24 ноября в Малом театре будет дан спектакль "Вишнёвый сад" А.П.Чехова, посвященный 80-летию народного артиста России Валерия Константиновича Бабятинского. В честь торжественного случая спектакль был возвращен на Основную сцену. Сам юбиляр выйдет на сцену в роли Гаева. После представления Валерия Константиновича поздравят его коллеги и друзья. Начало в 19:00.

25 ноября Малый театр представит премьеру – «Светит, да не греет» по пьесе Александра Островского и Николая Соловьева в постановке Владимира Бейлиса.

«Светит, да не греет» издана в 1881 году, но в ней уже проглядывается тема столкновения двух эпох, отмечают авторы постановки.

«Островский и Соловьев в этой пьесе показали срез общества того времени, которое они видели: одни принадлежат старому миру, другие – новому. Но все они жаждут любви. Ренёва – представительница нового времени, она приехала из-за границы и разрушила существующий уклад жизни. Это ситуация, когда старый мир разрушен, а новый еще не создан – Ренёва "осветила", но не "согрела"», – рассказывает Владимир Бейлис.

Помещицу Ренёву в премьере сыграет Полина Лоран, Рабачёва – Дмитрий Кривошеев, роль Оли доверена Анне Шишкиной. В спектакле также заняты: Виктор Низовой, Владимир Дубровский, Ольга Чуваева, Петр Складчиков и другие артисты.

Сценическая история пьесы началась именно в Малом театре в 1880 году. После этого она ставилась всего два раза, спектакль 1964 года запечатлен на пленке и пользуется большой популярностью у ценителей классики.

Премьерные показы «Светит, да не греет» также пройдут 3 и 21 декабря.

Екатерина Сивцова, "Театрал", 24 ноября 2023 года

https://teatral-online.ru/news/34465/?utm_source=y...

Одно из самых загадочных произведений русской литературы — «Пиковая дама» Александра Пушкина — за всю историю существования обрела множество различных интерпретаций. Конечно, самая знаменитая — опера Петра Чайковского. А из экранизаций, пожалуй, лучшей посчитаем фильм Игоря Масленникова. Это произведение уже третье столетие продолжает будоражить умы и вызывает все новые прочтения. Одно из них — в столичном Малом театре. Сценическая фантазия по Пушкину авторства Андрея Житинкина покорила сердце Филиппа Геллера.

Прежде всего, в этой постановке пленяет картинка. Наконец-то никаких переносов времени действия в XX век или же современность, которых мы уже нахлебались в интерпретациях оперы Чайковского. Художник Андрей Шаров создает величественное пространство — лепнина, колонны, гигантские статуи, огромные окна.

Но главный сюрприз — роскошные костюмы авторства великого Вячеслава Зайцева, настоящие произведения искусства. Спектакль прекрасен с точки зрения эстетики эпохи.

Конечно, повесть, которую можно прочитать за полчаса, необходимо было дополнить какой-то новой информацией, чтобы сложился полноценный спектакль. Радует, что Житинкин оставил все пушкинские фразы, а собственные мысли выразил достаточно ровно и практически без противоречий с пушкинскими идеями. Хотя есть и некоторые просчёты. К ним отнесем характерную роль Маши, горничной Лизы, которая в постановке обретает чёткий образ — ее линия здесь абсолютно самостоятельна и вполне весома. Это хитрая, нагловатая лентяйка, не желающая подчиняться Графине и втайне над ней насмехающаяся. Режиссёр придумал историю: Анна Федотовна нашла Маше жениха — своего приказчика, и в спектакле обсуждается их свадьба, которая проходит аккурат перед роковой встречей Германна и Графини. Кажется, с этим комическим образом Житинкин чуть перемудрил — Маши слишком много, особенно во втором акте… Хотя приём разряжения обстановки перед смертью Графини, который постановщик подразумевал, срабатывает.

