До 200-летия нашего главного драматурга осталось чуть больше двух месяцев - впереди фестиваль (афиша совсем скоро появится), и уже началась работа лаборатории молодых режиссёров «Постигая Островского».

Из высланных 28 заявок было отобрано три, и мы представляем вам имена участников, которые получили возможность поставить эскизы спектаклей по пьесам Островского на сцене Малого театра:

Александр Вельмакин, выпускник Театрального института им. Б. Щукина (курс Юрия Ерёмина), режиссер-постановщик «Театра на Покровке» - работает над эскизом по пьесе «Бесприданница».

Ланьбо Цзяо, выпускница Российского государственного института сценических искусств, г. Санкт-Петербург (курс Григория Козлова). Ставила учебные спектакли, как актриса принимала участие в спектаклях Театра «Мастерская» и Александринском театре. Выбрала для постановки эскиза пьесу «В чужом пиру похмелье».

Екатерина Симонова, окончила Театральный институт им. Б. Щукина (курс Михаила Семакова), на сцене Театра им. Евг. Вахтангова поставила спектакль «Дневник Анны Франк». В Малом представит эскиз по пьесе «Не от мира сего».

Напоминаем, что победитель получит право продолжить работу на сцене Малого уже над всей пьесой.

Итак, мы начали - желаем вдохновения каждому из наших молодых режиссеров!

27 января в спектакле "Женитьба Фигаро" П.Бомарше роль доктора Бартоло первый раз сыграл артист Дмитрий Зеничев. Поздравляем и желаем новых творческих успехов!

Малый театр порадовал своих поклонников премьерой спектакля «Собачье сердце» по одноименной пьесе Михаила Булгакова.

…Под свист декабрьской метели и звуки марша «Настало время подняться рабочему люду» зритель переносится в заснеженную Москву 1924 года. В пику большевистским призывам со сцены камерно разносится совсем другой гимн – знаменитый, студенческий Vivat Аcademia! Vivant Рrofessores! Вива Академия! Вива профессура! Два мира, две философии сошлись в противостоянии. С выдающимся хирургом и профессором Филиппом Филипповичем Преображенским оживленно после встречи прощаются его коллеги. Каждый из ученых спешит к себе домой. Преображенский направляется привычным путем в свой Обухов переулок. Горят в вечерних сумерках фонари, мимо пробегают люди, на улице холодно, валит снежок. И Филипп Филиппович случайно теряет галошу – милый такой штришок. Ее в зубах приносит огромный пес. В благодарность бездомный Шарик получает нового хозяина, новый дом и… новую судьбу.

Вряд ли среди тех, кто бывает в Малом театре, найдутся люди, не видевшие знаменитого фильма Владимира Бортко с Евгением Евстигнеевым в роли профессора Преображенского. Картина столь любима, так часто показывается по ТВ, что каждая ее сцена прочно запечатлелась в памяти уже нескольких поколений зрителей. Тем сложнее была задача режиссера Алексея Дубровского поставить в Малом театре спектакль так, чтобы зритель оставил невольные попытки сравнения с киношедевром и полностью погрузился в происходящее на сцене. А если зритель еще и испытает удовольствие от старых персонажей в новом прочтении, это уж будет совершенная победа! Забегая вперед, скажу, что Малому театру это оказалось по силам.

Сценограф Мария Утробина изящно переносит нас в профессорский дом, в старую московскую квартиру Преображенского на семь комнат. Зрители видят лишь ее часть – столовую со старинной мебелью, основательный сервированный стол с прекрасным сервизом и хрусталем. Столовая в какой-то момент условно превращается в гостиную, потом в смотровую, в операционную.

В доме Преображенского Шарику предстоит пережить небывалый эксперимент — собаке будет пересажен человеческий гипофиз. Результаты превзойдут ожидания — Шарик превратится в Шарикова, медленно возвращая себе черты хозяина пересаженного гипофиза — люмпена Клима Чугункина, погибшего в пьяной драке.

В булгаковской истории зрителю, разумеется, интереснее всего подробности. Шарика и Шарикова играет один и тот же артист Владимир Тяптушкин. Он обаятелен, такому впору создавать образ Есенина: красивое, открытое лицо с копной «соломенных волос». В роли Шарика артист передвигается на четвереньках, полностью копируя собачьи повадки и пластику. Мысли Шарика плывут над сценой, давая молчаливую оценку происходящему.

В роли же Шарикова Владимир Тяптушкин выпрямляется в полный рост. Внешний облик артиста настолько контрастирует с образом нагловатого иждивенца, что зритель вослед за Преображенским может только разводить руками, удивляясь, «как из такого славного пса получилась такая человеческая дрянь». Пропасть между добрейшим, трущимся о ноги Филиппа Филипповича Шариком и агрессивным Шариковым, выхватывающим наган и направляющим его в грудь профессора, – замечательная визуальная трансформация и сильный режиссерский ход. Артист эту трансформацию отыгрывает органично и талантливо.

Невероятно хорош, конечно, и сам Филипп Филиппович в исполнении восьмидесятилетнего Василия Бочкарёва. Спектакль поставлен к юбилею грандиозного актера. Бочкарёв привносит в сложившийся уже у зрителя образ совершенно новые штрихи, интонации, краски. Чего стоит одно только знаменитое «Не хочу!» на предложение «товарищей» купить журнал, чтобы поддержать голодающих детей. Произносит он это «Не хочу!» совершенно иначе, чем делал Евгений Евстигнеев, с иным смыслом. За бочкарёвским «Не хочу!» читается тонкое и ироничное отношение к «товарищам» в шинелях, нахрапом ввалившимся в его квартиру. Сквозит в герое Бочкарёва и печаль крупного ученого, который понял, что пошел ложным путем в своих исследованиях. Проглядывает в глубине этой сложной натуры ответственность за собственные решения и поступки, которую он несет перед Богом. Другой власти над собой ученый не признает. Преображенский ясно видит, что стремление к чистому эксперименту не всегда сопровождается способностью общества «переварить» успешный результат. Тогда зачем нужен искусственно сделанный человек? Зачем идти против природы, ускоряя процессы? Булгаковские слова очень аккуратно вкладываются Преображенским в наши мозги. Действительно, зачем идти против?

Настоящим открытием в спектакле стал Игорь Петренко в роли доктора Борменталя. Мы как-то привыкли видеть артиста в образах физически сильных мужчин — военных, сотрудников милиции, подводников, казаков. Тут же он играет невероятно интеллигентного и благодарного человека, бережно хранящего покой своего учителя Филиппа Филипповича.

В спектакле, конечно же, вызывают восторг и обращают на себя внимание народные артисты старшего поколения – импозантный швейцар Фёдор в исполнении Владимира Носика. Выразительный Нарком (Виктор Низовой), которому Преображенский кричит в трубку, что его теперь «будет оперировать товарищ Швондер», покушающийся на жилплощадь профессора. Прекрасен пациент (работа Александра Ермакова), тот самый, который «25 лет не испытывал ничего подобного». Великолепна и пациентка, затейливо пытающаяся скрыть свой преклонный возраст (Людмила Щербинина). Хороши Зинаида (Мария Кривенцева) и Дарья (Алена Охлупина). Ну и конечно, очень хорош сам Швондер в исполнении Михаила Мартьянова.

Среди изысков сценографии Марии Утробиной бросается в глаза огромная башня, сильно смахивающая на Вавилонскую со знаменитой картины Питера Брейгеля. Башня то ли рвется ввысь, словно ракета, то ли заваливается набекрень – символ интересный, с кондачка и не разберешься. На самой ее вершине отдает приказы из высоких кабинетов Нарком, по винтовым дорожкам маршируют солдаты и матросы с винтовками. А где-то в основании раскинулась квартира Преображенского, который, несмотря на смелые взлеты научной мысли, в отличие от прочих, прочно стоит ногами на земле.

В спектакле вообще множество аллюзий, намеков, прямых и косвенных отсылов. В его внешней форме и внутренней структуре лихо объединились философия и символизм, классика и авангард. Погружаясь в атмосферу, которую так великолепно, неторопливо, вдумчиво и подробно создает Малый театр, хочется снова внимательно перечитать произведение, пересмотреть фильм и просто прогуляться по старой булгаковской Москве, вглядываясь в приметы времени. Прогуляться под свист новой метели. Что там было-то в большевистском гимне в начале спектакля? «Настало время подняться рабочему люду. Долой позорную власть капитала!» Что ж, рабочий люд поднялся. А мы, потомки, через сто лет видим результаты этого процесса. «Напрасно надеются, что террор им поможет, — качает головой Преображенский. – С человеком можно действовать только лаской». Прав оказался ученый. Не помог террор, мы снова — под властью капитала. Круг замкнулся. С чем вошли, с тем и вышли. Хотя с тем ли? Или все же какие-то уроки извлечены и взяты на вооружение? Об этом, собственно, и спектакль.

Елена Булова, "Московская правда", 26 января 2023 года

https://mospravda.ru/2023/01/26/671543/

Спустя 35 лет вновь открыт для посетителей Музей Малого театра. Новая мультимедийная экспозиция "Пространство автора" включает раритеты из музейных фондов. О самых интересных экспонатах – Ирина Разумовская.

Теперь зрителям Малого театра имеет смысл приходить задолго до начала спектакля – ради этого мультимедийного музейного пространства. Его задумали пять лет назад.

"Очень хотелось соединить историю нашего театра и новые достижения IT-технологий. У нас много очень интересных изданий XIX века, которые нам тоже хотелось показать нашим зрителям, но просто так их выкладывать это было сложно", – заявила директор Малого театра Тамара Михайлова.

Тем более, что рукописи и книги XVIII и XIX века боятся света. Тогда было решено оцифровать их, и теперь многие из них можно полистать благодаря такому виртуальному шкафу. Но некоторые раритеты всё-таки положили в витрины.

СМОТРЕТЬ РЕПОРТАЖ ТЕЛЕКАНАЛА "КУЛЬТУРА"

"Такая уникальная вещь, которая никогда не экспонировалась у нас, это "монтировка" спектакля, так скажем, это паспорт спектакля XIX столетия с пометками часто и автора, который был соучастником постановки, там Александр Николаевич Островский, к примеру. Здесь написано, например, вот "Снегурочка", которая была поставлена в 73-м году XIX столетия: "Декорации и костюмы по указанию автора" – то есть по указанию Островского.

[GALLERY:656]

В Малом театре такой подробной экспозиции не было 35 лет. Из фондов достали костюмы артистов, например, это платье Елены Гоголевой из спектакля "Коварство и любовь". Некоторые фрагменты старинных постановок можно посмотреть или послушать через мультимедийные экраны. Гордость новой экспозиции – интерактивный макет сценической коробки.

"Чтобы детки могли увидеть, как устроена сценическая площадка, что есть круг, который можно покрутить и декорация будет вращаться, что есть плунжера, их тоже можно покрутить, они будут опускаться, подниматься. И здесь, внизу, каждый ребёночек может увидеть, как устроено то, что под сценой, – это очень интересно. Также можно покрутить штанкетные подъёмы, то, на что декорация подвешивается", – заявила художник-сценограф, художник по костюмам Мария Утробина.

