Малый Академический театр — это единственный театр в стране, где на протяжении почти трех столетий сохраняются традиции классического сценического искусства. В афише современного Малого театра спектакли по произведениям Островского, Достоевского, Толстого, Чехова, Горького. Часто ставятся спектакли по творениям Александра Сергеевича Пушкина. В этом году на сцене Малого театра состоялась премьера "Капитанской дочки". Спектакль поставлен по повести Пушкина, которую адаптировал для сцены режиссер спектакля Станислав Сошников. Заметим, что это его режиссерский дебют.

Спектакль начинается со встречи в буране главных героев истории — Гринева, его слуги Савельича с Емельяном Пугачевым, и эта динамическая сцена сразу же задает тон всему остальному действу.

Первый акт наполнен важными событиями и острыми диалогами, которые ярко раскрывают героев. Стремительное и эмоциональное действие на сцене моментально втягивает зрителя в напряженную атмосферу бунта, заставляя сочувствовать и сопереживать героям. Надо отдать должное, что автору спектакля удалось сочетать бережное пушкинского слова и смелые режиссёрские решения.

А еще удачным ходом в раскрытии образов главных действующих лиц и понимания исторического сюжета, была придумана творческая встреча актеров со зрителями. "Диалог времён" так называется встреча в рамках просветительской программы для молодого поколения зрителей Малого театра, которая практикуется с огромным успехом.

А зрителя интересует буквально все: как вживались актеры в образы героев, как переключаются с одной роли на другую, как пришло видение той или иной сцены.

Например, одна из самых главных и трагических сцен казни родителей главной героини повести решена следующим образом: как только отдается приказ о казни — огромный белый занавес, как погребальный саван падает на дальнем плане сцены. Прерывается жизнь….

"На этапе решения с художником Марией Утробиной мы обдумывали разные варианты, — говорит режиссер Станислав Сошников, — нам не хотелось никакой натуральности, мы хотели показать смерть символически. А также образ бурана, из которого все остальное действие рождается с помощью музыки, написанной Кузьмой Бодровым. Буран и бунт намного ощущаются мощнее, чем если бы попробовали реалистично эти темы решать".

В спектакле много музыки, но она к месту и совершенно ненавязчивая, к вопросу музыкального сопровождения композитор подошёл виртуозно.

Музыка заполняет пространство, настраивая зрителей на драматические события, но, например, когда появляется слуга Гринева, Савельич, которого потрясающе играет Алексей Коновалов, это напряжение спадает. Савельич лукавый шут, его выходы сопровождаются музыкальными гэгами, которые в сочетании с шутками снимают напряжение в зале.

Но особенно неожиданно звучит музыкальная тема Емельяна Пугачева. Это тонкая нервная рвущаяся мелодия, исполняемая на фортепиано. Да и сам Емельян Пугачев в исполнении актера Александра Волкова совершенно отличается от ожидаемого образа. Мы представляем себе Пугачева как взрослого, рыжего, зычного яицкого казака. И вдруг на сцене появляется резкий, бьющий волнами яростной энергии молодой бунтарь.

Александр Волков много думал о своем персонаже, он считает, что Емельян Пугачев заложник своей судьбы.

"Он взял на себя эту миссию и осознанно пошел на крест, — говорит актер. — Конечно, Пугачев понимал, что его рано или поздно поймают, но не страшился своей участи и пошел на казнь. Он хотел исправить ситуацию в стране, взял на себя всю боль и выпил эту горькую чашу до дна. Я хорошо почувствовал своего героя, почувствовал, что он боялся смерти, как любой человек, но он шел на подвиг, вел людей к свободе, к воле, как он ее понимал. Из истории мы знаем, что благодаря бунту Пугачева народ все-таки получили послабление. А что касается приказов о казни, я старался уходить от эмоций, когда мой персонаж отдавал эти приказы. В защиту Пугачева хочу сказать, что дворяне также казнили народ, и, если разобраться, мой персонаж в этой истории намного благороднее, чем некоторые представители дворянского сословия".

https://www.pravda.ru/culture/1930466-kapitanskaja...

В современном обществе существует парадокс, при котором научные достижения превосходят нашу способность понимать и контролировать их процесс и результат. Сталкиваясь с этическими дилеммами, связанными, например, с искусственным интеллектом, генетическими манипуляциями и другими прорывами в разных направлениях, мало кто задумывается о потенциальных последствиях неконтролируемых научных исследований. Именно об этом предлагает поразмыслить режиссер Алексей Дубровский, поставивший в Малом театре спектакль «Физики».

«В гостиной заметно опустевшей виллы обычно проводят время трое пациентов, случайно оказавшихся физиками, нет, все же не совсем случайно, ибо здесь придерживаются гуманных принципов и селят вместе только людей, близких друг другу по духу. Эти трое живут своей жизнью, каждый замкнут в пространство своего воображаемого мира, вместе они лишь принимают пищу в гостиной, иногда беседуют о своей науке или же молча сидят, уставившись в пустоту, безобидные, симпатичные и милые психопаты, сговорчивые, послушные и непритязательные…»

Швейцарский драматург Фридрих Дюрренматт предельно детально описал место действия пьесы, практически оставив инструкцию для сценографа. В Малом театре с уважением отнеслись к его пожеланиям, художник-постановщик Мария Утробина создала уютный, немного старомодный мир, в духе детективов Агаты Кристи. Теплый свет, ковры и дерево, кожаные кресла и охотничьи трофеи на стенах – здесь точно должно что-то произойти. Комедийная (по утверждению автора) история, собственно, и начинается с убийства…

Вышеупомянутые пациенты психиатрического санатория «Вишневый сад» действительно физики, правда у каждого из них есть еще одна роль. Герберт Георг Бойтлер считает себя Ньютоном, ходит в камзоле и парике и прячет под лестницей коньяк. Эрнст Генрих Эрнести перенял привычки своего кумира – Энштейна, редко причесывается и изводит всех игрой на скрипке. Иоганн Вильгельм Мебиус от своей личности не отказался, однако регулярно ведет беседы с царем Соломоном, обсуждая с ним мировые проблемы. Вроде бы вполне мирные люди, но однажды они начинают убивать своих сиделок.

