне (Дмитрий Зеничев) очарователен в своей миниатюрности и душевной аккуратности на фоне дородного доктора (Сергей Еремеев), его фраза на рефрене «Учите латынь!» становится забавным афоризмом. Их дуэт блистателен, после каждой репризы зал провожает актеров аплодисментами. Смазливый трусишка Сильвио (Константин Юдаев) дает фору статному «рыцарю без страха и упрека» Флориндо (Максим Хрусталёв), приехавшему за своей возлюбленной Беатриче. Ольга Абрамова с этой сложной ролью-перевоплощением справляется запросто и свежо, хоть и бравирует мужскими ухватками «под маской» сеньора, приправленными режиссером изрядной долей эротизма, но добавляет в них женского изящества и создает образ сильной, независимой женщины с мужской волей. Особенной душкой выступает Бригелла, хозяин гостиницы, с улыбкой неизменного удовольствия от жизни на лице. Алексей Коновалов играет его прямо-таки аппетитно, купаясь в роли. А вот Труффальдино, который является двигателем интриги, как-то теряется на фоне партнеров и весь первый акт не может дожать свою линию, иногда, кажется, просто из-за собственной психофизики. Сергей Потапов больше похож в этой роли на эдакого русского увальня Ивана-дурачка или Емелю с печки, чем на ловкого вруна Труффальдино из Бергамо. Тут мог подкачать и режиссерский кастинг, но во втором акте актер даже расходится и заканчивает уже в мажоре. Возможно, момент равновесия и долгой раскачки еще найдется в рабочем процессе. Этот же премьерный эффект пока мешает ожить и постановочным трюкам – площадные шутки, самая соль комедии дель-арте, пока слишком наигранны, и в целом – импровизации мало.

На сцене – венецианский квартал с «вырезанными» павильонами комнат и анфиладами балкончиков на фоне в пастельных тонах – солнечного итальянского утра, а после антракта - светло-голубого вечера (художник-постановщик Лейла Фтейта). Монохромные световые заливки (художник по свету Клаудио Депаче) вместе с аутентичными сюртуками и платьями на актерах сдержанных, приятных глазу цветов создают ностальгическую атмосферу века париков, шпаг, гондол, плавно покачивающихся на волнах залива. Наполненность и грацию, настроение, то печально-меланхоличное, то игривое, привносит скрипичная музыка итальянца Антонио Вивальди, который в аранжировке современного композитора Эдуарда Глейзера для камерного состава звучит так тонко, что хочется слушать и слушать. Музыкантов уютно разместили на втором этаже, откуда те с любопытством наблюдают за хитросплетениями судеб персонажей. И когда они взмахивают смычками, поворотный круг движется, увлекая за собой венецианский особняк, а огоньки свеч подрагивают, – тогда-то мысленно и переносишься на узкие мощеные улочки, почти чувствуешь в сценическом воздухе соленый ветер с моря. Поэтическое созвучие итальянцев, режиссера и художниц в этом трио создателей делает спектакль эфирным и романтичным. Слова о весах радости и горя в жизни, которые роняют герои, Стефано де Лука делает главным барометром спектакля. И благополучный финал, где каждый обретает друга сердца, венчает историю, в которой нет таких трудностей, которые были бы неразрешимы на пути к человеческому счастью.

Елизавета Авдошина, «Независимая газета», 22 декабря 2016 года

«Трамвай «Желание»» Т. Уильямса

Малый театр, режиссер Сергей Потапов, художник В. Беспалова.

Западная переводная драматургия в репертуаре этой цитадели русской классики — редкость, раритет. И спектакль так и выглядит — отдельно, и идет на Малой сцене филиала поэтому. При всей иллюстративности по отношению к Уильямсу и нежелании режиссера вторгаться в замысел драматурга, в спектакле чувствуются нерв и ритм сегодняшнего дня. Намечена (но только намечена) любопытная тема: Бланш, которую играет народная артистка Елена Харитонова, — человек театра, манерная, всматривающаяся в несуществующую точку, с блуждающими многозначительными эмоциями на лице, часто со словно выродившейся мимикой. Человек элитарной культуры, она залетела в реальность из далекого прошлого, не заметив, как резко поменялось время. И ее бытовое поведение — по законам театра, масочной природы, с наглядным страданием и страстью к публичной перемене костюмов — тут, в здешности, в горизонтальных эгалитарных отношениях выглядит, как неуместное кривлянье, раздражающий фактор. Многозначительная сложность, которая скрывает звенящую пустоту и неконкретность, непрактичность. Нездоровье, которое требует пространства для себя чуть больше, чем даже пышущая здоровьем жизнь молодых влюбленных, ждущих пополнения семейства, расширения своей зоны. Стелла и Стэнли (Ольга Абрамова и сам Сергей Потапов) — люди, стоящие крепко на земле. В спектакле есть несколько весьма впечатляющих эротических сцен вольного телесного характера, в особенности если учитывать репутацию национальной сцены. И это очень и очень здорово, так как ярко проявляет характер персонажей и философию Теннесси Уильямса. Тот здраво и справедливо верил в то, что сексуальный инстинкт, либидо — это то, что заставляет человека смириться с жизнью, принять ее с радостью, испытать восторг перед неуютным жестоким миром. Миром правит сексуальное желание — то самое, что в заглавии пьесы. У Бланш оно выродилось, а у Митча не родилось. В этом и вся проблема. А эти двое счастливы и устраняют препятствие, которое сокрушило в лоскуты их домашний покой. Таков жестокий психотерапевтический анализ Уильямса.