Для юных зрителей есть и отдельная творческая зона, где можно почувствовать себя сценографом, придумать костюмы и декорации для спектакля. Вдохновляться при этом можно работами именитых мастеров, так как макеты к некоторым постановкам Малого театра расположили здесь неподалеку.

Уважаемые зрители!

В связи с болезнью исполнителя

31 января пойдет спектакль "Пиковая дама" А.С.Пушкина (вместо спектакля "Петр I").

1 февраля пойдет спектакль "Правда - хорошо, а счастье лучше" А.Н.Островского (вместо спектакля "Горе от ума").

7 февраля пойдет спектакль "На бойком месте" А.Н.Островского (вместо спектакля "Всегда зовите Долли").

16 февраля пойдет спектакль "Ревизор" Н.В.Гоголя (вместо спектакля "Большая тройка (Ялта-45)").

21 февраля пойдет спектакль "Физики" Ф.Дюрренматта (вместо спектакля "Петр I").

Билеты действительны. Для возврата билетов, приобретенных электронным способом, необходимо до начала спектакля отправить сообщение на email: refund@maly.ru, указав номер билета и приложив к письму бланк электронного билета, подлежащего возврату и чек, полученные при покупке. Деньги за билеты будут возвращены на банковскую карту, которая была использована при оплате данных заказов. Электронные билеты, распечатанные на бланках Малого театра, возвращаются в кассу театра до начала мероприятия.

Приносим извинения за доставленные неудобства!

Когда Малый театр называют музеем, все, кто к нему причастен, - от Юрия Мефодьевича Соломина и Тамары Анатольевны Михайловой до капельдинеров и вахтеров - огорчаются, и со всем пылом, на какой способны, начинают убеждать собеседника, что это не так: Малый - живой театр, умеющий говорить со зрителем о том, что всех нас волнует именно сегодня. И они, безусловно, правы. Сожалеть можно лишь о том, что в общественном сознании слово «музей» на протяжении последних тридцати лет дрейфует от своего изначального значения как хранилища неоспоримых ценностей, в сторону устойчиво отрицательной «коннотации». И если уж сегодня в такой чести виртуальные музеи, «экспонаты» которых невозможно потрогать руками, то Малый театр впору объявлять музеем подлинных чувств - любви и верности, долга и самоотверженности, добра и справедливости. Всего того, что на протяжении многих и многих лет в обычной жизни нам встречалось все реже и реже, и о сохранении-возрождении чего сегодня твердят со всех трибун - от высоких государственных до лично-сетевых.

И все бы хорошо, вот только с наглядными примерами всех этих прекрасных чувств в нашей с вами повседневности как-то негусто. Особенно, когда речь идет о поколениях, в которых еще совсем недавно планомерно и настойчиво культивировалось одно-единственное качество: «продвинутого пользователя всего и вся», главным достоинством которого является умение отстаивать личные интересы любой ценой. На днях на одном околотеатральном телеграм-канале разыгралась настоящая буря. Подписчики обсуждали спектакль в стиле сторителлинга, сюжет которого сводился к тому, как главный «герой» жестоко отомстил и «любимой» девушке за то, что она отдала предпочтение другому, и ее избраннику. Обилие кавычек, надеюсь, понятно без объяснений.

Участники обсуждения оказались единогласны: тот поступил совершенно правильно, поскольку тратил на девушку личное время, средства (всякие там конфеты-букеты), хотел сделать ее счастливой, а она, неблагодарная, не оценила его порывов, за что и должна быть наказана. Мнения различались лишь силой мести. Кто-то считал ее все-таки слишком жестокой, а кто-то, наоборот, недостаточно. И никто даже не заикнулся о том, что на самом деле это никакая не любовь, а жажда власти и обладания, а отвергнутый «влюбленный» на самом деле разъярен тем, что не смог пополнить свой донжуанский список новой жертвой.

Вот тогда и пришла в голову «наивная» мысль всю эту компанию привести в Малый театр как в музей чувств, чтобы показать, чем подлинники отличаются от суррогатов. Ну, вот хотя бы на «Горячее сердце» Александра Николаевича Островского в постановке Владимира Бейлиса - самую свежую премьеру в творческой биографии героя моего рассказа, замечательного актера Сергея Потапова. В этом спектакле он играет приказчика Гаврилу, до смерти влюбленного в хозяйскую дочку Парашу (Екатерина Казакова). Передать всепоглощающее чувство так, чтобы тебе поверили сидящие в зале, сегодня невероятно трудно. Не сравнить не то что с временами «замоскворецкого Колумба», двухсотлетний юбилей которого мы будем отмечать в следующем году, но и с временами, казалось бы, совсем недавними. Зритель, и не только юный, становится все более закрытым: многие опасаются проявлять в повседневности искренние чувства - или высмеют, или воспользуются, да тебя же еще и дураком выставят - мол, сам виноват, подставился!

А Гаврюша за любимую готов в огонь и в воду, и имеет смелость не скрывать этого. Он и ее мачехе (Ольга Жевакина) отпор дает: «Я по всему городу кричать буду, что вы над падчерицей тиранствуете». И на разбойников (пусть и ряженых, но ему-то невдомек!) с одной дубиной идти готов, лишь бы ненаглядную свою в обиду не дать. Сердце его и впрямь горячее! Любовью переполнено - через край переливается. Потому и наставления приятеля закадычного, вертопраха Васи (Максим Хрусталёв) Гаврюше не в прок. Он про себя, горемычного, про душу свою добрую, а потому и беззащитную, и так все знает: «Вот что горько: что вот с этакой-то я душой, а достанется мне дрянь какая-нибудь, какую и любить-то не стоит, а все-таки я ее любить буду; а хорошие-то достаются вам, прощелыгам».

Он и про Ваську все понимает, а все равно уважает Парашин выбор, когда уже никаких препятствий ей для него отец не ставит. Стоит Гаврюша под яблонькой и только стонет: «Ну, вот и хорошо. Все благополучно...», и сердце сжимается, глядя на это безмерное страдание, какое он своими руками себе сотворил, помогая любимой девушке соединиться с тем, кому она свое сердце отдала. Вот загадка Александра Николаевича - и понимаешь, что через пять минут все закончится ладом и миром, и бестолковый папенька Курослепов (Михаил Фоменко) наконец-то в толк возьмет, что при таком зяте у него «в доме будет честней, чем до сих пор было», а душе и горячо, и больно...

Таким же горячим сердцем наделен и другой герой Потапова - Гриша Разлюляев из самой рождественской пьесы Островского «Бедность не порок». В репертуаре Малого это один из спектаклей-долгожителей, удивительный артист и тонкий режиссер Александр Коршунов поставил его еще в 2006 году. Долгая и счастливая сценическая судьба постановки закономерна: тема противостояния русского и западного, поднятая Островским 170 лет назад, с течением времени становится, пожалуй, куда актуальней, чем для современников драматурга. Гордей Торцов (Дмитрий Кознов) все на модный иноземный манер поставить мыслит, не замечая, насколько он в этом самом «манере» смешон и жалок. Глядишь, и поставил бы на своем, кабы не супруга Пелагея Егоровна (Татьяна Лебедева): «Модное-то ваше да нынешнее ... каждый день меняется, а русский-то наш обычай испокон веку живет!»

Но вернемся к нашему герою. В отличие от вечного страдальца Гаврюши, Гриша - человек-праздник. С первой и до последней минуты спектакля в Потапове бурлит неуемное, беспримесное скоморошество. Как тому и положено на святках. Его Разлюляев вихрем врывается на сцену, и веселье за ним словно шлейф тянется: «Я гуляю!» В этом возгласе и нерастраченная молодецкая удаль, и тоска о каком-то высшем, ему самому неясном смысле, которого в его жизни нет. Пока бушуют безудержные русские святки, каждый нет-нет, да и попытается в будущее заглянуть - самое ведь время. Вот и Гриша планы строит: «После праздника женюсь. Возьму богатую». Такая незамысловатая жизненная программа, даром что ли, батюшка его деньги лопатой загребает. Но это бравада. Так сказать, положение сынка богатого купца обязывает. А на самом деле ему в невесте сердца горячего, под стать собственному надобно, чувства искреннего, а не сундуков, набитых приданым. «Девушки, полюбите меня кто-нибудь за мою простоту!» - взывает он к подружкам Любочки (Любовь Ещенко), понимая, что никаких иных человеческих достоинств (деньги тут не в счет) у него-то и нету. И так искренна эта мольба, что, кажется, не ответить на нее невозможно. Были у него виды на Любовь Гордеевну, сердце ёкало - надеялся, что отдадут за него, он ведь богатством не обделен, в отличие от Мити (Евгений Сорокин), но когда решение принято, говорит другу: «Сам любил, а для тебя жертвую...»

Сергей Потапов, безусловно, «артист Островского». Он не просто чувствует своеобразный стиль драматурга, умеет передать атмосферу, царящую в его пьесах, без того, чтобы публика начала чихать от въедливого духа «театрального нафталина». Он любит своих героев и понимает их, как это мало сегодня кому удается из актеров его возрастной категории, не говоря уже о более молодых коллегах. Все эти купеческие сыновья, резвые, кудрявые, влюбленные, эдакие Керубино на русский лад, для него не столько любопытные характеры, сколько судьбы, за рамки которых эти юноши, скованные традицией, укладом и папенькиной волей, пытаются вырваться. Каждый в меру отпущенных ему сил.

Примечательный факт: «Отцы и дети» Тургенева и «Тяжелые дни» Островского вышли в свет буквально друг за другом, в 1862 и 1863 годах. Проблему взаимоотношения поколений авторы решали разными методами, но, в сущности, пришли к одному выводу - счастливым становится лишь тот, кто находит в себе силы устроить счастье по собственному разумению. У Андрюши, богатого купца сыночка, силенок вроде бы и маловато, чтобы тятеньке противостоять. А вот поди ж ты, его историю на сцене Малого сыграли уже более 200 раз. «День на день не приходится» (так деликатно переименовали пьесу) в постановке Александра Коршунова не сходит с афиш без малого два десятка лет.

Почему? Вероятно, по той причине, что у почтеннейшей публики есть возможность взглянуть на себя саму с, так сказать, безопасного расстояния, несмотря на то что в Малом зале филиала на Ордынке до актеров из первого ряда расстояние меньше вытянутой руки. Обыватели времен Островского Интернета не знали. У них, по словам Василь Дмитрича Досужева (Александр Коршунов), «...дни разделяются на легкие и тяжелые; ... земля стоит на трех рыбах и что, по последним известиям, кажется, одна начинает шевелиться: значит, плохо дело; ...заболевают от дурного глаза, а лечатся симпатиями...» Смешно? Еще бы не смешно. Но вот закавыка: мы, из Интернета не вылезающие, порой ведем себя не лучше их.