Как и любую хорошую пьесу, «Физиков» Дюрренматта сложно отнести к какому-то конкретному жанру – в ней сплетаются и шутовство, и трагедия, и философская мысль, и лирика. Сценическая визуализация многократно усиливает эффект многомерности, в первую очередь благодаря актерам. Режиссуру Алексея Дубровского можно представить как концентрические круги (в этой истории невозможно отвлечься от научных ассоциаций). Внешний круг – комедийный, даже можно сказать гротескный – люди, не имеющие отношения ни к физике, ни к психиатрии. Это полицейские, которым предстоит разбираться с убийствами в санатории (в роли инспектора Фосса в состав Владимир Носик и Василий Зотов).

Следующий круг – ближе к центральной идее и главной мысли, здесь ирония приправлена трагической горчинкой. Бывшая жена Мебиуса (Анастасия Дубровская) и ее новый муж-миссионер (Константин Юдаев) пришли попрощаться перед отбытием в дальние края. Откровенно комичные образы не могут никого обмануть, вопрос «каково это – жить с гением» буквально пропитывает каждую фразу, и зритель, морщась от кричащей во всех смыслах фигуры Лины Розе, тем не менее сочувствует и жалеет несчастную женщину, угодившую волею судьбы в столь далекий, непривычный и непонятный для нее мир.

В круге третьем обитают уже трагические фигуры, чей маскарад нелеп и непрочен, а истинные намерения торчат из всех швов, как в плохо сшитом сюртуке. Александр Клюквин в роли Ньютона, Владимир Дубровский в роли Эйнштейна и Ирина Леонова в роли доктора Матильды фон Цанд олицетворяют собой персонажей резко отрицательных, не лишенных, однако, некоего злодейского обаяния, легкой сумасшедшинки, а главное – Идеи (именно так, с большой буквы), на пути к которой они не хотят видеть никаких препятствий.

И, наконец, в центре вселенной спектакля, один против всех, пытается сохранить остатки разума и человечности Иоганн Вильгельм Мебиус. Никите Панфилову досталась роль человека, разрывающегося между собственной гениальностью и ответственностью перед целым миром. Многогранность и многожанровость роли дает актеру возможность раскрыть в своем персонаже огромное количество нюансов и переживаний. Ловко лавируя между состояниями души он предстает перед зрителем и «талантливым сумасшедшим», и «безумным влюбленным», и обреченным гением.

«Для меня это – единственный шанс сохранить мои открытия в тайне. Только в сумасшедшем доме мы еще остаемся свободными. Только в сумасшедшем доме мы еще можем спокойно думать. На свободе наши мысли приобретают взрывную силу» – в этих словах Мебиуса заключен весь ужас мироустройства, бросающий вызов зрительскому восприятию реальности, истины и ответственности. Трагическая комедия (или комическая трагедия) в Малом театре – не просто способ хорошо провести вечер, но побуждение к размышлению о наших решениях, поступках и их последствиях.

Анна Смолякова, Театр To Go, 03.01.2024

https://teatrtogo.ru/2024/01/03/graniczy-razuma-i-...

Спустя почти 150 лет Малый театр представил зрителям новую постановку знаменитой пьесы Ж.-Б. Мольера "Дон Жуан, или Каменный пир". Эта пьеса является самой философской из всех пьес драматурга и поднимает важные вопросы о жизни, смерти, любви и грехе

Постановка Малого театра пропитана духом эпохи. Артисты блестяще передают характеры своих героев, а роскошные исторические костюмы и оружие создают атмосферу XVII века. Сценография спектакля погружает зрителя в сюжет легендарной пьесы с помощью готических декораций и мрачной атмосферы. Главную роль в спектакле исполняет заслуженный артист России Андрей Чубченко. Его Дон Жуан - это не просто ловелас, а сложный и противоречивый персонаж. Он обаятельный и харизматичный, но также эгоистичный и безнравственный. Чубченко блестяще передает обаяние и магнетизм своего героя, а также его внутреннюю пустоту и одиночество. Роль верного слуги Сганареля исполняет Михаил Фоменко. Его Сганарель - это не просто глупый и преданный слуга, а также умный и наблюдательный человек. Фоменко создает яркий и запоминающийся образ Сганареля, который помогает зрителю лучше понять и оценить характер Дон Жуана. Пьеса "Дон Жуан, или Каменный пир" - это не только увлекательный любовный роман, но и глубокое философское произведение. Мольер исследует такие темы, как жизнь и смерть, любовь и грех, свобода и ответственность. Дон Жуан - это символ человека, который живет только в настоящем моменте. Он не задумывается о будущем и не боится смерти. Он считает, что можно наслаждаться жизнью, не задумываясь о последствиях. Однако Дон Жуан оказывается не готов к расплате за свои грехи. В финале пьесы он оказывается в подземном мире, где его встречает статуя Командора, которого он убил. Статуя говорит Дон Жуану, что он будет вечно мучить его душу. Пьеса "Дон Жуан, или Каменный пир" - это предупреждение о том, что за все приходится платить. Человек может жить беззаботно, но рано или поздно ему придется столкнуться с последствиями своих поступков.

Московские новости культуры,

http://cultura1.ru/theaters_and_concerts/17

8 января в спектакле "Золушка" Е.Шварца роль Первого придворного первый раз сыграл артист Алэн Салтыков. Поздравляем и желаем новых творческих успехов!

Пьеса «Светит, да не греет» Александра Островского, написана в 1880 году в соавторстве с Николаем Соловьевым была поставлена в Малом театре в том же году в бенефис Михаила Садовского. Вечная тема любви и предательства, психологическая глубина и самобытность персонажей пьесы в сочетании с непривычным для драматургии Островского трагичным финалом производили глубокое впечатление на зрителей конца ХIХ-го века, к тому же на сцене впервые зазвучала тема столкновения двух эпох. Недаром постановка «Светит, да не греет» вдохновила впоследствии Чехова на создание «Вишнёвого сада», где тема нарастающего социального конфликта получила дальнейшее развитие.