Стелла Ольги Абрамовой — взволнованная, чувственная, с обволакивающим взором, крепко держащаяся за реальность, особенно когда уже сильно беременна. Возникает ощущение, что она держит целый мир в своих руках, охраняя зону комфорта для младенчика. У Ковальского тоже все неплохо, правда, ненависти значительно больше, чем любви. Медленно, стадийно Стэнли взвращивает в себе озверевшего хозяина, офигевающего от бесцеремонной гостьи, которой всегда много. Сумрачный, свирепый, с низким голосом — когда он рядом с Бланш, это словно диалог монтировщика декораций и балерины в образе перед выходом на сцену. В этом спектакле Стэнли буквально слышит, как Бланш поносит его, называя животным. Такое выдержит не каждый, и в бунте Ковальского против пустотелой сложности Бланш содержится классовый бунт плебея, который смертельно устал от вечной указки высшего класса, что и как ему делать. Перед изнасилованием Стэнли выходит в своей любимой пижаме, которую намеревается разорвать после рождения младенца. И жест повязывания пояса на пижаме напоминает жест самбиста перед схваткой. Ходит боком, подпрыгивая от ожидания, рассматривая, как удобнее взяться за жертву. Хотя, разумеется, в такой концепции есть некоторое выпрямление уильямсовского драматизма. Но это уже, как говорится, на вырост.

На самом деле надо сказать главное, чем этот спектакль важен. В кои веки в Малом театре появился интересный молодой режиссер из своей собственной среды, не варяг. Сергей когда-то прекрасно дебютировал в роли ухарского Андрея Титыча с удалым русским танцем в пьесе Островского «День на день не приходится». Были и дальше актерские успехи. Теперь Потапов поставил спектакль, который одновременно и существует в традициях актерской школы Малого театра, и пытается предложить хоть какую-то альтернативу традиционному репертуару. Самое время театру эту инициативу как можно более активно поддержать.

Павел Руднев, "Петербургский театральный журнал"

Ольга Абрамова – одна из наиболее востребованных молодых актрис Малого театра. В текущем репертуаре – 10 ролей первого плана. Три из них были сыграны в прошедшем сезоне – самоуверенная Лебедкина («Поздняя любовь» А.Н.Островского), жаждущая чистой любви Людмила («Васса Железнова – первый вариант» М.Горького) и трогательная Стелла («Трамвай «Желание»» Т.Уильямса). Всех героинь Ольги Абрамовой объединяет одно общее свойство – неподдельная женственность. А о том, чем они отличаются друг от друга, мы и решили поговорить с актрисой. Интервью опубликовано в новом номере газеты "Малый театр".

- Чем тебе запомнилась работа над «Поздней любовью» А.Н.Островского?
- «Позднюю любовь», где я играю Варвару Лебедкину поставил мой однокурсник Андрей Цисарук. С ним было очень комфортно работать. Хорошо зная друг друга, мы быстро находили общий язык, получали свободу действия.
Моя героиня – это такая авантюристка, хитрая баба, которая вертит мужчинами, и привыкла к тому, что все ее желания моментально исполняются. Так получается, что одна из ее потенциальных жертв – Николай – оказался намного хитрее, обвел ее вокруг пальца теперь и ей приходится кусать локти. Но, что интересно, Лебедкина тут же находит себе нового мужчину и продолжает существовать как ни в чем не бывало в том же режиме. Никакого урока для себя она не выносит из того, что с ней произошло. С другой стороны и мстить она не собирается: «Совет вам да любовь!», - говорит она в конце пьесы.