Андрей Титыч - первая большая роль Сергея Потапова на сцене Малого театра. сыграл он ее еще четверокурсником Театрального училища им. М.С. Щепкина. Собственно, в этой роли он впервые и продемонстрировал всю накопленную к тому времени удаль - и в танце, и в вокале. В этой постановке режиссер по максимуму использовал многогранные таланты артиста. В юности Сергей танцевал в хореографическом ансамбле «Останкино» при Большом детском хоре под руководством Виктора Попова, и до сих пор находится в прекрасной (как только удается!) форме - от его прыжков в «разножку» прямо дух захватывает.

С этой ролью Сергей Потапов был зачислен в труппу прославленного театра, за нее же получил первую премию на фестивале «Московские дебюты» в сезоне 2003-2004 г. Сам молодой артист признавался, что петь и танцевать нужно тогда, когда говорить уже не можешь. С Андрюшей как раз такой случай. Родители возят его невест смотреть, и каждый раз ругмя ругаются с потенциальной родней - как бы не прогадать. Бедный жених «не то, чтоб сказать, а и дышать не смеет». Но невесты ему все равно не нравятся: «только что одно телесное сложение, а больше ничего нет-с». А ему, как и Гавриле с Гришей, душу нежную подавай. Он, кажется, и нашел такую, но... Снова перед нами история любви, не имеющей возможности себя высказать и выказать. Он даже «письмо с чувствами три дня писал», потому что девушка - не другим чета. Потапов дает натуру вроде бы робкую, но внутри, где-то так глубоко, что его герой об этом только догадывается, сидят в нем тятенькины гены: «Я от отчаяния таких делов могу наделать, что чертям тошно станет». Едва сдерживаемое желание с отчаяния пойти на любую бесшабашную выходку, лишь бы не покориться, и делает Андрюшу близким и родным молодому зрителю, которого на этом спектакле в зале всегда немало.

Героям Островского, можно сказать, повезло. Так или иначе они себя реализовали в чувстве, которое считали для себя самым главным. В стремлении расширить границы творческого диапазона, Сергей Потапов решил исследовать, что происходит с человеком, которому это не удается, и выбрал материал архисложный - самую знаменитую пьесу Теннесси Уильямса «Трамвай «Желание», выступив сразу в двух ипостасях - режиссера-постановщика и исполнителя главной роли. Спектакль Потапова о том, как нереализованность в любви превращает человека в чудовище. Стенли Ковальски обустроил свой мирок по собственному разумению. Здесь он царь и бог, питающий ненасытную свою гордыню обожанием, смешанным со страхом, которые испытывает к нему жена Стелла (Ольга Абрамова).

Появление Бланш (Елена Харитонова) разрушает равновесие, выстроенное на грубой силе. Стелла смирилась с реальностью, Бланш предпочитает сбегать от нее в фантазии. Казалось бы, бесплотные, эфемерные мечты никому реального вреда нанести не могут, но Стенли считает иначе: фантазии Бланш приоткрывают перед ним мир, в который он никогда попасть не сможет. Для него это невыносимо, и все, что не укладывается в установленные им рамки, в привычную и понятную схему - не существует. А если все-таки существует, то должно быть уничтожено. Он и возможное счастье Митча (Михаил Фоменко) разрушает до основания только потому, что боится - тот может получить от Бланш нечто такое, чего Стенли не смогла дать ни Стелла, ни какая-либо иная женщина. Собственно, то, что он делает со своей невесткой, в определенном смысле сродни тому, что совершает герой сторителлинга, с которого начался наш рассказ. И как режиссер, и как актер Сергей Потапов прекрасно чувствует природу «обыкновенной трагедии». Ему есть, что открывать в этом направлении и для себя, и для артистов, и для зрителей.

А пока Потапов ищет новые краски для комедийных образов. Например, в таком трудном жанре, как водевиль. При всей своей кажущейся легкокрылости, это почти забытое искусство насмешливого изящества и непритязательной серьезности сегодня мало кому из артистов доступно. Водевиль - не комедия положений, и не комедия с музыкой, танцами и пением, хотя все это в нем, безусловно, есть. И уж, конечно, не мюзикл, которому слез нужно больше, чем смеха. Водевиль - умение радоваться простым вещам и до слез хохотать над ними же. В 2003 году Юрий Соломин поставил в родном театре «Таинственный ящик» Василия Каратыгина, сыграв в спектакле роль провинциального трагика Сен-Феликса. Юрий Мефодьевич всегда сетовал, что «не доиграл» в своей жизни комических ролей.

Сергей Потапов в водевильной стихии чувствует себя как рыба в воде - легок, пластичен, музыкален. Его Эмиль - скромный помощник нотариуса, мечтающий открыть собственное дело. Романтики и здорового практицизма в нем поровну. Молодой человек готов хоть всю жизнь искать таинственную незнакомку, случайно встреченную однажды в Париже, но не забывает и о том, что к любви хорошо бы еще иметь и надежный кусок хлеба: мечты о счастье и собственном деле у него переплетены прочно. На первый взгляд, беспримесный романтический герой, но если всмотреться в него повнимательней, понимаешь, что Эмиль - повзрослевший Кай из «Снежной королевы», или покинувший свое королевство Принц из «Золушки». На заре своей актерской карьеры Потапов очень любил эти роли и, похоже, какой-то уголек от них до сих пор горит в его душе...

Однако смешная и суматошная история о наследстве чудака-покойника, которое дожидалось своего законного обладателя ровно сто лет, привлекла внимание Соломина не сюжетом и не темпераментом. Не секрет, что в водевиле сюжет может сохраняться десятилетиями, а куплеты при каждой постановке сочиняются заново, так сказать, на злобу дня. И Юрий Мефодьевич поставил этот спектакль как гимн актерской профессии, прекрасней которой нет на свете, несмотря на то что

...Недолговечна актерская слава -

Публика любит тебя, не любя.

Нынче букеты, и «Фора!», и «Браво!»,

Завтра не вспомнит как звали тебя.

С комедией дель арте Потапов тоже на «ты». Гольдониевские персонажи словно бы на него специально и написаны. Еще студентом он сыграл Труффальдино в «Слуге двух господ», позже - таких же обаятельных озорников Тоньино и Суччилио во «Влюбленных» в постановке итальянского режиссера Стефано ди Лука. Фарсовые приемы сослужили ему хорошую службу и в спектакле Владимира Бейлиса по пьесе Эжена Скриба и Эрнеста Легуве «Тайны Мадридского двора», где актер уже много лет играет Бабьеку, камердинера императора Карла V. В долго живущих постановках, а эта в нынешнем году отметила четвертьвековой юбилей, особенно сложно сохранять легкость и импровизационность, без чего авантюрной комедии не сыграть. Сергей Потапов вошел в спектакль в 2013 году, с увлечением взявшись за откровенно возрастную роль министра Карла V Бабьеки. Персонаж, построенный блистательными комедиографами фактически на одной краске, играть сложно. Тут нужно длинное дыхание, чтобы каждая следующая реплика, каждая новая реприза находила ответ у публики. У Потапова оно есть. Услышав из уст его несчастного министра: «Я ревнив как муж, который редко бывает дома», - зал взрывается от хохота и продолжает смеяться до тех пор, пока злополучный царедворец остается на сцене.

Спектакль по мотивам знаменитого мюзикла «Хелло, Долли!» в истории Малого театра можно считать одним из самых рисковых и самых удачных жанровых экспериментов. Цель стоила такого риска: «Всегда зовите Долли» стал бенефисом непревзойденной Ирины Муравьёвой, подарком прекрасной актрисе к юбилею. Сергей Потапов стал вторым режиссером у постановщика Владимира Иванова и сыграл Барнэби Такера. Драматические актеры в постановке, до краев насыщенной музыкой, проходят двойную проверку на прочность. Артисты Малого выдержали ее с честью. Устройство чужого счастья в личной жизни - призвание очаровательной Долли Леви. Она отдается этому со всем азартом, на какой способна ее артистичная, неукротимая натура, осчастливливая всех и каждого, кто оказывается в сфере притяжения ее обаяния. В сети Долли попадаются и два замордованных алчным хозяином провинциальных клерка, отправившихся в большой город за приключениями. Барнэби Такер и Корнелий Хак (Максим Хрусталёв) - две ипостаси маленького человека в чаплинском духе. Если бы не Долли, они так и вернулись бы в свое захолустье, а приключение осталось бы единственным ярким воспоминанием молодости. Но приключение ради самого приключения Такера не увлекает, романтика в нем не в состоянии задушить даже его закоренелый друг-циник. По счастью судьба подбрасывает им такое приключение, как Долли Леви, удивительная женщина, которую «жизнь, такая, какая она есть, не устраивает». И затюканный клерк, то и дело падавший в обморок, берет судьбу в собственные руки: «Я вас не боюсь, - бросает он своему хозяину-мучителю Горасу Вандергельдеру (Валерий Афанасьев), - я окончательно распоясался! Я... Я... Я открою свою лавку!»

«Мне теперь, друзья, по силам / Мир в объятья заключить!» - распевает в финале счастливый Такер. Думается, такое по силам и артисту, играющему эту роль. Говорят, судьбу не обманешь. В случае с Сергеем Потаповым так и произошло. В детстве он хотел стать... футболистом. И первая попытка поступить в театральный оказалась провальной. Но на второй раз сил придало воспоминание из давнего прошлого - легендарный спектакль Марка Захарова «Юнона и Авось», увиденный по телевизору. «Аллилуйя любви» звучит в душе Сергея Потапова и сегодня...

Пешкова Виктория, "Страстной бульвар, 10", выпуск №4-254/2022

http://www.strast10.ru/node/6222

21 января в Центральном Доме Российской Армии имени М.В. Фрунзе состоялся творческий вечер художественного руководителя Малого театра Юрия Соломина. Вечер прошел в рамках проекта Минобороны России «Встреча с настоящими людьми», в разное время гостями проекта становились: Владимир Гостюхин, Ирина Роднина, Вениамин Смехов и др.

[GALLERY:655]

Ведущей была актриса, певица, радио- и телеведущая Илона Броневицкая.

Юрий Мефодьевич говорил о своих учителях, замечательных людях, с которыми его сталкивала профессия, о детстве в Чите и родителях, о поступлении в Щепкинское театральное училище. Рассказал о самых значительных фильмах в своей кинокарьере: об «Адъютанте его превосходительства» и «Блокаде», о работе с японским режиссером Акирой Куросавой в «Дерсу Узала» и съемках в «Мелодиях белой ночи» Сергея Соловьева, об одной из последних киноработ – фильме «Московская сага».

В этот вечер был показан также фрагмент документально фильма о Юрии Соломине «Его Величество Актер» (режиссер Денис Бродский) – репетиции и закулисье спектакля «Филумена Мартурано» Эдуардо Де Филиппо (режиссер Стефано Де Лука).В конце встречи поблагодарить Юрия Мефодьевича на сцену вышли директор Департамента культуры Минобороны России Артем Горный и начальник Центрального Дома Российской Армии Василий Мазуренко, вручившие ему знак отличия Минобороны России «За военно-шефскую работу».