Спектакль Малого театра «Светит, да не греет» сезона 2023-2024 в постановке народного артиста России, лауреата премии правительства России, режиссёра Владимира Бейлиса выделяется захватывающим синтезом лирики, элементов трагедии, чувственных сцен, психологической драмы и тонкого юмора в сочетании с яркой и органичной манерой искреннего актёрского существования на сцене. Владимир Михайлович выбрал для постановки пьесу созвучную нашему времени: «Замечательных пьес у Островского много, но эта, созданная по сюжету Соловьёва, наверное, особая. «Светит, да не греет» увлекает не только вечной темой человеческих страстей, интересно в ней и то, как отражена многогранность человека, сколько в нас всего намешано: и плохого, и хорошего, но есть важный акцент: какой выбор делает человек, какие качества в себе культивирует?.. К тому же пьеса написана простым, понятным языком, что делает её близкой современному зрителю»

Светская красавица Анна Ренёва - девица тридцати лет, оставшись без наследства и без женихов после внезапной смерти покровительницы-тётки, приезжает из Парижа в свое родовое поместье с целью его продать. Повинуясь своему желанию найти поклонника для приятного времяпрепровождения, добивается внимания импозантного соседа – молодого и деятельного помещика Бориса Робачёва, который поддаётся чарам красавицы не сразу, ведь он искренне любит свою невесту - Олю и считает себя честным человеком. Далее происходит цепь событий, которые превращают историю любовного приключения Анны Ренёвой в большую трагедию: разжигая из любопытства горячее чувство, она в то же время боится силы возникающей страсти Бориса и отвергает его предложение. В то же время обманутая Оля, убедившись в предательстве своего жениха, с горя бросается в реку и тонет. Узнав о гибели Оли, Борис обвиняет в этом Анну, но Анна резко упрекает Бориса, ведь это был его осознанный выбор: забыть на время невесту! Осознав свою вину, Борис произносит страстный монолог покаяния, а затем вслед за Олей бросается с обрыва. Прекрасная пара влюблённых погибает в водовороте чувств и страстей, которые возникли с появлением циничной красавицы.

Актёрский состав спектакля состоит из признанных мастеров сцены, известных актёров и недавних выпускников ВТУ имени Щепкина. Это народные артисты России Владимир Дубровский, Виктор Низовой, Александр Вершинин, заслуженные артисты России: Петр Складчиков, Ольга Чуваева, Сергей Вещев, популярный актёр театра и кино Александр Волков, артисты Анастасия Дубровская, Галина Микшун, Аксиния Пустыльникова, Александр Никифоров, Екатерина Порубель, Владимир Алексеев, Варвара Шаталова, Полина Лоран, Дмитрий Кривошеев, Анна Шишкина. Актеры создают самобытные образы, ярко проживая чувства своих персонажей, каждый из которых обогащён точными психологическими чертами.

Появление на сцене народного артиста России Владимира Дубровского вносит в палитру спектакля иронично-комедийные краски, ещё больше оттеняющие трагедию человеческих отношений. Его немолодой персонаж с выразительной фамилией Худобаев, очарованный Анной Ренёвой, почему-то надеется на ответные чувства. И неподражаемое исполнение Дубровского заставляет сочувствовать его карикатурному герою. Более 50 лет замечательный артист служит на сцене Малого театра. За эти годы Владимир Алексеевич Дубровский исполнил 90 ролей классического и современного репертуара. Блестящий комедийный талант делает его сценические образы колоритными, полными тонких эмоций, что всегда находит отклик в зрительских сердцах. Как «смех сквозь слёзы» воспринимается зрителями нового спектакля и супружеская пара Залешиных в ярком исполнении Анастасии Дубровской и Александра Волкова. Народный артист России Виктор Низовой, обладающий заразительной энергией, в образе Дениса Дерюгина обаятелен и точен, его герой очень напоминает нынешних дельцов. Каждое слово звучного голоса актёра с выразительными интонациями долетает до последних рядов зрительного зала, что является традиционной чертой актёрской школы Малого театра: безупречная дикция на сцене, сильные голоса легко вовлекают нас в действие. Эпизодические персонажи спектакля тоже запоминаются, как созвучные нашему времени. Изящная Аксинья Пустыльникова в роли горничной Даши сумела оттенить своеобразное сочетание беспечности и расчёта своей героини, рядом с ней прообразом чеховского Фирса видится горестная пара дворовых старичков в исполнении Петра Складчикова (Ильич) и Ольги Чуваевой (Степанида).

На сценических подмостках Малого театра ещё раз открылся художественный мир русской драматургии - социально-содержательной, наполненной глубоким смыслом и живыми персонажами. Новая постановка проникнута психологизмом, бережным отношением к классике в сочетании с выразительными современными приёмами режиссуры, тонким чувством эстетики и меры, особенно в ярких любовных сценах. Драматизм сюжета подчёркивает лаконичная и в то же время поэтичная сценография художника спектакля Марии Утробиной (она же и автор костюмов, выполненных с пониманием характера каждого персонажа и с точным знанием исторической эпохи.)

С новой постановкой пьесы «Светит, да не греет» традиция русского психологического театра получает интересное развитие, лишённое шаблонов и обогащённое талантом ярких индивидуальностей.

Ирина Кумова

"Литературная газета", 8 января 2024 года

https://lgz.ru/article/vizit-nestaroy-damy/

5 января в спектакле "Трамвай "Желание"" Т.Уильямса роль Агента по подписке первый раз сыграет артист Никита Шайдаров. Желаем успеха!

Малый театр поздравляет вас с наступающим Новым Годом и желает новогоднего настроения и веселого праздника!

Пусть 2024 год принесет вам счастье, любовь, новые интересные впечатления!

Мы желаем вам, чтобы жизнь в новом году была насыщенной, чтобы даже в самые хмурые дни вы находили время для маленьких радостей – похода в театр, на выставку, в кино, встреч с друзьями. Дарите радость и заботу тем, кто находится рядом с вами, и пусть все самое хорошее сторицей вернется в ваш дом. Мы желаем вам счастья и ждем встречи в Малом театре!

Счастливого Нового Года!

На исторической сцене Малого театра сыграли премьеру. Режиссёр Владимир Драгунов обратился к известнейшей комедии Жан-Батиста Мольера «Дон Жуан, или Каменный пир» в переводе Владимира Лихачёва и поставил спектакль с Андреем Чубченко в заглавной роли. Рассказываем, чего ждать от постановки.

Классика классик

Постановка – классический пример классического театра. Старого и доброго – вот буквально так, если хотите. Действие не переносится в другие страны/времена/измерения, сохранены авторский текст, драматургия и настроение, костюмы (художник Любовь Скорнецкая) выдержаны в стилистике эпохи, а сценография (художник-постановщик Мария Рыбасова) с полноценными объёмными, пусть и несколько условными, декорациями визуально раскрывает задумку спектакля и отражает статус площадки. На такую постановку можно смело приглашать старших родственников и школьников 12+, не боясь, что «антикварный» материал будет навевать тоску. Мольеровская комедия не кажется скучной или устаревшей ни на бумаге, ни в инсценизации, ни в проблематике.