- Может быть, фамилию этой героини стоит произносить как Лебедкина – от слова лебеда, а не Лебёдкина – от лебёдушка?
- Да, лебёдушка в этой пьесе - совсем другая женщина, персонаж Лиды Милюзиной (смеется).

- Людмила в спектакле «Васса Железнова – первый вариант» кажется единственным светлым персонажем, выделяется среди других обителей дома.
- Я очень благодарна Владимиру Михайловичу Бейлису за то, что он пригласил меня сыграть Людмилу. Роль по-настоящему драматическая. И хотя мы уже выпустили спектакль, в ней еще есть над чем работать. Да, Людмила производит такое впечатление. Это чистое существо, но очень несчастное. До свадьбы у нее был роман с «рябеньким» - это ужасное пятно, то, чего не должно было быть. О степени ее «испорченности» можно только гадать – была ли она беременна, делала ли аборт. Можно предположить, что у отца Людмилы – управляющего Михайлы Васильева – была какая-то связь с Вассой, что позволило прикрыть позор дочери и женить ее на Павле, сыне Вассы. Людмила искренняя, непосредственная и добрая – эти ее черты характера мне очень близки. Моя Людмила мечтает, читает романы. Свою покойную мать она ассоциирует с садом, и переносит эту любовь на Вассу. Никакое приданое, богатство ей не нужны. Ей просто хочется вырваться на свободу из этого дома, где ее, кроме теплого отношения к Вассе, ничто и не держит – с мужем она не живет, отношения с Прохором – это результат того, что она запуталась и т.д. Желание бежать очень велико: в конце «мама» ее отпускает: «найди хорошего человека, - замуж выдам. Ты найдёшь... Детей народи...» и Людмила бежит, куда глаза глядят, чувствуя, что кандалы сброшены. Мне кажется, что с нее падает груз, который она всю жизнь на себе носила.
В Людмиле, как заметил однажды Владимир Михайлович Бейлис, есть что-то от Настасьи Филипповны из «Идиота» Ф.М.Достоевского. С другой стороны, Людмила Владимировна Титова, которой я безмерно благодарна за помощь при работе над ролью и за совместное творчество, говорила, что Людмила очень напоминает Грушеньку из «Братьев Карамазовых». В первой моей сцене, когда мы с Прохором приезжаем с гулянья, я танцую. Для меня это танец отчаяния, безысходности. Помнишь, как в фильме «Афоня» танцует герой Леонида Куравлева? Так же и моя Людмила. Этот сценический ход родился в этюде. Саша Вершинин играет на гитаре, я танцую, так и закрепилось в спектакле. В этой сценке есть все – и страсть к Прохору, и страх перед «мамой», и незнание, что делать дальше. Сплошной знак вопроса – как быть?

- Вопрос, сможет ли она жить иначе? Найдет свое счастье?
- Опыт будет большой, но в конце концов, думаю, найдет. Она смелая и так же, как и Лебедкина, любит, чтобы ее желания исполнялись здесь и сейчас. Но при этом она честная и прямолинейная, говорит правду в лицо. У нее нет второго плана, нет интриганства.

- Мне кажется, этим она похожа на Стеллу из «Трамвая «Желание». Как тебе работается в этом спектакле? Американская драматургия – не частый гость на сцене Малого театра…
- В эту пьесу я влюбилась еще в институте, когда наш педагог по зарубежному театру И.В.Холмогорова показала нам знаменитый фильм с участием Марлона Брандо. Я была так ошарашена увиденным, что у меня на лекции вырвалось: «Господи, как же она по улице-то ходил, до чего хорош!?» (улыбается). Когда Сережа Потапов предложил мне сыграть Стеллу, я сразу согласилась. Это было года два назад, мы сидели на репетиции концерта, разговаривали и он поделился своей мечтой. «Трамвай «Желание»» - это самостоятельная работа. Как бы ни заманчива была роль и желание ее сыграть, отношение поначалу было немного настороженным – ведь далеко не все самостоятельные работы доходят до показа зрителям. Но процесс пошел очень энергично и все случилось. Этот спектакль студийный в том плане, что репетируя его, мы сами придумывали и приносили из дома реквизит и костюмы. И сейчас этот дух студийности сохраняется – мы сами делаем перестановки на сцене при смене картин и т.д. Работа на малой сцене – отдельное удовольствие и ответственность. Ты находишься очень близко от зала, тебе не за чем спрятаться и каждая фальшь видна, как на ладони. Мне бы хотелось, чтобы зритель, приходя на спектакль, мог максимально ощутить атмосферу квартиры Ковальски, верил, что сейчас Лена Харитонова – моя сестра и т.д. И здесь, конечно, огромная заслуга нашего дотошного (с самом лучшем смысле этого слова) режиссера Сережи Потапова, который в мельчайших деталях, вплоть до спичек, стремится быть верным американскому быту. Отдельное спасибо ему за ту музыку, которую он подобрал для постановки. Это ценят и зрители, и мы, актеры.
В роли Стеллы мне в классическом смысле слова «играть» ничего не приходится – я живу жизнью этой женщины. Конечно, у нас разное социальное происхождение, Стелла родилась в имении «Мечта», но своей самостоятельностью, свободой, готовностью строить самой свою жизнь она мне близка.