Юрий Соломин: «Честно вам скажу, я не люблю готовиться к подобным встречам, для меня достаточно знать, куда именно я приглашен. Я всегда говорю от имени Малого театра, старейшего русского театра, где скоро мы будем отмечать 200-летие Островского. Очень важно, чтобы молодое поколение сохраняло память о своей стране, ее истории, о своем родном языке, чтобы смотрели те фильмы, которые формируют и воспитывают в них лучшее».

Дорогие друзья!

Предлагаем вашему вниманию запись передачи "Сто к одному", в котором команда Малого театра сыграла против команды Большого театра. Честь Малого театра в эфире телеканала "Россия" отстаивали молодые артисты Максим Филатов (капитан), Мария Кривенцева, Игнатий Кузнецов, Варвара Шаталова и Владимир Тяптушкин.

Смотреть запись передачи.

Создателю основ русской театральной школы Константину Сергеевичу Станиславскому - 160. Но о нем до сих пор спорят, ему следуют, его опровергают и каждый раз убеждаются, что без заложенных им основ ни в театре, ни в кино и сегодня - никуда. Мы беседуем с ведущим режиссером Малого театра, активным спорщиком с косностью театрального дела народным артистом России Андреем Житинкиным.

То, что называют системой Станиславского, ее автор не завершил - в общественное пространство попал ее начальный этап, и он подвергается самым разным толкованиям от обожествления до отрицания. Что осталось от нее сегодня?

Андрей Житинкин: Известны гениальные открытия ХХ века - генетика, квантовая теория, атом... Но мало кто помнит: Станиславский создал профессию режиссера. Была анархия: кто как хотел, так и ставил. Маститый актер брал пьесу для бенефиса, показывал партнерам, откуда выходить и куда идти - вот и вся режиссура. Станиславский первым заявил о праве режиссера на свое видение материала, когда одна и та же пьеса получит у режиссера А. одно прочтение, у режиссера Б. - другое. И эти режиссерские миры могут быть совершенно разными.

Станиславский первым заявил труд режиссера как его интеллектуальную собственность. Эхо этой борьбы не утихало до сих пор. Марк Захаров сетовал: "Наверное, при моей жизни режиссеры так и не добьются права на интеллектуальную собственность". Он был прав, и все нынешние суды в "Ленкоме" возникли потому, что там эти права не были прописаны в документах. Летая по стране, я часто вижу в театрах кальки с моих спектаклей. Никогда не сужусь с коллегами, но они могли хотя бы указать в афишах первоисточник! Однако - свершилось, и режиссеры получили наконец юридические права, и теперь никто не может вмешаться в разработанную ими партитуру спектакля. А начал все это Константин Сергеевич!

Головастики на тонких ножках

Систему охотно пародируют. Вот актер - в роли пятого гриба на поляне, и режиссер требует придумать биографию: как он рос в грибнице, какие травмы перенес в детстве, все по Станиславскому... А если всерьез - в чем суть?

Андрей Житинкин: Без системы актер пуст, его фантазиям не на чем взлететь. В свое время Станиславского поразили "старухи" Малого театра: они рукой переписывали свои роли - подсознательно присваивали текст. Разметить куски, цезуры - где будет смысловая пауза, выстроить перспективу роли... Не разобрав пьесу по действию, актер не начнет фантазировать. И Станиславский придумал действенный анализ пьесы. Придумал застольный период, который пробудит эмоциональную память актеров, извлечет из нее что-то свое, личное, что можно подложить под ситуацию в пьесе - будет живая эмоция. Но система не была застывшей, Станиславский тоже эволюционировал и в конце жизни вдруг отказался от застольного периода. Потому что работа над спектаклем не может длиться бесконечно. Это хорошо показано в "Театральном романе" Булгакова: спектакли в Художественном театре репетировались годами! У актеров разбухала голова, и они, как головастики на тонких ножках, уже боялись выйти на сцену - их собственная природа не была разбужена. Вот Станиславский в зале не может дождаться, когда актер выйдет на сцену. А тот из-за кулис отвечает: еще минуту, мне нужно собраться. Станиславский, не выдержав, орет: "Собираются только в баню!". Он понимает, что его метод начинает работать против актера, отказывается от застольного периода и предлагает актерам просто импровизировать сцену так, как они чувствуют.

Он все время сам себя опровергал, опасаясь крайностей, он развивался. И мудрый старик Станиславский намного интереснее его молодого, писавшего книги про Систему. Я думаю, что он до конца еще не понят. Читают "Мою жизнь в искусстве" и "Работу актера над собой", но к чему он пришел в результате - не знают.

Станиславский заложил театр реалистический, психологический, бытоподобный. Но он сам описал историю, когда он выпустил на сцену натуральных старух из деревни, они только прошли из кулисы в кулису - и весь картон спектакля полез наружу.

Андрей Житинкин: Это замечательный случай, но - единичный! Точно так же на сцене невозможно переиграть собаку или кошку. Но эти старухи могут быть только собою: нет этого магического перевоплощения. Это необязательно грим: меняется весь поток сознания человека. Он преображается, ничего не накрашивая и не приклеивая.

Сегодня существует множество форм театра - театр абсурда, театр Брехта, музыкальный театр - там нужны эти открытые Станиславским методы психологического театра?

Андрей Житинкин: Вот яркий пример: мюзиклы. По ходу действия от полноты чувств человек начинает петь. Но с чего вдруг, если до этого не был внятно сыгран сам процесс этого эмоционального взлета? Режиссеры, плохо понимающие природу мюзикла, не выстраивают эти психологическое зоны, и вместо спектакля выходит набор номеров, сюжет пропадает. Так что Станиславский нужен везде - даже в мюзикле и оперетте. Не случайно в финале жизни он занялся оперной студией. И корни того, что сейчас делают Дмитрий Черняков или Дмитрий Бертман, - конечно, у позднего Станиславского, который предвидел, что опера из всех театральных жанров станет самым интересным. Что и происходит на наших глазах.

Шептуны и бормотуха

Как Станиславский отнесся бы к нынешнему качеству сценической речи? Бормочут как в жизни, но из зала понять ничего нельзя. Даже в кино, смотря на фестивалях российские фильмы, я читаю английские субтитры.

Андрей Житинкин: Это - катастрофа. Искусство сценической речи нивелируется: у актера на щеке теперь микрофончик. У великого Мочалова самые сильные моменты были - когда он говорил шепотом, а у зрителей шел холодок по позвоночнику. Пожалуй, сегодня только в Малом театре еще серьезно занимаются речью. А иначе все недостатки дикции быстро вернутся. Почему киноактеры боятся идти в театр? Там другая мера темперамента, и они на сцене не так заразительны, как на крупном плане в кино, где не надо тащить на себе энергетику всего спектакля. Помню забавный случай. На спектакле офф-бродвейского театра в Нью-Йорке знаменитая Джессика Ланж играла Бланш в "Трамвае "Желание", и из шестого ряда партера я ее не слышал! Но в другом спектакле смотрел Аль Пачино, и даже в тихих сценах, когда с бокалом виски он что-то вспоминал, его было слышно везде. Вот и все.

Мода на бормотанье - очередной тренд или плохая выучка? Я помню, Константин Богомолов очень зло высмеивал декламационную манеру Аллы Тарасовой в роли Кручининой. И мне рассказывали, что в кино режиссеры даже требуют от актеров невнятной, как жизни, речи.

Андрей Житинкин: Революцию совершил Олег Ефремов. Когда он пришел во МХАТ, народные артисты на котурнах возглашали реплики так, что это уже походило на пение. Ефремова это бесило. И вот молодой педагог с молодыми актерами попытался снять пафос, вернуться к органике. Так возник "Современник". Там уже не "играли" - там проживали роли, и каждый зритель мог себя идентифицировать с героями. Но потом даже лучшие актеры признавались, что безотчетно перенимают манеру Ефремова, его шепоты, паузы. Путь театров - синусоида: все стали играть "под "Современник", классику - в современных костюмах, вчерашнее новаторство стало общим местом. И захотелось снова открытых страстей, ярких эмоций. Я думаю, в Малом театре аншлаги еще и потому, что зрители устали от полутонов, от мультимедиа на сцене, им снова захотелось Театра с его атмосферой, декорациями, изобретательными костюмами... И с живыми голосами актеров.

Станиславский и Де Ниро

Вы работали в США - если не считать Бродвей с его мюзиклами, драматический театр там явно уступает европейскому и русскому. Но вот киноактеры там сильнее наших, и мне кажется, школа Станиславского дает себя знать именно в американском кино.

Андрей Житинкин: Знаменитая нью-йоркская студия Ли Страсберга - апологет системы Станиславского. А сам Страсберг был под обаянием невероятного Михаила Чехова. И не только американский, но и мировой кинематограф испытали сильное влияние этих теорий и практик. Все большие звезды от Марлона Брандо и Аль Пачино до Джека Николсона, Дастина Хоффмана и Роберта Де Ниро прошли эту школу. Поэтому они поразительны даже на крупном плане, где камеру не обманешь. Ведя в бостонском университете режиссерские семинары, я был потрясен отношением к Станиславскому: никаких шуточек и цинизма - икона! Он там издается в виде фолиантов и покетбуков, он для них гуру. Но они забыли: он как раз не хотел быть иконой. Он сам развивался, исследовал, искал, сомневался. И хотел этого от театра.

Сейчас очень вырос средний уровень актера, а потрясений все меньше. Ведь можно владеть ремеслом, но никто не отменял личность. Система - основа, она хороша только в сопряжении с собственной индивидуальностью.

Прочитав все это, не скажут: это вчерашний день?

Андрей Житинкин: Не скажут. Искусство накатывало волнами. В начале ХХ века увлеклись формой. Потом официоз советского МХАТа смела органика "Современника" и, как крайность, - "шептальный реализм". Потом Юрий Любимов привил брехтовское начало к русской психологической школе. Пришел Эфрос, он как раз любил застольный период - ему процесс поисков был едва ли не интереснее, чем сам спектакль. И он выпустил свою когорту актеров, их не спутаешь ни с кем другим. Глубоко индивидуальны актеры Марка Захарова, его режиссерское кредо - монтаж аттракционов, хотя он это называл режиссурой зигзагов. Но сколько бы ни было таких волн, Станиславский вошел в историю тем, что придумал эту профессию, заложил основы режиссуры, подарил действенный анализ пьесы и метод физических действий. Этот метод конвертируем, он - мостик от русского театра к мировому. Он стал фундаментом, без которого ничего в театре построить нельзя. Станиславский необходим и психотерапевтам, и психоаналитикам, да и Фрейд наверняка читал его книжки. Он остался в истории, и теперь каждый, кто занимается искусством, решает для себя, в какой контакт с ним входить.

Валерий Кичин, Российская газета - Федеральный выпуск: №8(8953)

https://rg.ru/2023/01/17/sotvorivshij-teatr.html

22 января (Основная сцена) пойдет спектакль "Метель" А.С.Пушкина (вместо спектакля "Три сестры").