Почти опера

По форме, динамике и расстановке фокусов спектакль напоминает оперу. События развиваются неспешно, плавно, декоративно – с широкими театральными жестами, красивыми выходами-проходками, затейливыми мизансценами и акцентированными эмоциями. «Арии», в которых артисты солируют по очереди, чередуются с многоголосием тутти, отточенным до синхронии. Знакомая всем история рассказывается с уверенным театральным пафосом, солидно и многозначительно, серьёзно, но с уместным, хоть и предсказуемым, юмором – совершенно в духе Малого театра. В спектакле звучит музыка Жозефа Мориса Равеля, Кристофа Виллибальда Глюка, Габриеля Форе.

Персонажи и персоны

Продолжая задумку Мольера, Владимир Драгунов строит действие и движение так, чтобы у каждого персонажа появилась возможность показать себя с разных сторон. Даже второстепенные герои успевают прожить маленькую сценическую жизнь и проявить характер. Но в центре внимания, конечно же, оказываются Дон Жуан (Андрей Чубченко) и Сганарель (Михаил Фоменко). Господин играет в увлекательную игру с отрицательной харизмой, вызывая в зрителе то волну возмущения, то порыв снисходительного понимания, то искреннее сочувствие. Слуга – концентрат всего живого и непосредственного, мятущегося и ищущего – чарует подвижностью и «детскими» философскими открытиями и особенно ярко выступает на контрасте с неподвижными фигурами статуй, мрачной серостью дворцовых стен и непоколебимостью моральных устоев.

Неверие – новая вера

Сценический сюжет развивается последовательно и до поры обыгрывается в духе морализаторства: на поверхности лежит тема любви, чистота которой отныне и впредь опорочена Дон Жуаном, его все осуждают. Но во втором действии неожиданно густо и весомо звучит центральная тема спектакля, прежде скрытая за комедийными интонациями. Дон Жуан утрачивает веру во что бы то ни было, кроме таблицы умножения, и бросает вызов Небесам, ожидая и не получая кары за свои грехи. Его неверие становится новой верой, ведь, кичась перед Небом своей безнаказанностью, он лишь тем самым признаёт существование высших сил. Рад ли он такой жизни? – Вряд ли, но признаться в этом не позволяет гордыня. Мнимая свобода героя обращается пустотой и неискренностью, вырастая в лицемерие.

«Теперь этого не стыдятся: лицемерие – модный порок, а все модные пороки идут за добродетель. По нынешнему времени роль добродетельного человека – из всех ролей самая благодарная и ремесло лицемера из всех ремёсл самое выгодное, – говорит Дон Жуан. – Людские пороки вообще доступны осуждению, и никому не возбраняется открыто нападать на них; но лицемерие – порок привилегированный; оно всем зажимает рот и наслаждается неограниченною безнаказанностью. Притворство помогает людям крепко стоять друг за друга». В этом высказывании – ключ к постановке и мостик из мольеровского 1665-го в сегодняшний день.

Елена Шаина, Театр To Go, 28.12.2023

https://teatrtogo.ru/2023/12/28/liczemerie-modnyj-...

Шляпница Елена Шапиро 55 лет служит в Малом театре. Елене Георгиевне посчастливилось поработать со знаменитыми театральными художниками: Александром Васильевым, Энаром Стенбергом, Борисом Волковым, Эдуардом Кочергиным, Валерием Левенталем и другими легендарными сценографами.

– Елена Георгиевна, правильно ли называть вас шляпницей?

– Да. Правда, раньше шляпницу называли модисткой. В Малом театре я являюсь заведующей мастерской головных уборов. Занимаюсь изготовлением, моделированием, оформлением театральных головных уборов, которые имеют свои особенности в сравнении с бытовыми.

– Как вы пришли в эту профессию?

– Прежде чем найти себя в этой профессии, я окончила театрально-художественное техническое училище в 1968 году. И по воле случая, попала в Малый театр по окончанию училища. Я пришла ученицей к очень хорошему мастеру, это была Тамара Владимировна Кунина. Свою профессию она освоила еще во времена НЭПа. И когда-то работала в Большом театре. В общем, она была чудный мастер и очень интересный человек еще из той эпохи. Мне посчастливилось поработать с ней четыре года. Потом без отрыва от производства я поступила в Московский текстильный институт и окончила факультет прикладного искусства. Так по сей день работаю с головными уборами.

– Как вы попали в Малый театр?

– У нас было распределение, но по распределению я была направлена в кино. Пока защищала диплом, группа уже уехала, и я стала искать работу. И моя сокурсница попала в Малый театр по распределению, она узнала, что можно поступить в ученицы к мастеру, нужно было готовить смену. Это был счастливый случай, потому что профессия эта мне очень нравится, хотя, конечно, требует усидчивости и терпения. Мы имеем дело с иголками, с материалами разных фактур. Кроме этого, большая ответственность, потому что голова – отнюдь не последняя в создании образа. Тут очень много слагаемых, когда нужно не только уметь что-то делать аккуратно, качественно. Еще есть исполнительская и творческая работа.

– В чем уникальность театральных шляп?

– В том, что мы, прежде всего, создаем образ. И должны знать эпоху, понимать замысел режиссера и художника, должны учитывать индивидуальность актера. Это все вместе взятое немного отличается от того, когда вы делаете просто какую-то шляпку. А потом приходит клиент и подбирает себе головной убор. Также мы работаем с гримерами, которые создают прическу, макияж – это все надо тоже учитывать. Работа очень интересная, потому что никогда не повторяется. Всегда новый художник – новый замысел. Мне, по счастью, довелось работать с крупными художниками. Это подарок судьбы. Я работала с Евгением Ивановичем Куманьковым, Александром Павловичем Васильевым, Борисом Ивановичем Волковым… Первый спектакль, который я делала, помогала своему мастеру, была постановка по Тургеневу «Отцы и дети», мне был 21 год и тогда я впервые столкнулась с настоящим театром. Мне посчастливилось работать с Эдуардом Кочергиным, Энаром Стенбергом, Иосифом Сумбаташвили, Валерием Левенталем.

– Кто из сценографов произвел на вас наибольшее впечатление?

– Каждый художник привносит свое видение театра. Вы должны сами ловить, что вам говорят мастера и наматывать на ус. Невероятно интересно было с Вячеславом Михайловичем Зайцевым, он у нас сделал несколько спектаклей. В Малом театре работали выдающиеся художники, но мне по духу ближе всего Энар Стенберг.

– Сколько за 55 лет вы создали шляп?