Беседовал Максим Редин

Передача «Дебюты и дебютанты», эфир от 19 июня 2016 года

В гостях у Вадима Верника – артисты Елена Харитонова, Сергей Потапов, Ольга Абрамова и Михаил Фоменко.

В передаче звучат фрагменты спектакля.

Самая знаменитая пьеса Теннесси Уильямса «Трамвай "Желание"» получила воплощение на сцене Малого театра. Спектакль играют на малой сцене в здании на Ордынке. Это режиссерский дебют молодого актера театра Сергея Потапова, он же сыграл в постановке роль Стэнли Ковальски.

Пространство решено Викторией Беспаловой в реалистичном ключе: небольшая комната Стэнли и Стеллы Ковальски удачно вписана в камерное пространство малой сцены. В этом тесном, нехитро обставленном уголке небогатой, но счастливой молодой пары появляется Бланш, старшая сестра Стеллы, - райская птица, сбившаяся с пути. Ее кокетливые манеры, причудливые наряды и легкая надменность выводят из себя грубого работягу Стэнли; добросердечная Стелла разрывается между мужем и сестрой, пытаясь установить мир между ними. Но постепенно разгорающийся огонь конфликта так просто не загасить - действие спектакля неумолимо движется к катастрофе.
Быть режиссером спектакля и играть в нем - задача непростая, особенно если роль - одна из главных. Риск, на который пошел Сергей Потапов, оказался вполне оправдан: ему удалось в полной мере воплотить буйный темперамент Стэнли, не ведающего, что такое жалость. По замыслу режиссера, Бланш в исполнении Елены Харитоновой выглядит скорее не странной чудачкой, а измученной, испуганной, запутавшейся женщиной. Как за последнюю соломинку, хватается она за ухаживания Митча - друга Стэнли, но каждое ее движение пронизано роковой обреченностью. Любящая Стелла, замечательно сыгранная Ольгой Абрамовой, тщетно старается наладить жизнь сестры: трагедия, случившаяся в жизни Бланш много лет назад, неумолимо тянет старшую сестру на дно. Ей нет места в мире Стэнли Ковальски, в котором побеждает абсолютно животное умение выживать - его правилам теперь подчиняется Стелла. Чересчур нежный цветок, надломленный однажды, не сможет вырасти вновь - так и раздавленная, униженная Бланш уже не находит в себе сил противостоять окружающему ее миру.

Валерия Гуменюк, «Театральная афиша», ноябрь 2016 года

Горьковская «Васса Железнова» в Малом театре

Яростные попытки сбросить М. Горького «с корабля современности», вскипевшие на волне антисоветизма в конце 80-х годов прошлого века, потерпели крах. Ну сняли было его профиль с первой страницы «Литературной газеты», оставив там Пушкина в одиночестве. Ну переименовали Художественный театр, идеологически противопоставив классика Чехова классику Горькому. И, конечно, существенно попридержали горьковские издания и постановки его пьес.

Однако что сегодня? Вернулся на своё место в «Литературке» законно находившийся здесь образ, и МХАТ имени М. Горького, спасённый подвигом Татьяны Дорониной, продолжил свою незаменимую жизнь в искусстве. А если говорить об изданиях великого писателя и постановках созданных им пьес, они тоже продолжаются, одолевая все препоны. По причине понятной: это ведь действительно один из величайших писателей русской, советской и всей мировой литературы.

КЛАССИКА потому и называется классикой, что она не только для времени, когда рождена, но и для всех будущих времён. Доказывать сие не стану, ибо имеющим глаза и уши (без предвзятости!) истина эта бесспорна. Другой вопрос — как относятся к литературной, драматургической классике некоторые или даже многие театры сегодня. О, вот это беда! Когда всё уродуют до неузнаваемости, получается уже не классика, а нечто совсем иное, не имеющее никакого отношения к первоисточнику и автору его.