Билеты действительны. Для возврата билетов, приобретенных электронным способом, необходимо до начала спектакля отправить сообщение на email: refund@maly.ru, указав номер билета и приложив к письму бланк электронного билета, подлежащего возврату и чек, полученные при покупке. Деньги за билеты будут возвращены на банковскую карту, которая была использована при оплате данных заказов. Электронные билеты, распечатанные на бланках Малого театра, возвращаются в кассу театра до начала мероприятия. Приносим извинения за доставленные неудобства!

19 января в Новом Щепкинском фойе Исторической сцены состоялся вечер памяти «Век Весника», посвященный 100-летию со дня рождения народного артиста СССР Евгения Весника.

5 лет назад, когда Малый отмечал 95-летие со дня рождения Евгения Яковлевича, художественный руководитель Юрий Мефодьевич Соломин сказал о нем: «Это был большой души человек, это был артист большого сердца».

Гостями вечера памяти 19 января были: вдова Евгения Весника – Нонна Гавриловна, члены его семьи и друзья. Об удивительном артисте и прекрасном человеке в этот день рассказали народные артисты России Владимир Дубровский, Сергей Еремеев, Владимир Бейлис, Василий Бочкарев.

Было также зачитано обращение народной артистки СССР Веры Кузьминичны Васильевой из Театра Сатиры, которому Евгений Яковлевич служил с 1954 года до прихода в Малый в 1963-м.

Кроме того, прозвучали отрывки из книг воспоминаний Весника в исполнении народного артиста России Александра Вершинина. Полные тонкого юмора, точно подмеченные ситуации – театральные байки, которые он всегда так мастерски умел рассказывать сам.

Гости вечера увидели и фрагменты из спектаклей с участием Евгения Яковлевича – «Мамуре» Ж. Сармана, «Ревизор» Н.В. Гоголя, «Иван» А. Кудрявцева, фрагмент его режиссерской работы «Плутни Скапена» Мольера и отрывок из кинофильма «Трембита» с дуэтом Весника и Ольги Аросевой.

Завершил вечер памяти Василий Иванович Бочкарев следующими словами:

«Евгений Весник как артист не имел возраста. Он был искренне влюблен в человека, в природу, в артистов, в партнера. Он через себя пронес определенный этап нашей жизни, пронес с поднятой головой. Я его очень люблю, а сам он очень любил собирать людей в свою душу».

Фоторепортаж Евгения Люлюкина и Николая Антипова

[GALLERY:654]

Комедия «Игроки» гениального классика Николая Васильевича Гоголя является одной из бессмертных пьес русской литературы, актуальность которой поражает, удивляет и восхищает. Произведение было издано в 1842-ом году, а уже 5 февраля 1843 года на сцене Малого театра состоялась премьера первой театральной постановки потрясающей комедии, в которой блистали выдающиеся актёры М.С. Щепкин (Утешительный) и П.М.Садовский (Замухрышкин).

Невозможно подсчитать - сколько постановок «Игроков» за 180 лет видели театральные сцены всего мира: гиперболизированные персонажи, так изящно и искусно описанные Николаем Васильевичем Гоголем, пожалуй, никогда не утратят своей современности, ведь страсть к хитрости, лукавству, плутовству и интригам в людях неискоренимы, как и жажда лёгких денег, стремление нажиться.

Осенью 2019 года заслуженный артист России, режиссёр Владимир Драгунов представил на сцене Малого театра свою версию «Игроков», которая мгновенно стала театральным бестселлером.

Малый театр - один из старейших театров России, эталон классических академических традиций, которые здесь бережно сохраняются и приумножаются. «Игроки» в постановке Драгунова заняли достойное место в плеяде выдающихся постановок фееричной комедии.

Не раскрывая интригу искромётного спектакля, завуалированно напомним незыблемый временем сюжет:

Авантюрист и карточный шулер Ихарев, недавно сорвавший солидный куш, заселяется в провинциальный трактир и жаждет новых подвигов. Уверенный в своей ловкости и хитрости, он знакомится с проживающими в трактире людьми, чтобы понять - кого бы ещё обыграть на кругленькую сумму? Судьба (или рок?) сводит его с тремя приятелями, Утешительным, Швохневым и Кругелем, которые оказывается в определённой степени его коллегами и предлагают Ихареву дружеский союз в нечестной карточной игре. Доверившись новым друзьям, Ихарев вступает в азартную игру, исход которой непредсказуем даже для самого опытного и проницательного шулера. В какой-то момент в захватывающем действии «вдруг» возникают помещик консервативных взглядов Глов и его нерадивый сын, грезящий о гусарстве, а также чиновник из приказа Замухрышкин…

Безусловно, значительная часть успеха спектакля - это меткое попадание каждого актёра в образ своего персонажа: Игру, конечно же, делают «Игроки!»

Виртуозными, находчивыми и проницательными «Игроками» стали блистательные актёры, наделённые уникальной харизмой и яркой индивидуальностью, способные достоверно, до мельчайших деталей воплощать колоритные образы.

В образе Ихарева предстаёт Лауреат Государственной премии России Игорь Петренко. К слову, этот год для актёра юбилейный — в конце августа одному из самых талантливых, востребованных и любимых публикой российских актёров исполнится 45 лет.

В начале своей карьеры Игорь Петренко служил в Малом театре, играл на легендарной сцене знаковые и значимые роли, но в 2002 году актёр решил оставить репертуарный театр, полностью сфокусировавшись на кинематографе. В творческом багаже Игоря Петренко огромное количество разнообразных персонажей, каждому из которых веришь! Совсем о театре актёр не забывал - на протяжении многих лет он играл главную роль в потрясающем антрепризном спектакле «Ленинградский романс» режиссёра Петера Штайна, поставленном по пьесе Алексея Арбузова «Мой бедный Марат», а в последние годы с успехом воплощал Равика в пронзительном спектакле «Триумфальная арка» Льва Рахлина.

В 2017 году, в год своего 40-летия, на радость многочисленным поклонникам, Петренко вернулся в родной для себя Малый театр.

Игорь Петренко: «Я отношусь к театру как к фундаменту, который просто необходим. Это дом, возможность работать с серьёзным материалом. Малый изменил мою жизнь. Сейчас я в расцвете творческих сил и считаю, что могу принести театру больше пользы».

В 2018 году артист выпустил первую премьеру - «Метель» А.С.Пушкина, где ему досталась роль отставного полковника Бурмина, затем последовала характерная роль в драме Герхарта Гауптмана «Перед заходом солнца».

«Игроки» Владимира Драгунова можно смело назвать актёрским бенефисом Игоря Петренко.

В одном из интервью, приуроченных к премьере спектакля, режиссёр признался, что давно планировал поставить «Игроков», но ждал «своего» Ихарева, и что с возвращением Петренко в театр герой был найден.

Актёр воплощает Ихарева во всей палитре эмоций и спектре чувств - это азартный, увлечённый, уверенный в себе, а точнее - самоуверенный мужчина, поглощённый идеей доказать своё превосходство над другими, одержать триумфальную победу, нанеся противнику по игре сокрушительное поражение. Вся его энергия, мысли, эмоции направлены на её Величество Игру: это его муза, стимул, смысл жизни. При этом Ихарев в воплощении Игоря Петренко невероятно обаятельный и харизматичный мужчина - он вызывает симпатию, заражает своим азартом окружающих и увлекает их в свой мир, в котором всё невероятно хрупко и призрачно. Гордыня и жажда доминирования сыграют с героем злую шутку - когда здравый смысл и логику затмевает азарт, фиаско неизбежно, тем более Ихарев один, а не менее хитрых и талантливых «плутов» сразу несколько!

Виртуозно «дирижирует» шайкой ловких провинциальных мошенников Степан Иванович Утешительный, которого филигранно воплощает Народный артист России, лауреат Государственной премии России Глед Подгородинский.

Тонкий психолог и опытный шулер создаёт образ очаровательного простачка, от которого не ждёшь никакого подвоха и удара в спину, но именно этот чудаковатый герой является «серым кардиналом», искусно придумавшим и продумавшим всю стратегию происходящего. Если Ихарев, уверенный в своей неотразимости и непобедимости, может полагаться исключительно на свою смекалку и всемогущую краплёную колоду карт, то Утешительный работает в команде, «умеет отдавать справедливость достоинству» и точно знает, как орудие врага использовать в своих корыстных целях.

Импозантный интеллигент Швохнев (заслуженный артист России Василий Зотов) и солидный псевдополковник с немецкими корнями Кругель (Михаил Фоменко) различными отвлекающими манёврами усыпят бдительность оппонента и ещё больше убедят Ихарева в искренности своего дружеского расположения. Из уст Кругеля органично звучат отдельные фразы из других произведений Гоголя, например: «Русь, куда ж несешься ты?»

Не менее колоритны и узнаваемы и другие персонажи спектакля - каждую роль в «Игроках» смело можно назвать бенефисной.

Изящно и ненавязчиво подчёркнуто родственное сходство вымышленных отца и сына Глова-старшего и Глова-младшего, когда они, смакуя, опустошают огромный бокал, не закусывая. «Теперь я понял смысл фразы: капли в рот не берёт!» - восклицает Ихарев.

Консервативного, солидного, мужественного Глова-старшего в разных составах воплощают Народные артисты России, Валерий Афанасьев и Владимир Дубровский. Порывистого Глова-младшего, олицетворяющего неиссякаемую энергию, задор и кураж юности, играет Максим Филатов.

Важную лепту в развитие действия вносят и слуги: видавший виды в постояльцах, хорошо разбирающийся в людях, трактирный слуга Алексей (Станислав Сошников) и любящий походную жизнь слуга Ихарева Гавриил Михайлович (Александр Наумов/ Игнатий Кузнецов /заслуженный артист России Василий Дахненко).

Подставной чиновник Псой Стахич Замухрышкин (заслуженный артист России Алексей Дубровский) - собирательный образ всех служащих, имеющих хоть на что-нибудь малейшее влияние, как в пословице «каждый суслик в поле агроном». «Сколько волка не корми - всех лосей в заповеднике на него не спишешь»: в постановке тонко завуалированы аллюзии на взяточничество и коррупцию, насмешка над излишней самоуверенностью и глубинное размышление о природе лжи и совести.

Многогранные актёры увлекают публику в свою игру, интригующую и захватывающую, в которой от победы до поражения и наоборот всего один ход.

Игра, как известно, Женщина, как истинная леди, она очень капризна, противоречива и непостоянна. В произведении Гоголя нет женских персонажей, в спектакль Владимира Драгунова интегрирован безмолвный женский образ, который загадочно воплощает Наталья Калинина.

Пленительная, чарующая Аделаида Ивановна является музой, вдохновением, объектом страсти и желания Ихарева, увлекает его в пучину соблазнов и амбиций, а в финальном рандеву закружит героя в соблазнительном танго, продемонстрировав свою абсолютную власть и могущество над обескураженным героем, игра для которого важнее всего на свете.