– Мне даже трудно представить, потому что я очень много работала в спектаклях для Малого театра. Я делаю и мужские головные уборы, и женские. Нет разделения на пол или на жанр: делаю к водевилю, или ближе к бытовому решению, что-то фантазийное. У нас был замечательный художник Юрий Хариков, который делал спектакль с Виталием Мефодьевичем Соломиным «Свадьба Кречинского». Там были очень интересные костюмы и решения головных уборов. Я горжусь тем, что участвовала в том спектакле, который делал Виталий Мефодьевич. Он, кстати, сам и играл Кречинского.

Наш репертуар – Островский, Чехов. Классика – наш фундамент. У Островского, как правило, среда купеческая, дворянская. Был спектакль Леонида Хейфеца «Свадьба Кречинского», где Расплюева играл еще Игорь Ильинский, а Кречинского – Владимир Кенигсон. Каждая постановка решалась по-своему. Нельзя даже сравнить. Сейчас у нас работают молодые художники, очень талантливые. Мария Утробина уже сделала с Алексеем Дубровским несколько спектаклей: «Собачье сердце», «Женитьба Бальзаминова», «Мертвые души».

– Что должен уметь и видеть шляпный мастер, чего не видят другие мастера?

– Я не могу вам ответить на этот вопрос. Каждый профессионал своего дела, прежде всего, должен чувствовать и любить свою профессию. Если вам интересно, и вы растете, не заштамповываетесь, оттачиваете свое мастерство. Это, конечно, самое главное. А если делать равнодушно, ничего не получится.

– Шляпу создает один человек, или это коллективная работа?

– Больше 30 лет я работала одна. Сейчас у меня есть помощница Татьяна, которая работает со мной много лет. Она прекрасный исполнитель, руки у нее золотые. Моя задача все найти, промерить, подобрать фактуры, выкроить, провести примерку, подобрать отделки. Кроме того, со мной также работает молодая девушка из театрального художественного училища. Была бы счастлива, если бы она задержалась бы в этой профессии.

– Из каких материалов вы изготавливаете головные уборы?

– Материалы самые разные. Я продолжаю старые традиции. Сейчас, я думаю, некоторые уже отказались от материала под названием «лино», а я его использую. Это марля, которая натягивается на раму, проклеивается. Этот материал еще в позапрошлом веке широко использовали для шляп, потому что он природный, гигроскопичный, легкий. Еще используем фетр, соломку. Сейчас появляется очень много новых материалов. Мы тоже их используем. Из меха, естественно, приходится делать.

– Как вы считаете, как шляпа может помочь раскрыть образ героя? Или, наоборот, его испортить?

– Шляпа – это самая, по-моему, важная вещь, которая может все испортить или, наоборот, помочь образу. Но об этом надо, скорее, спрашивать у актеров. У нас в спектакле «Собачье сердце» актриса Мила Щербинина играет даму, которая приходит за помощью к профессору. Ей надо омолодиться, поэтому она приходит в шляпе с райской птицей, и она сама вся немного экстравагантная. Я считаю, что ей в данном случае головной убор помогает. Но если актеру это не нравится, он никогда не наденет шляпу. Головной убор должен быть легкий, иначе прическа будет прибита, если особенно актер снимает на сцене шляпу.

В «Трех сестрах» у нас Машу играла замечательная актриса Оля Пашкова, сейчас – другая актриса. Там у героини очень элегантная шляпка из соломки, и надо было ее приколоть булавкой. Она снимала шляпку прямо на сцене. Это очень серьезно, потому что всегда боишься, как бы она не сняла вместе с каким-нибудь локоном, или не растрепала свою прическу.

– Есть ли артисты, которые не любят головные уборы?

– Конечно, есть. И некоторым, может быть, даже и мешает. А есть артисты, которые очень любят шляпы, и согласны, даже если нет шляпы, то предлагают придумать. У нас в театре очень красивые артисты. Есть спектакль, который оформлял Зайцев, «Молодость Людовика XIV». И там очень много широкополых шляп со страусиными перьями. Они, конечно, тоже по-своему украшают.

– В каких спектаклях больше всего шляп?

– Их обычно много в спектаклях-водевилях. У нас есть «Всегда зовите Долли!» с Ириной Муравьевой, водевиль «Таинственный ящик». Там много массовых сцен и тоже множество головных уборов. У нас очень хорошие детские спектакли: «Буратино», «Снежная королева», «Подснежники для королевы». Сказки тоже оформляются очень красочно.

– Какие шляпы вы считаете самыми красивыми?

– Я люблю мужские цилиндры, которые бывают очень элегантные, изящные. Люблю фетровые шляпы и роскошные шляпы с перьями, тюрбаны. Сказать, что я люблю шить только шляпки и больше ничего не люблю, я не могу. Сумочки, зонтики, митенки – это все тоже дополняет костюм и делается в нашей мастерской.

– Почему шляпа – это всегда красиво и стильно, как вы считаете?

– Это завершающий акцент в костюме. Вспомните фильм «Завтрак у Тиффани». Когда Одри Хепберн выходит в черной широкополой шляпе с длинным кремовым шарфом и в маленьком черном платье, это запоминается на всю жизнь. Шляпа всегда привлекает большое внимание. Если она удачная, это хорошо, если неудачная, тоже запомните. Это еще зависит от того, как вы эту шляпку наденете. Ее можно надеть так, что это будет безумно смешно, а можно надеть правильно.

В 2014 году в Москве проходила выставка главного шляпника планеты Филипа Трейси. Я до сих пор ее вспоминаю, его изумительные шляпы носят мировые звезды, головные уборы авторства Трейси давно стали произведением искусства.

– Кто из артистов прошлых лет, как вы считаете, умел красиво носить головные уборы?

– Элина Быстрицкая, Руфина Нифонтова. Была удивительная Татьяна Панкова – изумительная характерная актриса. Она умела красиво носить любой головной убор. Она иногда играла сваху, няню… И знаете, она надевала головной убор и сразу преображалась. И вы уже видели человека совершенно из другой эпохи. Как это происходило, я даже не знаю. Бывает, что шляпа отдельно, а человек отдельно. А здесь нет: надела чепчик – и все, она уже «оттуда». Это особенность, мастерство актрисы. Я думаю, что здесь важно, чтобы вещь была продолжением внутреннего мира человека. Когда я прихожу на премьеры, вижу только головы. Смотрю, не съехала ли шляпа набекрень, не отвалилось ли чего-нибудь. Шляпа – это мини-портрет человека. Как и костюм, она характеризует героя.

– Почему вы выбрали именно шляпы?