Словом, увидев в афише имя того же М. Горького, не спешите радоваться. Тут главное, какой театр афиша представляет. В Москве добросовестный подход к текстам классических авторов являют ныне, как правило, два сценических коллектива — Малый театр и упомянутый уже МХАТ имени М. Горького. Можно сказать, сохраняют традицию, ибо такого отношения к великой литературе придерживались здесь изначально и почти всегда.

Характерный момент. Поводом для этой статьи стала новая постановка горьковской «Вассы Железновой» в Малом театре. А до этого две Вассы, которых я считаю классическими, созданы были двумя народными артистками СССР именно в этих театрах — Верой Пашенной в Малом и Татьяной Дорониной во МХАТ. Спектакль, поставленный больше двенадцати лет назад на мхатовской сцене, с колоссальным успехом идёт до сих пор, так что, если не видели, обязательно посмотрите.

Непременно надо смотреть и новый спектакль Малого театра в постановке народного артиста России Владимира Бейлиса. Уже потому, что это, как для кого-то ни удивительно, другая пьеса М. Горького. Под тем же названием, с одноимённой героиней, но другая, написанная четверть века спустя после первой.

Вот даты. Первая была написана и напечатана в 1910 году, то есть вскоре после революции 1905 года, отзвуки которой в пьесе слышны. А в 1935 году, уже после революции 1917-го, редактируя свои произведения для предстоявшего тридцатитомного собрания сочинений, Горький начал править эту пьесу, как и некоторые другие, а потом вдруг взялся писать новую.

После её завершения она и стала той «Вассой Железновой», которая известна теперь большинству зрителей. Потому что этот вариант ставился в основном с тех пор и он же был дважды экранизирован. Однако и прежний, сохранивший свою самостоятельность и включавшийся в собрания сочинений писателя, время от времени привлекал внимание театров и даже стал основой некоторых знаменитых спектаклей (например, режиссёра Анатолия Васильева в Московском театре имени Станиславского).

* * *

И всё-таки «Васса Железнова» в первом варианте остаётся малоизвестной. Хотя это — Горький, и тема со временем по актуальности не снижалась, а, наоборот, возрастала. Так что меня обрадовало известие о премьере в Малом. Тем более ещё и потому, что Горький, закономерно признанный когда-то в первую очередь автором мхатовским, на сцене Малого тоже имел блистательные воплощения. Это и «Варвары» с отменным актёрским составом, и «Дачники», поставленные Борисом Бабочкиным, и «Чудаки» в постановке Александра Коршунова. А сравнительно недавно появились здесь и «Дети солнца» — спектакль, который «Правда» оценила как достижение театра.

Но продолжу о теме новой постановки. Она в этой пьесе — одна из главных для Горького, начиная с творческой его молодости и до конца жизни. Впрочем, и во всей классической русской литературе очень сильно она звучит — тема собственничества, уродующего человека.

Горькому выпало вплотную видеть утверждение русского капитализма, когда власть денег была поставлена во главу всего и вся. И как же сказалось это на человеческих чувствах и отношениях?

Тогда именно о родном городе писателя появилась пословица: «В Нижнем дома — каменные, люди — железные». Горький отмечал, что под «железными» людьми разумелись хозяева Нижнего Новгорода, купцы и промышленники, шедшие буквально на всё и не гнушавшиеся ничем, создавая свои состояния. Никакое злодейство, никакое преступление не должно было их остановить.

А если в такой жизненной роли оказывается женщина? Она ведь по природе своей существо более мягкое, чем мужчина, а по изначальному призванию — мать, обязанная всю свою любовь передать детям. Высвечивая это, пьесе 1910 года Горький и подзаголовок даёт — «Мать».

Но всё же название обоих вариантов с говорящей фамилией — «Васса Железнова», и это не случайно. Писателю важно рассмотреть, как в женщине, которая по положению своему должна быть «железной», бесчеловечный долг сталкивается с человечностью, а «дело», которое, согласно тому же положению, для неё превыше всего, вытесняет и даже убивает любовь. И тогда неизбежно рушится семья, которой без любви быть не может.

Собственно, так воспринимается впечатляющий спектакль Владимира Бейлиса в Малом театре — прежде всего как внимательное прочтение Горького, причём перекликающееся во многом с днём сегодняшним.