Балетмейстер Наталья Цыбульская настолько профессионально поставила Игорю Петренко и Наталье Калининой танго, что у зрителей складывается ощущение, будто актёры всю свою жизнь занимались бальными танцами.

В спектакле звучит вечная музыка Альфреда Шнитке, одним мизансценам добавляя нерв и градус, другим - релакс и умиротворение.

Сценография знаменитого художника-постановщика, народного художника России, лауреата Государственной премии Станислава Бенедиктова масштабна - на сцене выстроен роскошный номер-люкс респектабельной гостиницы.

Массивные дубовые конструкции, монументальные книжные стеллажи, благородный бархат стола, изысканные небутафорские блюда и напитки придают помпезность и солидность происходящему - здесь играют по-крупному и не щадят даже родных: перед игрой равны все. С книжных полок наблюдает за героями бюст Николая Васильевича Гоголя. Великий классик лукаво взирает на происходящее, иронично напоминая потомкам сквозь века, что всё тайное рано или поздно становится явным и что «всегда найдётся плут, который переплутует». От описанной Гоголем эпохи действие перенесено примерно на полвека вперёд, но это условность - герои настолько современны, а события - актуальны, что никакого диссонанса не возникает - всё это и в 21 веке продолжает происходить как столицах, так и в провинциальных городках. Элегантные костюмы харизматичных персонажей подчёркивают, что эти герои точно вне времени - они существуют, пока существует человечество.

И хотя порядочностью, верностью законам чести и идеалам благородства ни один из «Игроков» похвастаться не может, так или иначе в них мы узнаем себя.

«В свете нужна тонкость. Я смотрю на жизнь совершенно с другой точки. Этак прожить, как дурак проживет, это не штука, но прожить с тонкостью, с искусством, обмануть всех и не быть обманутым самому – вот настоящая задача и цель!»: кого из нас с разной степень периодичности не посещают такие мысли?

«Надуть», «нагреть», «обмануть», «развести» - как часто мы слышим эти термины в нашей жизни? Насколько они применимы к нам самим? Это вопрос нашей совести, чести, принципов и моральных норм. Многие из нас по природе склонны к авантюрам и жаждут лёгких денег - этот порок, увы, крайне сложно поддаётся коррекции и универсального лекарства от него не существует.

«Поверьте, вся штука в том, чтобы быть хладнокровну тогда, когда другой горячится», - но как же сохранить рассудительность, когда ставки всё выше и выше?

Главное не угождать в свои же капканы и всегда помнить: «Употребляй тонкость ума! Изощряй, изыскивай средства!.. Черт побери, не стоит просто ни благородного рвенья, ни трудов! Тут же под боком отыщется плут, который тебя переплутует!»

В спектакле «Игроки» искусно синхронизируются многочисленные параллели и аллегории с обществом, а, может быть, и с каждым из нас. Изящная ирония, гротеск, сатира и тонкий юмор великого классика в блистательном воплощении талантливых актёров под чутким руководством многогранного режиссёра транспонировались на сцене в великолепный спектакль, острый, ёмкий и хлёсткий!

«Это не плутовство - это ремесло!»: неистово восклицает Ихарев. Если вся жизнь - игра, то это аксиома, которая, как известно, не требует доказательств.

До конца сезона «исследовать глубину познаний» и сыграть в карты с обаятельными «Игроками» можно 25 мая и 3 июня.

Ремесло «плутовства» постигала корреспондент Бурулева Юлия

https://worldpodium.ru/news/eto-ne-plutovstvo-eto-...

Уважаемые зрители!

19 марта (Сцена на Ордынке) пойдет спектакль "Свадьба, свадьба, свадьба!" А.П.Чехова (вместо спектакля "Недоросль").
25 марта (Сцена на Ордынке) пойдет спектакль "Волки и овцы" А.Н.Островского (вместо спектакля "Недоросль").
26 марта (Сцена на Ордынке) пойдет спектакль "Золушка" Е.Шварца (вместо спектакля "Недоросль").
25 марта (Сцена на Ордынке) начало спектакля "Тартюф" Ж.Б.Мольера переносится на 19:00.

Билеты действительны. Для возврата билетов, приобретенных электронным способом, необходимо до начала спектакля отправить сообщение на email: refund@maly.ru, указав номер билета и приложив к письму бланк электронного билета, подлежащего возврату и чек, полученные при покупке. Деньги за билеты будут возвращены на банковскую карту, которая была использована при оплате данных заказов. Электронные билеты, распечатанные на бланках Малого театра, возвращаются в кассу театра до начала мероприятия.

Приносим извинения за доставленные неудобства!

Дорогие друзья!

Предлагаем вам посмотреть документальный фильм "Евгений Весник. Главная роль его жизни", который был показан Первым каналом 15 января, в день столетия Евгения Яковлевича.

Фигаро, герой трех пьес Бомарше, бывший цирюльник из Севильи, а затем слуга графа Альмавивы, с легкостью придумывает интриги и добивается своих целей. Потому-то имя его стало нарицательным и настолько популярным, что у себя в гардеробе запросто можете обнаружить испанскую куртку «фигаро», а в Париже откроете ежедневную газету с названием Le Figaro.

Трилогия Бомарше в разное время шла на сцене Малого театра. Вторую ее часть, «Свадьба Фигаро», зрители впервые увидели 19 ноября 1829 года в бенефис Аграфены Сабуровой (Сюзанна). В спектакле были заняты муж бенефициантки Александр Сабуров (Фигаро), Михаил Щепкин (Бартоло) и Василий Живокини (Антонио). Пьесу еще четырежды ставили на сцене Малого, но после спектакля Ивана Платона (1920) с Фигаро в исполнении Яковлева, Сюзанной – Пашенной и Керубино – Гоголевой на сто лет взяли паузу. И вот в драйвовом спектакле Владимира Драгунова в великолепно стилизованных костюмах и декорациях Марии Утробиной старых знакомцев видим вновь. Конечно, в 2022‑м они стали иными, не потеряв способности очаровываться этим миром и очаровывать его своим присутствием, они, что ли, посерьезнели, стали больше задумываться над жизнью (мы-то стараемся, строим планы, готовимся к одному, а судьба преподносит нам совсем другое), но по-прежнему дают нам пример того, как отчаянно надо отстаивать свое право на счастье.

«Женитьбу Фигаро» (1779) публика изначально восприняла контрастно: одни обвиняли автора в ниспровержении устоев, другие рукоплескали политическим выпадам героя и потешались над комическими фигурами. Нынешние зрители тоже успели разделиться на тех, кто в восторге от новой трактовки с акцентом на постановке социальных проблем, и на тех, для кого Фигаро по-прежнему водевильный персонаж. Бесчисленные мировые постановки придали пьесе эту заданность. «А между тем, – считает Драгунов, – комедия Бомарше затрагивает очень серьезные темы, один монолог Фигаро, с которым многие постановщики не знали, что делать, чего стоит. Его и сокращали, и выбрасывали, а по-моему, спич, в котором Фигаро рассказывает о горестной своей жизни, и дает комментарий тому, что вокруг, ключ ко всему спектаклю».

Поддержку постановщик с легкостью найдет у таких критиков, как Белинский, говоривший, что «это злая сатира на аристократию XVIII века», как Наполеон, называвший пьесу «революцией в действии», и как сам Бомарше, советовавший достигать «острых положений, беспрестанно рождаемых социальной рознью, без которых не будет ни патетики, ни нравоучительности, ни истинного комизма». Фигаро хорошо знал придворную жизнь и показал народу закулисную сторону политики, смело срывая маски. А современники Бомарше, будущие вершители Великой французской революции, искали в пьесе идеи равенства и свободы… При этом все знали, что политика не главное в пьесе, особый колорит ей придает тема любви.

В центре спектакля мощное противостояние губернатора Андалусии Графа Альмавивы (заслуженный артист Андрей Чубченко) с Фигаро (народный артист Глеб Подгородинский), тем самым обличителем из народа. Неблагодарный Альмавива, обязанный ловкачу Фигаро женитьбой на прекрасной Розине (Александра Иванова), заглядывается теперь на его невесту Сюзанну (Ольга Плешкова) и смеет заводить разговор о праве первой ночи. Не так просто поразить такого монстра, особенно когда к борьбе примешиваются личные мотивы, но интрига, которую разворачивает Фигаро в доме своего врага, вовлекая в борьбу немало единомышленников, как стрела, летящая в цель.

Кульминацией спектакля становится монолог Фигаро, в котором проскользнут ноты лучших героев-борцов Подгородинского. Эту отчаянную исповедь он, «неизвестно чей сын», украденный разбойниками и сумевший-таки пойти «честным путем», посвящает Сюзанне. Он рассказывает, как изучал разные науки и обретал профессии, как увлекся театром и из-за комедии на темы гаремной жизни попал в тюрьму, как хотел стать журналистом – наткнулся на запрет касаться «власти, религии, политики». Попробовал быть банкометом, но, увидев, как нагло «хапают» заработанные им барыши, так пал духом, что вознамерился уйти из жизни. Спасся тем, что, как в самом начале, стал бродячим цирюльником. «Думаете, если вы сильный мира сего, – обращается Фигаро к Альмавиве, – значит, и разумом сильны?.. Знатное происхождение, состояние, положение в свете – много ли усилий вы приложили, чтобы достичь этого? Вы дали себе труд родиться, только и всего, не то что я, сегодня господин, завтра слуга – в зависимости от прихоти судьбы…»

Прихоть судьбы помогает Фигаро раскрутить главную интригу его жизни, по метке, когда-то оставленной его отцом, севильским врачом Бартоло (народный артист Валерий Афанасьев), он находит своих родителей, его матерью оказывается ключница Марселина (народная артистка Алена Охлупина). Эта пара вновь обретает друг друга, Валерий Афанасьев по этому случаю даже исполнит романс на собственные стихи «Я вечный раб любви печальной…». Злейший враг Фигаро оставлен с носом, а на сцене выстраиваются несколько счастливых пар в свадебных нарядах во главе с Фигаро и Сюзанной. Единственное, соглашусь с теми, кто не увидел Станислава Сошникова в роли Керубино, это не его роль.

В спектакле удивительно точно подобрана музыка: свежо, тревожно и радостно звучит Франсис Пуленк, который по натуре, судя по описаниям, похож на Фигаро, а значит, на Бомарше, известно же, что автор подарил герою многие свои черты. На спектакль хочется прийти специально для того, чтобы послушать, как музыка дирижирует действиями персонажей, как зачарованно и всякий раз на особый лад откликается на нее каждый из них.

Нина Катаева, "Учительская газета", №03 от 17 января 2023

https://ug.ru/segodnya-gospodin-zavtra-sluga/

15 января исполняется 100 лет со дня рождения народного артиста СССР Евгения Яковлевича Весника (1923 - 2009).

Евгений Весник родился в 1923 году в Петрограде. Затем семья перебралась в Кривой Рог. Отец Евгения Весника был назначен первым директором Криворожского комбината.