– Как многие люди моего возраста, я жила в коммуналке. Детство было очень счастливое, но не сказать, чтобы я часто бывала в театрах. Однажды мне довелось увидеть журнал «Америка», моя соседка была переводчицей, она выписывала этот глянцевый журнал. После прочтения она мне их отдавала, мне было лет десять. Я открыла этот журнал, и на развороте увидела даму в седых кудельках, а вокруг нее были шляпы. Такой красоты я, конечно, никогда не видела. Я даже не могла представить, что это можно сделать руками. Оказывается, это была одна знаменитая модистка, которой был посвящен разворот в журнале. Мне это все так понравилось! Потом, когда я поступила в училище, мне тоже очень захотелось делать шляпы. У нас была замечательный педагог, Алла Давыдовна Смирнова, она занималась шляпным этим делом. А потом я попала в Малый театр и уже не сомневалась, что это моя профессия. Хотя у меня из родни не было никого, кто хоть какое-то отношение имел бы к театру. Все были математики, работали в конструкторском бюро, там же и я работала с 15 лет.

– Для вас, наверное, Малый театр давно стал домом?

– Конечно. Большую часть своей жизни я прожила здесь. Иногда смеюсь и говорю коллегам, что всю жизнь просидела с иголочкой. Я не жалею о своем выборе, потому что жалеть вообще никогда ни о чем не надо. Надо радоваться жизни.

"Театрал", ноябрь 2023 года

Народного артиста России актера Малого театра Александра Ермакова хорошо знают и любят многие поклонники театра и кино. Но о том, что Александр Юрьевич учился и делал свои первые шаги в профессии в нашем городе, знают немногие. Об этом мы сегодня и расскажем.

В Горький - учиться!

На счету Ермакова более шестидесяти ролей в театре. А играл он в лучших московских театрах - областном имени Островского, театре имени Пушкина и в Малом театре России. В фильмографии Александра Юрьевича - почти сорок ролей в кино. И в каких! «Демидовы», «Умный, честный, неженатый», «Белый тигр», «Жизнь и судьба», «Маросейка,12», «Высший пилотаж», «Лев Яшин. Вратарь моей мечты» и многие другие.

А началась его карьера в нашем городе, который тогда назывался Горьким. В Горьковское театральное училище «учиться на актера» приехал после восьмого класса пятнадцатилетний Саша Ермаков.

- Конец 1960-х годов, я занимался в драматическом кружке во Дворце пионеров в Харькове, где жила моя семья, и мы с тремя друзьями решили ехать в Горький, - вспоминает Ермаков. - Но до этого мы отправили заявки сразу в четыре училища: в Ярославль, Саратов, Днепропетровск и Горький. И из Горького пришел самый обстоятельный ответ. Туда мы и решили отправиться. Мама была категорически против, мол, куда ты едешь так далеко? Но мы все равно поехали попытать счастья на вступительных экзаменах. И из четверых я поступил один! Правда, взяли меня кандидатом и первые полгода обучения я не по - лучал стипендии. Из-за ужасного говора. Но все равно был счастлив необычайно!

Студенческая жизнь

Свой курс в тот год набирал известный педагог и прекрасный актер Валерий Семенович Соколоверов. Выпускник Школы-студии МХАТ, актер знаменитого новосибирского театра «Красный факел», он в 1963 году вернулся в родной Горький и в течение тридцати лет преподавал в Горьковском театральном училище.

Соколоверов был строгим и мудрым, требовательным и чутким, непримиримым и человечным. Валерий Семенович воспитал много прекрасных актеров, которые работают и сейчас в российских театрах. Тот курс Соколоверова был ярким и сильным. Кроме Ермакова на нем учились актеры Нижегородского ТЮЗа Валентина Дидечко и Леонид Ремнев.

- Мы общаемся, дружим и часто созваниваемся, своих однокурсников всегда помню и люблю! - рассказывает Александр Ермаков.

Кроме профессиональных навыков педагоги училища активно работали над харьковским говором студента. А исправить его было очень и очень сложно. Педагогу Валерию Галендееву это удалось! Когда спустя много лет Ермаков будет поступать в Малый театр России, где на первом месте всегда были хорошая речь и правильное классическое произношение, в театре искренне изумятся - мол, вы из Харькова, у вас должен проскальзывать говор, а он у вас совсем не чувствуется! На что Ермаков ответил с улыбкой: «Это блестящая работа прекрасных педагогов из Горьковского театрального!»

А вот с жильем студентам всегда приходилось решать проблему самим - в училище нет общежития. И Саша Ермаков снял проходную маленькую комнатку на улице Фигнер (ныне ул. Варварская). Деньги на жилье, конечно, присылали родители. Пятнадцатилетнему мальчишке приходилось учиться и самому вести хозяйство - стирать, гладить, готовить и убираться. Обедал в студенческой столовой - бюджетно укладывался в пятьдесят копеек.

- Однажды ко мне на несколько дней приехала мама, увидела, как я живу и горько расплакалась, - вспоминает Ермаков. - А через пару недель, когда провожал маму в аэропорт, уже я плакал слезами в три ручья. Но у меня была цель - окончить училище и стать актером!

Большой актер Малого театра

На профессиональную сцену Ермаков впервые вышел тоже в нашем городе.

Его, студента третьего курса, позвали на роль в популярный в то время спектакль «Проснись и пой!» в театр «Комеgiя». И дебютант так понравился труппе, что его пригласили в театр после окончания училища в 1972 году. Александр Юрьевич согласился и успешно работал здесь в течение двух сезонов. А потом Ермаков пошел в армию. Сам пришел в военкомат, потому что все мужчины в семье служили, и два года отдавал долг Родине в ракетных войсках под Горьким.

Потом уже была работа в Харьковском ТЮЗе и московских театрах.

А с 1995 года Александр Юрьевич работает в Малом театре России. Его партнерами были Ирина Муравьева и Виталий Соломин, Виктор Павлов и Элина Быстрицкая, Борис Клюев и Василий Бочкарев. Ермаков занят во всех знаковых спектаклях театра: «Лес», «Ревизор», «Три сестры», «Женитьба», «Таланты и поклонники», «Мнимый больной», «Доходное место», «Пиковая дама». А в кассах театра спрашивают и покупают билеты «на Ермакова».

Девушка без адреса

И свою первую и единственную любовь Александр встретил тоже в Горьком.

Было это так. В Доме учителя в 1970-е годы по выходным проводили вечера танцев. Там Саша и увидел очень красивую девушку.