Один из лучших театральных художников Эдуард Кочергин создал сценический образ дома Железновых. Сперва мне показалось, что он неточен, поскольку не вполне соответствует горьковским указаниям в его ремарках. Там акцент на тесноте кабинета Вассы, на том, что бумаги, относящиеся к «делу», властвуют в помещении, попирая людей. А у Кочергина иное решение: дом — без крыши. Потом я понял: из такого обиталища «на юру» недаром все, кроме хозяйки, стремятся поскорее уйти или даже убежать. Слишком неуютно…

Много значит и музыкально-звуковой приём, найденный режиссёром вместе с талантливым композитором театра Григорием Гоберником. Этот ритм тревожного ожидания, который пробивается и нарастает в самой атмосфере железновского дома, предвещает всё новые драмы и трагедии. Напряжение прямо-таки захватывает меня в зрительном зале. И каково тем, кто на сцене вовлечён в этот круговорот страстей.

Конечно, в центре всего — она, Васса Петровна, образ которой стал весьма значительной работой народной артистки России Людмилы Титовой. По-теперешнему говоря, перед нами бизнес-вумен, то есть предпринимательница, капиталистка, вырастившая вместе с мужем своё «дело». А муж, нелюбимый развратник, умирает за стеной её кабинета. И кому же отойдёт нажитое? Кто после неё продолжит «дело», если дети вряд ли для этого годны?

Всевластное «дело», которому она рабски подчинена, и любовь к детям, остатки которой нет-нет да тронут её душу, сталкиваются подчас так, что искры летят. Вот нежность и жалость к обиженному природой сыну Павлу (в пронзительном исполнении Станислава Сошникова) и редкий ответный порыв сыновнего чувства соединяют их на какие-то минуты взаимным притяжением. Но сколь кратки эти минуты! Едва Павел, оторвавшись от неё, выходит, опять Вассу охватывает главнейшая её забота, и неистово рвёт она в нахлынувшем отчаянии бумаги с деловой своей конторки: «Для кого всё это? Для чего?»

Только в том-то и суть, что власть денег давно уже стала иррациональной, бессознательной силой не извне, а внутри неё самой. И преодолеть эту силу никакими вспышками разумных вопросов она не может. И цепь преступлений — якобы ради детей, а фактически во имя давящего «дела» с его прибылями — продолжается.

* * *

Но счастливы ли при этом дети? Отнюдь! Они чужие и друг другу, и матери, которая для них старалась. Ненавидящая Павла жена Людмила (артистка Ольга Абрамова) в глаза называет его уродом. Другой сын, похотливый и дурковатый Семён, колоритно сыгранный Алексеем Коноваловым, с женой Натальей вроде бы в наилучших отношениях. Однако мы видим, что по существу это союз двух затаившихся хищников, и Ольга Жевакина в роли Натальи глубоко, тонко и достоверно вскрывает лицемерно-ханжескую личину «голубицы со змеиным умом».

Благополучной и внимательной к матери может показаться сперва дочь Анна, прибывающая из другого города перед смертью отца. Такой изображает её, жену офицера, артистка Полина Долинская. Но далее флёр внешнего благополучия постепенно снимается — всё больше начинает проглядывать тот же «змеиный ум». И как только эта дочь достигает единственно желанного — бумаги о наследстве, немедленно исчезает, оставляя мать в полном одиночестве.

Трагическую финальную сцену, где Васса разговаривает вроде бы с Анной и Людмилой, а в действительности сама с собой, Л. Титова проводит на очень сильном эмоциональном накале. А вот главное, что вырывается у её героини из-под спуда тяжелейших грехов: «Вы меня — любите… немножко! Много и не прошу — немножко хоть! Человек ведь я…»

Человеку для жизни нужна любовь. Не разгул, как у брата хозяина дома — Прохора Железнова, который в убедительной трактовке заслуженного артиста России Александра Вершинина рвётся из этого дома, как и многие другие. Для чего хочет во что бы то ни стало вернуть свои деньги, вложенные когда-то в железновское «дело». Тщетно: тут его подстерегает смерть.

Капиталистическое «дело» лишает обитателей дома любви и счастья. Права Людмила: «Здесь — несчастные всё … и потому несчастные, что не могут ничего любить… И никто не знает, что — хорошо…»

Отблеском того, что хорошо, видится любовь Вассы к весеннему саду и уходу за ним, о чём восторженно проговаривается та же Людмила. Но это — маленький кусочек в оставшейся жизни. Как и трогательная пантомима общих воспоминаний о детстве, которую в ореоле света даёт постановщик спектакля после приезда Анны в дом родителей и братьев. Понятно, для контраста всем безрадостным реалиям этого дома. И возникает чудесная идиллия, но словно мгновенное прекрасное видение: возникло — и тут же исчезло.