В 37-м отца арестовали и расстреляли. После ареста родителей, Евгения отправили в специальный детский дом для детей врагов народа. Его вместе с другими детьми повезли на грузовике. Но по дороге он умудрился сбежать. Мальчик на трамвае добрался до Курского вокзала и сел на поезд. Приехал в Харьков и пришел к Ивони, адвокату, который работал с его отцом на заводе. Ивони, узнав о его судьбе, позвонил жене Орджоникидзе Зинаиде Гавриловне, и та порекомендовала, чтобы Евгений обратился в приемную к Калинину.

Евгений Весник вспоминает: «Меня провели мимо всех, кто там ждал своей очереди. Калинин знал меня еще маленьким, потому что отец слесарил на питерском заводе, где Михаил Иваныч был начальником цеха. Он мне и говорит: «Возьми деньги, сейчас тебя привезут в квартиру, где вы жили. Я дал приказ, чтобы тебя, несовершеннолетнего, прописали постоянно». За этот месяц квартира уже была занята, кроме двенадцатиметровой комнаты, где я и поселился».

Оставшись один, Евгений жил на то, что продавал одежду родителей, библиотеку. С пятнадцати с половиной лет он пошел подсобным рабочим в цех, где проверяли целостность противогазов.

Во время Великой отечественной войны Весник отправился на фронт. «Мы все шли воевать за высшую цель. Я забыл свои обиды. Я воевал за свою родину и за светлую память о моих родителях» — говорит Евгений Яковлевич.

После войны Весник поступил в Театральное училище имени М.С.Щепкина, которое окончил в 1948 году. В том же году он устроился работать в драматического театра имени К.С.Станиславского. С 1954 года Весник — актер театра Сатиры, а с 1963 — академического Малого театра.

«Я поступил в Малый театр, когда там играли Пров Михайлович Садовский, Рыжова, Турчанинова. Я горжусь тем, что был партнером Елены Николаевны Гоголевой в ее последнем спектакле «Мамуре» совсем недавно. Когда «старики» ушли, ушла моя влюбленность в этот театр» — говорит Евгений Яковлевич. В 1992 году он покинул Малый театр.

В 1990 на сцене Криворожского музыкально-драматического театра имени Т.Шевченко поставил спектакль о судьбе своих родителей «Чистка» (пьеса В.Козака).

В кино — с 1955 года, первая роль — Родриго («Отелло»). В 60-е — 70-е Весник снимался особенно много. Самые известные фильмы: «Старик Хоттабыч» (1956), «Семь стариков и одна девушка» (1968), «Вас вызывает Таймыр» (1970), «Офицеры» (1971), «Летучая мышь» (1979).

Весник — удивительный актер, мастер перевоплощения. Одних походок у него в арсенале более шестидесяти. Когда, к примеру, к нему обратился артист Николай Гриценко с просьбой помочь выбрать походку для Каренина, Весник предложил ему «иноходца»: это когда одновременно выступают вперед левая нога и левая рука, затем правая нога и правая рука... Эту походку Весник подсмотрел у композитора С. Прокофьева. После съемок Гриценко позвонил Веснику, поблагодарил и признался, что едва он начинал идти «иноходью», как мгновенно и легко настраивался на роль, что очень важно для всякого артиста.

В 1979 году Евгений Весник был приглашен на роль учителя математики в школьный фантастический фильм «Приключения электроника». По его собственному признанию, некоторые характерные черты, например, манеру разговаривать немного в нос, он взял от Маршака, походку — у знакомого врача и т.д. Получился очень симпатичный и смешной человек. Настолько симпатичный, что вскоре после выхода фильма на экраны Весник получил письмо от учащихся одной школы с просьбой прийти к ним преподавать математику.

В 90-е годы Весник снимался мало. Самые известные работы — в комедии «Ширли-мырли» и экранизации романа Булгакова «Мастер и Маргарита», которая так и не вышла на экран.

О своей работе в «Мастере и Маргарите» Весник отозвался так: «Я же там недоснялся, поругался, психанул. Вторую половину снимался Игорь Кваша. Я играл врача в сумасшедшем доме, куда попадает поэт Бездомный. По-моему, сыграл смешно. Мне вообще интересны простые люди, работяги. Я вожжаюсь среди шпаны, рыбаков, матерщинников, пьяниц. У меня в записной книжке столько сюжетов! В жизни тех, кого мы иногда называем малообразованными, бывают такие бешеные интриги — вот где Отелло-то…».

Евгений Яковлевич выпустил больше десятка книг, среди которых: «Абракадабры» и «Задушевные беседы со снежным человеком».

Народный артист СССР (1989). Кавалер Ордена «За заслуги перед Отечеством» IV степени (1998).

Евгений Яковлевич Весник скончался 10 апреля 2009 года в Москве.

«Кроткая» на сцене Малого театра вышла в начале февраля 2022 г. Это был короткий отрезок исторического оптимизма, когда большинство полагало, что самое страшное - пандемия коронавируса - уже позади. Она как раз пошла на спад, в театр возвращались зрители, казалось - еще немного, и мы вернемся назад, к доковидной жизни, где все обстояло не так уж плохо. Сообразуясь с обретенным опытом, мы вот-вот шагнем вперед с уверенностью в себе и завтрашнем дне. Кто бы мог подумать, что все пережитое окажется лишь эпиграфом будущих исторических потрясений.

...Этому человеку тоже казалось, что еще можно жить начерно, в полной уверенности, что завтра или послезавтра все поправится. Тогда и наступит то, что он полагает счастьем, - домик у моря, окруженный виноградниками, а рядом близкий человек. Все обстоит так хорошо, что мысленно он обустраивает будущее не только для себя, но и для тех, кто рядом. Герой «Кроткой» в исполнении Сергея Гармаша, поверяя алгеброй изобретенной им системы гармонию подлинных чувств и от-ношений, будет биться за свою мечту на протяжении всего спектакля. Он не победит. Хотя практически убедит себя, а главное, нас в зрительном зале, в своем праве на счастье.

Такая вот странная «Кроткая», сочиненная вслед за Ф.М. Достоевским четырьмя нашими современниками. Перечислю авторов постановки по алфавиту, чтобы не фантазировать, каков размер их персонального вклада в общий замысел, - Юрий Башмет, Кузьма Бодров, Сергей Гармаш и Виктор Крамер. Это, к тому же, музыкальный спек¬такль, в котором «Солисты Москвы» исполняют музыку Бодрова и ста¬новятся абсолютными соавторами происходящего на сцене.

Гармаш в интервью после премьеры признался, что грезил о своей «Кроткой» последние четыре года. А задумал постановку еще при жизни Галины Волчек, когда казалось, что в его актерской биографии существуют лишь одни театральные подмостки - на Чистых прудах, в «Современнике». Волею судеб премьеру сыграли на Театральной площади, в Малом театре. Меняя географию, актер, к счастью, не потерял тех, кого увлек своей идеей.

Вся художественная парадигма спектакля рождена Виктором Крамером. Он - автор инсценировки, режиссер-постановщик и сценограф. Предложенное им решение пространства буквально живет вместе с героем. Вытянутые вверх почти до самых колосников три вертикальные плоскости действуют вместе с персонажем, то сжимая его внутренний мир почти до точки, то открывая всю глубину сцены, что открывает перспективу судьбы героя, пусть призрачную.

Вертикальные плоскости лишены прямых и острых углов: все края рваные. Тут нет никакой стройной геометрии, куски не стыкуются и не способны образовать стройную систему отношений с миром, рожденную сознанием главного героя. У каждой из фигурок две равноправные части: темная, цвета поблекшей мебели, - она сложена из множества ящиков, куда хозяин ломбарда прячет обрывки былого человеческого счастья, - и светлая, под слоновую кость, состоящая из фрагментов крашеных дверей, с филенками и прочими положенными деталями. Как уже было сказано, эти вертикальные плоскости имеют колоссальную высоту, в несколько раз превышающую человеческий рост. Герой на их фоне - лишь маленький человек, пусть и поверивший в свою соразмерность с понятием «счастье».

В повести Достоевского присутствуют еще как минимум две героини - собственно Кроткая и Лукерья. Последняя в спектакле Крамера - антибытовом, но психологически крайне достоверном, - оказалась потеряна, за что большое спасибо инсценировщику. Да и Кроткой, по сути дела, нет. Ее роль играет кукла, которой управляют шесть начинающих актрис, студентов «Щепки» (Театрального училища им. М.С. Щепкина). Они постоянно находятся на сцене, но лишены прямого контакта с главным героем по принципу «персонаж - персонаж».

Вначале из разрозненных осколков маски они собирают облик Кроткой - такой, каким он проявляется в мучительном диалоге героя Гармаша с самим собой. Виртуозно работая внутри музыкальной партитуры, актрисы озвучивают обрывки фраз, возникающие в его воспоминаниях. Одной из них доверена главная мизансцена спектакля, но об этом позднее.

Не удалось спросить у Сергея Гармаша, видел ли он спектакль Льва Додина с Олегом Борисовым в главной роли. Поставленный в 1980 г. в БДТ, он был перенесен во МХАТ спустя пять лет. В ту эпоху для человека театра, серьезно относящегося к профессии, считалось недопустимым пропустить выдающуюся работу коллег. Но не только этические причины позволяют предположить, что вчерашний выпускник Школы-студии МХАТ Гармаш смотрел гениальную работу Борисова, и не раз. Герой Достоевского, созданный Гармашом и Крамером, вне всяких сомнений, рожден из традиции отечественного театра, предполагающей вполне определенную точку зрения на подобных персонажей. Олег Борисов играл абсолютное чудовище, отказывая ему даже в мизерном оправдании. Так же и актеры МДТ сегодня блистательно существуют в спектакле Додина «Карамазовы», мир которого населяют исключительно моральные упыри и вурдалаки. Но Гармаш со товарищи высказывается о другом. Если спрямить все углы, то суть их повествования - трагическое заблуждение героя.

Широта актерского диапазона Сергея Гармаша, нюансы и тонкости, которые он демонстрирует в этом спектакле, удивили и восхитили даже автора этих строк, которому в силу трудовой биографии посчастливилось в течение 25 лет наблюдать актера на очень близком расстоянии в его замечательных театральных работах. О кино, где часто ограничиваются типажом, здесь говорить не будем, хотя стоило бы вспомнить как минимум «Любовника» Валерия Тодоровского.

В спектакле «Карамазовы и ад», поставленном в середине 1990-х Валерием Фокиным в «Современнике», Гармаш всем актерским и человеческим нутром неистово защищал своего Митю. Тогда казалось, что градус его личной заинтересованности в оправдании персонажа зашкаливал. «Кроткая» показала, что подлинная актерская пассионарность не знает предела. Разница в одном, но существенная. Митю «защищал» молодой человек, еще не успевший понять, что ошибаться может кто угодно, даже ты сам. А своего сегодняшнего героя защищает мудрец, имеющий длинную биографию, успевший получить ожоги на жизненном пути и осознающий: каждый человек имеет право на то, чтобы его хотя бы выслушали. Будет ли после этого вынесен вердикт в его пользу - другой вопрос, но привилегия последнего слова есть у любого подсудимого.