- Я пригласил ее на медленный танец, мы познакомились, оказалось, ее зовут Оксана. Я Оксану проводил, и мы условились завтра встретиться на Свердловке, где сейчас памятник Евстигнееву, - вспоминает актер. - Но я прийти вовремя не смог - была репетиция дипломного спектакля, и меня педагог не отпустил. Пришел на условленное место, опоздав на два часа. Оксана, конечно, ушла.

Пришлось Ермакову искать свою новую знакомую. Он знал только район, где живет Оксана. И стал методично, подъезд за подъездом, квартиру за квартирой обходить все дома - прямо как в советском кино «Девушка без адреса». И на пятый день нашел Оксану! Через несколько лет они поженились. И вместе уже 53 года!

- Ваш город - моя вторая родина, он мне дал все! Поэтому я так люблю и нижегородцев, и Нижний!

Александр Алешин, «Нижегородская правда», №100, 2023 год

29 декабря в спектакле "Подснежники для королевы" роль Сентября первый раз сыграет артист Максим Путинцев. Желаем успеха!

29 декабря в спектакле "Подснежники для королевы" роль Декабря первый раз сыграет артист Алэн Салтыков. Желаем успеха!

24 декабря на сцене филиала Малого театра в Когалыме прошел творческий вечер народного артиста России Валерия Афанасьева. За два с половиной часа, которые прошли в очень теплой обстановке, Валерий Алексеевич не только ответил на вопросы своих поклонников, но и исполнил несколько песен под собственный аккомпанемент на гитаре.

Фоторепортаж Айдара Ахметова.

[GALLERY:726]

В русских переводах пьесу часто называют «Дон Жуан, или Каменный гость» (1665), и после запрета мольеровского «Тартюфа», высмеивающего лицемерие и ханжество духовенства, она стала новым вызовом драматурга обществу. Мольер (1622-1673) написал дерзкую комедию нравов на основе популярного во Франции сюжета о севильском распутнике Дон Жуане. В мольеровской версии два героя: высокомерный гордец Дон Жуан, преступающий все законы, и его слуга - богобоязненный Сганарель. Но провокатор Мольер представляет своего злодея бесстрашным и обаятельным, а носителя идеи добра трусоватым и скуповатым. Дон Жуан (з.а. Андрей Чубченко) - дьявольский соблазнитель, настоящий монстр, его слуга соблазнам не поддаётся, но уверен, что кара небесная непременно настигнет того, кто «не верит ни в небо, ни в святых, ни в бога, ни в чёрта». Из слов Сганареля (Михаил Фоменко) узнаём, какой величайший нечестивец его хозяин, настоящий сластолюбец, презирающий все христианские заповеди. А Дон Жуану хоть бы что, он считает, что его сердце принадлежит всем красавицам, а жена Эльвира (Лидия Милюзина), увы, это прошлое.

Согласно античным и средневековым легендам о грешниках, которых наказали изваяния, Дон Жуан, оказавшись перед статуей убитого им командора, вступает в переговоры и получает приглашение на ужин. Между делом, он отбивает у разбойников брата Эльвиры (Дон Карлос – Максим Путинцев), ловко отделывается от кредитора Диманша (з.а.Александр Титоренко), не внимая уговорам исправиться ни отца (н.а.Александр Ермаков), ни Эльвиры. В финальном монологе Дон Жуан говорит о модном пороке времени - лицемерии, который сходит за добродетель: роль добродетельного человека называет «самой благодарной», а ремесло лицемера «самым выгодным», потому что «оно всем зажимает рот и наслаждается безнаказанностью». Но, сколько бы не объявлял Дон Жуан о своём раскаяньи, всем очевидно, что оно ложное: земля разверзается и поглощает нечестивца.

Дон Жуан гибнет в пламени от каменного пожатия статуи, убедившись в том, что в мире присутствуют силы, существование которых он отрицал, но прожил жизнь, ежесекундно ощущая их. А Сганарель, пронаблюдав весь этот ужас, способен лишь трижды воскликнуть - «Моё жалованье, моё жалованье, моё жалованье!»

«Дон Жуан, или Каменный пир» Мольера поразительно современная пьеса, - сказал режиссёр-постановщик спектакля, з.а. Владимир Драгунов, - кроме разговоров о любви в ней есть серьёзная тема о лицемерии общества. Возьмите знаменитый финальный монолог Дон Жуана, который часто сокращают или даже убирают совсем, вероятно, думая, что он лишает пьесу занимательности. А, по-моему, в нём заключён глубокий смысл, потому что живём во времена, когда каждый день слышим о двойных стандартах, а это и есть лицемерие. Мир просто заполнен неискренностью, которую преподносят как постулаты, утверждая с серьёзными лицами, как надо понимать те или иные вещи.

Если внимательно читать драматургию Мольера, возникает ощущение, а не другой ли автор написал «Дон Жуана», настолько в стороне от остальных находится эта пьеса. Мольер настаивает на том, что это серьёзная комедия: он написал о человеке, свободном от правил, и это интересно исследовать. Но свобода не даёт Дон Жуану счастья, потому что он ни во что не верит, и ему нечем жить. Вот он и занят поиском этой веры, но жутковатым путём - через отрицание её. Порой он даже ждёт наказания за свои неблаговидные поступки, потому что жить дальше так не может. Не может существовать в пустоте, потому что не ищет просто удовольствий. Все истории с женщинами не приносят ему счастья».

Александр Ермаков, исполняющий роль Луиса, подтвердил, что его герою, конечно, не нравится поведение сына, предающего свой род. «Такие воспитательные беседы, какие ведёт Дон Луис с Дон Жуаном, - говорит актёр, - происходят и сегодня в семьях, где растут сыновья: кто, кроме отца, скажет сыну, что он ведёт себя неправильно? Когда Дон Жуан приходит к отцу в алтарь и просит прощения – «Папа, я стал другим», Луис готов всё простить сыну».

В роли Дон Жуана Андрей Чубченко, сыгравший в предыдущих спектаклях Владимира Драгунова Петра Первого и графа Альмавиву («Женитьба Фигаро» Бомарше). «Думаю, когда Мольер писал «Дон Жуана», - сказал Чубченко, - он проецировал происходящее на свою личность, а время, в котором развивается действие, было временем двойных стандартов, с тем отличием, что сейчас лицемерие существует открыто, а тогда пряталось за набожностью. Думаю, ноги этой пьесы растут из «Тартюфа», в котором Мольер выступал против фарисейства, «Дон Жуан» написан с тех же позиций: герой как свободный человек прежде всего искренен и честен перед собой. Он грешит, но честно признаётся этом, а не прячется, как Тартюф, за Господом Богом. Мне нравится существовать в этом образе в женских сценах: чувствуешь, что уже получил приз, ты Дон Жуан и имеешь право на всё. В жизни мы ограничены, а на сцене можно позволить себе быть самим собой».