А вот жизнь по бесчеловечным требованиям капитала в наше время неожиданно продолжилась. Пьеса М. Горького, которая ещё три десятка лет назад была для нас историей, теперь самая что ни на есть современность. Напишут ли о ней нынешние драматурги с такой силой, как Горький? Пока не написали…

Виктор КОЖЕМЯКО, "Правда-КПРФ" , №59 (30410) 3—6 июня 2016 года

В Малом театре поставили Теннесси Уильямса

Знаменитую пьесу великого американского драматурга Теннесси Уильямса поставил Сергей Потапов. Согласие на его режиссерский дебют в родном театре (Потапов – один из самых востребованных артистов молодого поколения труппы) дал Юрий Соломин. Репетиции длились полтора года, результат можно увидеть «на Ордынке», на Малой сцене.

Пьеса Уильямса не сходит с репертуарных афиш по всему миру, – крепкий «бродвейский» сюжет, понятная тема (столкновение мечты и реальности, хрупких надежд и грубой силы), простор для актерского самовыражения. Исполнители главных ролей работают очень достойно, ориентируясь на распространенные представления о своих героях и знаменитый фильм с Вивьен Ли и Марлоном Брандо.

Экзальтированную Бланш Дюбуа играет Елена Харитонова, ее мучителя Стэнли Ковальски – Сергей Потапов, простоватую Стеллу – Ольга Абрамова (в очередь с Лидией Милюзиной). Грубоватая приземленность и быдловатое хамство первого, дешевое кокетство и нервический надрыв второй, излишняя хлопотливость и услужливость третьей, – характеры хорошо известны и узнаваемы. Есть еще четвертый важный персонаж – Митч в блестящем исполнении Михаила Фоменко. Актер не боится показать своего героя комичным, – растерянным «увальнем», полным неуместной, неуклюжей нежности. Его жалеет зритель едва ли не больше, чем доведенную до крайности Бланш. Елена Харитонова в знаковой для себя роли также достойна похвалы и зрительского внимания – она играет хрупкую душу, уходящую натуру, а если мыслить глобально, то и человеческую уязвимость. Мокрые от слез глаза, трясущиеся руки, при этом гордая прямая спина аристократки.

В спектакле четко объяснена причина нервных припадков и подступающего безумия Бланш. Это не подмоченная репутация, не потеря имения «Мечта», не даже грубое подчинение Стэнли. Ее всю жизнь преследует самоубийство мальчика-мужа, которого она случайно увидела в объятиях другого. Звук выстрела она слышит в любой музыке, бледный призрак ищет в каждом мимо проходящем юноше.

Потапов очень внимательно прочитал все ремарки Уильямса: перед зрителем на сцене – ожившая иллюстрация захудалой окраины Нового Орлеана с «порченой атмосферой» и разлитым в воздухе «хмелем жизни». Глухо откуда-то из-за стены звучит американский джаз. Двухэтажная конструкция домика, в котором живут Стэнли и Стелла, вот-вот рассыплется. Железные кушетки-кровати, грязная штора вместо перегородки, дешевые наряды Бланш, висящие прямо на гвоздях, «голые» лампочки. Настоящая берлога, тупик, из которого не вырываться. Неслучайно в финале, когда Бланш уводят в сумасшедший дом, ее вроде бы сначала «всем довольная» сестра закрывает лицо руками и истошно кричит. Здесь всем, кроме победителя Стэнли, мучительно и одиноко. И выхода нет. Спектаклю определенно есть куда расти, но его глубокий тон и горький посыл (пьесу Уильямса здесь играют как трагедию безнадежности) четко обозначены и понятны. А внятность в сегодняшнем театре – редкое достоинство.

Наталья Витвицкая, Театрал-Онлайн

Как известно, лучшим подарком творческому человеку являются отзывы о его работах со стороны зрителей или критиков. В день юбилея Александра Клюквина мы предлагаем рецензию на спектакль «Дон Жуан» А.К.Толстого, поставленный им в Малом театре. Автор статьи, которая была опубликована в газете «Малый театр», №1 (43), - Алла Шевелёва.