Сергей Гармаш играет прежде всего мечтателя. Человека, вырвавшегося из кошмара драматической ошибки, случившейся с ним во время офицерской службы. Трусость обернулась личностным тупиком, дном. И единственным выходом из эмоционально лабильной ситуации оказалась созданная им Система - строго детерминированные правила жизни, следование которым позволит когда-нибудь, в далеком будущем, стать счастливым.

В придуманной им модели существуют свои точки опоры, в том числе - известный афоризм гетевского Мефистофеля, который представлял себя частью той силы, что вечно хочет зла и вечно совершает благо. И вот эта выстроенная диалектика жизни, в финале которой фигурируют домик с виноградником и трогательная забота о ближних, внезапно нарушается возникшим живым чувством - жалостью, а потом и любовью к Кроткой. Но ужас прошлого не позволяет даже вообразить, что эмоциональное потрясение, так неожиданно вторгшееся в жизнь, может поколебать его спасительную Систему. Ведь Система и только она подарит в перспективе счастье с домиком.

Крамер с Гармашом, следуя за Достоевским, начинают повествование с трагического финала повести, а потом «разматывают» историю от ее начала. Ни домика, ни моря, ни виноградника явно не просматривается, поскольку мы уже знаем перспективу - ведь рядом лежит тело

покончившей с собой любимой женщины. Той, что была единственным настоящим счастьем, подаренным судьбой. Не опознанным вовремя счастьем. От возможности жить этих двоих отделял лишь один шаг, один жест - отказ от рабского подчинения надуманному, измышленному, искусственному конструкту.

В этой «Кроткой» трагическое осознание сути дарит герою право все-таки освободиться от своей мучительной боли. Всю финальную часть он проводит рядом с возлюбленной, которая распростерлась на ложе - подсвеченном «хрустальном» параллелепипеде, как у пушкинской мертвой царевны. Кукла, прикрытая разорванным белым платьем, лежит на боку с согнутыми коленками. Герой Гармаша, опершись спиной на ложе, сидит рядом и в этой мизансцене подходит к финалу своего последнего монолога. Он звучит одновременно как суровый приговор себе и как самооправдание. Герой достигает высшей точки - полного приятия неизбежности трагического конца. Тут рука куклы приходит в движение, тянется к любимому и гладит его, даруя прощение, покой, о котором писал другой великий русский писатель.

Практически весь спектакль звучит музыка в исполнении Камерного оркестра Юрия Башмета; она написана Кузьмой Бодровым специально для «Кроткой». Это не аккомпанемент, музыка здесь - полноценное действующее лицо. Иногда мелодия воплощает собой голос безмолвной Кроткой, порой становится собеседником героя, то есть его внутренним судьей, а в прочие моменты задает мощнейший эмоциональный контрапункт. Крайне значимо, что музыка создана крупным композитором-симфонистом XXI в., осмыслившим творчество Малера, Шостаковича, Шнитке. Дело тут не только в концептуальности - другой фактор важен для этой «Кроткой».

Спектакль появился на свет, когда стало понятно: жить в рамках придуманной схемы невозможно. Ни одна сочиненная тобой Система не в состоянии предсказать поведение даже одного конкретного близкого человека, хорошо тебе знакомого. Реальность мгновенно переворачивает все наши ментальные построения, и тогда все заканчивается трагедией.

Евгения Кузнецова, "Вопросы театра. Proscaenium", №3-4 2022

Премьера документального фильма «Главная роль его жизни» состоится на Первом канале 15 января 2022 года – к 100-летию со дня рождения Евгения Весника.

- Когда говорят о Евгении Веснике, вспоминают его роли учителя математики в «Приключениях Электроника», белого офицера в «Новых приключениях неуловимых» и, конечно, Богдана Сусика из «Трембиты»¸- сообщается в синопсисе. - Комедийный актёр, весельчак и шутник, автор и собиратель киношных и театральных баек. Большинство зрителей знают его именно таким. Мы же расскажем о другом Веснике, малоизвестном. Фронтовик, закончивший войну в Кенигсберге; писатель и режиссёр; правдоруб, никогда не боявшийся начальства; сын репрессированных родителей, сделавший звёздную карьеру несмотря на ярлык «политически неблагонадежного». Всё это тоже наш герой.

Евгений Весник лишился родителей в 14 лет. Отца, друга Орджоникидзе и первого директора Криворожского металлургического завода, расстреляли в 1937-м. Маму сослали на 18 лет в лагерь в Казахстан. За Женей тоже пришли вооружённые люди – сотрудники НКВД. Дали десять минут на сборы и усадили в кузов грузовой машины, который был уже переполнен такими же перепуганными мальчишками. Скорее всего, его ждал детский дом для детей «врагов народа». Но по дороге туда ему удалось сбежать. Старший сын Весника Евгений показал съёмочной группе маршрут, по которому следовал грузовик:

- Когда он поворачивал направо около Донского монастыря, боец с винтовкой отвлекся на этот поворот и папа перепрыгнул через борт и убежал, а дети, которые там сидели вместе с ним, они промолчали, чем они, может быть, спасли ему жизнь.

Одним из самых серьёзных испытаний стала Великая Отечественная. Его призвали ровно через год после начала войны – 22 июня 42-го года, когда он учился в Щепкинском училище. 19-летний Женя ускоренно окончил курсы артиллериста и отправился на фронт. Вдова Весника Нонна Гавриловна особо бережно хранит его парадный китель, увешанный боевыми орденами и медалями. Зрители узнают, за что Евгений Яковлевич получил две медали «За Отвагу» и почему, несмотря на доблестную службу, закончил войну лишь в звании гвардии лейтенанта.

Весник был женат четыре раза, с последней супругой Нонной они прожили 42 года. А из архивного интервью Ольги Аросевой зрители узнают, как расстроилась свадьба Весника с известной актрисой цыганского театра «Ромэн» Лялей Чёрной. Мало кто знает, что Весник был ещё и писателем. В перестроечные 90-е он добровольно ушёл из Малого театра, где прослужил почти тридцать лет. Но без работы актёр не остался. Он начал писать небольшие рассказы, мемуары, пьесы. В итоге всё это оформилось в 19 прекрасных книг. Максим Аверин для фильма зачитал самые интересные фрагменты из воспоминаний Весника.

Актеру редко доставались главные роли, но даже небольшие сцены с его участием запоминались. Ведь он превращал их в маленькие шедевры – особым выговором, походкой, мимикой, жестами. Дмитрий Харатьян вместе со зрителями посмотрит самые яркие кинофрагменты с участием Евгения Весника. Чью походку и манеру речи скопировал Весник для роли учителя математики в «Приключениях Электроника»? Почему он отказался от роли Генриха Мюллера в «Семнадцати мгновениях весны»? А ещё надо быть очень внимательным, чтобы увидеть «киноляп» в легендарном фильме «Офицеры», где Весник сыграл фельдшера. О том, каким Весник был в кадре и за кадром, рассказали его коллеги Геннадий Хазанов, Александр Олешко и Юрий Соломин.

Автор и руководитель проекта - Валентина Пиманова, автор сценария - Елена Гребенькова, режиссёр - Алексей Киселёв, продюсеры - Дарья Пиманова, Людмила Снигирёва, Олег Вольнов.

Эфир в 14.20.

Дорогие друзья!

Предлагаем вашему вниманию видеозапись презентации книги Елизаветы Соломиной «Виталий Соломин. Мой круг на земле» из серии «Библиотека Малого театра» (19 декабря 2022 года, Малый театр, Новое Щепкинское фойе).

Напоминаем нашим читателям, что приобрести книгу можно в кассе Малого театра с 17:00 до 20:00 (цена - 1700 р.).

В наступившем 2023 году отмечается 200-летие Александра Островского. Режиссер Малого театра Владимир Бейлис приурочил к юбилею драматурга премьеру – «Горячее сердце», сделав яркий и жизнеутверждающий спектакль.

Сценическое действие переносит нас в уездный город Калинов, где в семье купца Курослепова кипят нешуточные страсти из-за любви и ревности, бедности и богатства. Каждый герой в этой пьесе Островского – пылкая натура, узнаваемый русский характер – только играй. В постановке заняты Валерий Афанасьев, Александр Клюквин, Михаил Фоменко, Ольга Жевакина, Екатерина Казакова и другие.

О работе над «Горячим сердцем» рассказал режиссер Владимир Бейлис.

– Владимир Михайлович, чем Вас привлекала эта пьеса Островского?

– «Горячее сердце» – редко идущая пьеса, она продолжительная и многонаселенная. Не каждый театр может такое поставить. 30 лет назад «Горячее сердце» шло на сцене Малого театра в постановке Бориса Морозова. И вот мы предлагаем новое прочтение. Я с удовольствием согласился на эту работу. «Горячее сердце» – глубокая и современная пьеса. В ней есть любовь, ревность, предательство, сложные семейные отношения. Островский писал о своем времени и заглянул далеко вперед в будущее. Многое в его пьесе очень созвучно сегодняшнему дню.

– А у кого из героев горячее сердце?

– Можно сказать, что горячее сердце у всех, но по-разному. У кого-то горячее сердце направлено на добро, на созидание, а у кого-то на пьянство и гульбу. Один бесится от избытка – не знает куда деть деньги. У другого денег нет, он бедный, но он бьется за семейное счастье. Третий дает клятву, а потом нарушает ее. Все намешено. И при этом – горячка у всех, все герои сердечно возбуждены. В спектакле заняты актеры и старшего, и среднего поколения, и молодежь. Все играют очень хорошо и проникновенно.

– Спектакль получился очень красивым и музыкальным. Кто работал в вашей команде над его созданием?

– Художником-постановщиком выступила Мария Рыбасова. Мы с ней делали «Варваров». И «Горячее сердце» я считаю – наша прекрасная работа. Спектакль мы строили на сочетании лубочности, озорства и искренности. Музыку написал композитор Кузьма Бодров. У нас герои поют и танцуют. Спектакль получился нежно-музыкальный и народный. Я благодарен всем, кто трудился над спектаклем.

– Пришлось понервничать перед премьерой?

– Я заболел, когда была генеральная репетиция. Меня увезли в больницу, я перенес операцию на сердце. Премьерный спектакль я не видел, видел только второй. Радует, что зрители тепло принимают «Горячее сердце».

– Уже получаете отзывы?

– Да, вот, например, я такой отзыв получил: «Вы сделали удивительно яркий спектакль, где каждый ваш актер создал незабываемые образы. Вы видели, как зал реагировал: смеялся, взрывался аплодисментами. Прекрасные декорации и костюмы. Как Вы умеете подбирать правильных артистов! Спасибо за Ваш неувядающий талант. Выздоравливайте. И берегите себя. Мы вас любим».

Ближайшие спектакли «Горячее сердце» можно увидеть 22 января, 3 февраля, 2 марта.

Беседовала Татьяна Медведева, "Реальная Россия", 9 января 2023 года

https://rusnewsday.ru/index.php/kultura/item/12034...