О том, что получит эту роль, артист узнал в отпуске, и у него было время привыкнуть к тексту, почувствовать его. «Этот персонаж невозможно притянуть на свою органику, - говорит он, - Дон Жуан из мировой классики, тут важно было дотянуться до автора и до того, что он хотел сказать этим персонажем. И тут важен монолог Дон Жуана о лицемерии, в котором зрители, надеюсь, почувствуют, что говорит он одно, а думает совершенно другое…»

Резюмируя, Андрей Чубченко подтвердил, что Дон Жуан испытывает боль от несовершенства мира, в котором находится, и от той страсти, которой мучается в поиске любви, но не может её найти…

«Дон Жуан» появляется на сцене Малого театра после перерыва в 150 лет.

Нина Катаева, Мир тесен, 16 декабря 2023 года

https://ninak.mirtesen.ru/blog/43435343262/Pozhate...

28 декабря в спектакле "Снежная королева" Е.Шварца (по Г.Х.Андерсену) роль Кая первый раз сыграет артист Алэн Салтыков. Желаем успеха!

28 декабря в спектакле "Снежная королева" Е.Шварца (по Г.Х.Андерсену) роль Маленькой разбойницы первый раз сыграет артистка Анна Мадонова. Желаем успеха!

28 декабря в спектакле "Снежная королева" Е.Шварца (по Г.Х.Андерсену) роль Герды первый раз сыграет артистка Алёна Ревнева. Желаем успеха!

В этом году к творческому сотрудничеству с программой Малого театра «Диалог времен» подключились студенты Университета Правительства Москвы. Их настолько увлекла история театра и творчество Александра Николаевича Островского, что Университет провел в своих стенах конкурс студенческих эссе в рамках общеуниверситетского проекта «Культурный код управления современным городом: наука и искусство. К 200-летию А.Н. Островского». Проект направлен на выявление степени сформированности общепрофессиональных компетенций, а также интеллектуальных и творческих способностей студентов.

На конкурс поступила 121 работа, из которых по итогам отбора в финал были допущены 54 эссе.

Участникам было предложено поделиться своими размышлениями на темы, сформулированные самим Островским:

1. «Вот когда мы узнаем настоящую-то цену человеку, когда его нет!» («На всякого мудреца довольно простоты»).

2. «Пока человека не знаешь, так ему и веришь; а как узнаешь про дела его, так по делам ему и цена» («Сердце не камень»).

3. «Чудесного много на свете, только мы не хотим заметить его» («На всякого мудреца довольно простоты»).

4. «Нынче не тот богат, у кого денег много, а тот, кто их добывать умеет» («Бешенные деньги»).

5. «Извольте, я буду молчать; но расстаться с моими убеждениями я не могу: они для меня единственное утешение в жизни» («Доходное место»).

6. «От равнодушия недалеко до порока. Кому порок не гадок, тот сам понемногу втянется» («Доходное место»).

7. «Коли ты честный - не водись с бесчестным, не трись подле сажи — сам замараешься» («Бедность не порок»).

8. «На что богатым людям даны деньги и как богатому человеку проживать их следует, чтобы непостыдно мог стать он перед последним судом?» («Сердце на камень»).

9. «Нет хуже этого стыда, когда приходится за других стыдится» («Бесприданница»).

[GALLERY:724]

21 декабря 2023 года в Университете состоялось торжественное вручение дипломов победителям. Победителями и призерами конкурса были признаны 12 конкурсных работ по четырем номинациям. Четыре из них завоевавали сердца сотрудников Малого театра, а их авторы – Ирина Петухова, Елизавета Соболькова, Софья Дашкова и Светлана Фунтикова – получили наши спецпризы: юбилейное издание «Путеводитель по Островскому».

Дипломы победителям и призерам вручили проректор по высшему образованию и молодежной политике Университета Правительства Москвы, кандидат исторических наук, доцент, почетный работник образования города Москвы Алексей Анатольевич Александров (Председатель жюри конкурса) и заместитель начальника Музейно-информационного центра Малого театра Ярослав Викторович Седов.

16 декабря в спектакле "Доходное место" А.Н.Островского роль Юлиньки первый раз сыграла актриса Екатерина Гревцева. Поздравляем и желаем новых творческих успехов!

Малый театр представил премьеру спектакля «Летят журавли» в постановке Андрея Житинкина. Написанная в годы войны пьеса Виктора Розова «Вечно живые» оказалась сегодня очень актуальна.

Накануне своего дня рождения Вероника (Варвара Шаталова) узнаёт, что ее жених Борис (Андрей Чернышов) уходит добровольцем на войну. Белка (так Борис называет Веронику) по-детски обижена на него: он бросает её ради своего тщеславного порыва! В эвакуации семья получает известие, что Борис пропал без вести. Вероника выходит замуж за Марка. Однажды к соседке приезжает с фронта сын Володя (Владимир Алексеев) и рассказывает историю о спасшем его бойце, похороненном на западной окраине Смоленска. Боец все время рассказывал ему о своей невесте Белке. Ирина показывает Володе фотографию Бориса - он узнает в нём погибшего бойца.

В обстановке сгущающейся за окном грозы простые, местами очень скупые па эпитеты и эмоции строчки пьесы Виктора Розова режут по живому. «Дай поглядеть на тебя напоследок!» - крик бабушки Борису рвёт зрительское сердце на части, потому что в потрясающей игре Людмилы Поляковой кричит всё непридуманное отчаяние сегодняшних бабушек и матерей. Любое её малейшее движение, каждое сказанное слово - на вес золота. Да и весь актерский состав, с шестью народными и двумя заслуженными артистами России, обеспечивает главное условие успешного спектакля - жадное желание следить за тем, что случится на сцене дальше.

Кинохроника движется по огромному экрану: бойцы бредут по колено в грязи, лежат на земле, ведут огонь. И невозможно сдержать слёз, когда голос Арсения Тарковского читает:

«Ни тьмы, ни смерти нет на этом свете.

Мы все уже на берегу морском.

И я из тех, кто выбирает сети,

Когда идет бессмертье косяком».

Журавлики-кораблики, о которых лепечет Вероника в начале, превращаются в белых журавлей. И о них поет в финале голос Марка Бернеса.

Наталья Бабахина, газета "Метро", 12.12.2023

https://www.readmetro.com/en/russia/moscow/2023121...