Если составить рейтинг самых популярных драматургов русской литературы, Алексей Константинович Толстой едва ли войдет в десятку лидеров. Тем не менее, переоценить его значение для отечественной истории театра сложно, поскольку именно с постановки пьесы «Царь Фёдор Иоаннович» началась история Художественного театра, а вместе с ней новая эпоха в театральном искусстве ХХ столетия.
На сегодняшний день Малый театр – это единственный в мире театр, имеющий более чем вековую традицию исполнения произведений Толстого. Его режиссерам знаком секрет прочтения исторических пьес драматурга, которые не уступают хроникам Шекспира. На протяжении века на подмостки Малого ни раз выходили герои трилогии Толстого «Смерть Иоанна Грозного», «Царь Фёдор Иоаннович», «Царь Борис», в 2000 году театр инсценировал роман «Князь Серебряный», а в новом столетии, не изменяя себе, обратился к драматической поэме «Дон Жуан».
При всей привлекательности «вечного» сюжета, перед режиссёром постановки стояла серьезная дилемма – каким ключом сегодня можно открыть это романтическое произведение, оставаясь верным авторской интонации, но при этом не впадая в архаичную патетику? И это при условии, что в пьесе на равне с обычными людьми действуют светлые и темные силы, а ангелы («небесные духи») и Сатана сражаются за душу главного героя.
Автор сценической редакции и режиссер Александр Клюквин нашёл удивительно точное решение, поставив музыкальный спектакль по мотивам пьесы. Найденный жанр автоматически оправдывает некоторую «сказочность» сюжета и фантасмагоричность сценического оформления: декорации с огромной раскалённой луной, почти карнавальные костюмы героев и общее ощущение безвременья, в котором разворачиваются события спектакля. Вокальные партии на музыку Эдуарда Глейзера сглаживают патетичность любовных признаний, позволяя им звучать предельно органично. Полифоничность постановки подчеркивают комические сцены с вокальными партиями обаятельного простака Лепорелло (Виктор Низовой) и вовсе опереточного, карикатурного Сатаны (Борис Невзоров).
Очевидно, что для Толстого главной темой поэмы становится вовсе не похождения заглавного героя. Кто такой его Дон Жуан? Он родной брат Виконта де Вальмона, Онегина и Раскольникова. Этот двадцатипятилетний юноша вовсе не развратник, не совратитель, а молодой человек жаждущий истинной любви, читай, истинной веры. Сам писатель так характеризует своего героя: «ранней молодости он любил по-настоящему, но, постоянно обманываясь в своих чаяниях, он в конце концов перестал верить в идеал и горькое наслаждение стал находить, попирая всё то, чему он некогда поклонялся. Привыкнув отрицать добро и совершенство, он не верит в них и тогда, когда встречает их в образе донны Анны. Своё чувство он принимает за похотливое желание, а между тем это любовь…» Гордый, рефлексирующий, яростно оспаривающий Святую инквизицию, Дон Жуан ставит над своей жизнью эксперимент, стирая грань между свободой и вседозволенностью.
В постановке Малого театра заглавную роль играет серьезный молодой артист Александр Дривень, чье мягкое обаяние и особая органика лишают образ Толстого всякого намека на излишнюю высокопарность. Дривень отлично чувствует авторский стиль и предельно точен в своей игре. Он аккуратно ведет зрителя за собой, постепенно подводя его к трагической развязке. Этот Жуан не кажется литературным героем из пожелтевшей книги. Он особенно близок и понятен сегодняшнему молодому зрителю, потому что говорит с ним на одном языке.

Финальная сцена прозрения Дон Жуана – сильнейшая в спектакле – опирается на игру актерского дуэта Александра Дривня и Ольги Абрамовой. Цельная, страстная и сильная Донна Анна Абрамовой далека от хрупких тезок из произведений Пушкина или Моцарта. Актриса талантливо воплощает трагедию вечной невесты, для которой любовь к убийце своего отца становится проклятьем. И тем не менее, именно ей Дон Жуан обязан своим спасением – поставив себе диагноз «влюблен», он тем самым обеспечивает себе милость Бога.

Логичным завершением произведения, в котором любовь неизменно рифмуется с истинной верой, становится освобождение души законченного грешника из лап Сатаны. Небесные духи так объясняют чудесный исход дела:

Любовь есть сердца покаянье,
Любовь есть веры ключ живой,
Его спасет любви сознанье,
Не кончен путь его земной!

Впрочем, дальнейшая жизнь без возлюбленной кажется Дон Жуану сомнительным даром. Герой заточает себя в монастырь, где и заканчивает свои дни, приняв покаяние, как завещала ему Донна Анна. В финале
создатели спектакля позволяют себе допустимую вольность, завершая постановку лирическим дуэтом главных героев, воспевающих силу любви. И этот конец не кажется нелогичным, напротив – он весьма закономерен.