Значительные изменения претерпел образ Дамы Пик. Если у Пушкина Графиня — это разваливающаяся, доживающая свой век старуха, то у Житинкина — статная, красивая, моложавая женщина. Она явно ощущает свое превосходство над другими, любит кокетничать и острить. Но и старческие причуды (те, что были подчеркнуты Пушкиным в своем произведении) ей тоже не чужды — она может капризничать, издеваться над прислугой и своей воспитанницей Лизой. С виду Графиня прекрасно держится, но внутри ощущает свою старость и приближение смерти. Прекрасно режиссёром поставлена сцена её ухода из жизни — практически по-Пушкину (без модного поцелуя с Германном, хотя тот все же поднимает платье и чуть ласкает её ногу, но это выглядит не так ужасно, как новомодные трактовки данного эпизода) .

Образ главного персонажа решен в максимально близком к Пушкину виде — без введенной Чайковским эмоциональности и романтизации героя. Здесь Германн, как у Александра Сергеевича, максимально сух, рационален, расчетлив, апатичен. И, кажется, с первого же появления на сцене уже не совсем адекватен. Ни о какой любви к Лизе и речи нет — молодой человек мечтает разбогатеть для самого себя и уехать прочь из России. Житинкин укрупняет мотив сумасшествия — после рокового проигрыша Германн произносит большой монолог о деньгах.. В жутком приступе он срывает с себя одежду… Финал выглядит неожиданно, но он убеждает. К полуобнаженному герою, лежащему в беспамятстве на ломберном столе, подходит призрак Графини (она одета в свой предсмертный наряд — белую ночнушку). Женщина надевает ему на голову колпак и сообщает, что его отправят… в Обуховскую больницу, в палату 17. Внезапно она начинает качать героя, напевая ему колыбельную — Житинкин показывает, что старуха простила Германна.

В спектакле достаточно мистики и ужаса— и это тоже радует (вспомним недавние оперные постановки в БТ и МАМТе, в них мистики нет от слова совсем). Страшно от сцены появления мёртвой Графини — когда внезапно раздаются громоподобные звуки органа с завываниями невидимого хора, и одновременно в зеркале появляется тень женщины, мы слышим её голос.

Совсем не последнее место в постановке занимает музыка. Разумеется, куда же без Петра Ильича, несколько номеров из его оперы здесь все же звучат. А лейтмотивом Графини, конечно же, становится её песенка на французском — не только в виде записи, но и в живом исполнении артистки. Кроме Чайковского, звучат композиции Альфреда Шнитке, Густава Малера — она пришлась к месту. Образа Петербурга визуально в спектакле нет, но он присутствует именно в музыке и живо ощущается.

К ляпам отнесем использование «Грез любви» Ференца Листа — Томский играет их в доме бабушки на клавикорде, когда та вспоминает о своей молодости и любви. Слишком сильная ошибка — ведь произведение было написано в 1850-е, а действие пушкинской повести, и спектакля происходит в конце XVIII столетия.

Чувство гордости вызывает уровень актёрской игры — Малый не теряет планку. Великолепная Людмила Титова блестяще играет Графиню — так, как никто сейчас. Ее героиня незабываема в своей эксцентричности — харизме этой женщине не занимать. Актриса филигранно показала двойственный облик Анны Федотовны — не только её кокетство и желание все так же пленять сердца, но и внутреннее одиночество, чувство близости смерти. Эта глубоко трагическая Личность — действительно, как по Пушкину, и притягивает к себе, и отталкивает.

Ошеломляюще ярко показал себя Владимир Алексеев в роли Германна: он играл персонажа всего лишь второй раз, но по нему это не скажешь — настолько он уверен в тексте, в каждом движении своего героя. Отдельный большой плюс за то, что возраст и внешний вид героя соответствуют оригиналу — перед нами красивый, статный, стройный высокий молодой человек с наполеоновским профилем.

Конечно, это невероятная эмоциональная и психологическая нагрузка — играть душевно поверженного человека. Германн Алексеева с самого начала идёт к своей цели, напролом, через все преграды. Но его и без того тонкая психика не выдерживает краха его мечты. Германн жаден, он мечтает чуть ли не править миром благодаря деньгам. Но и постановщик, и актёр показывают, к чему приводят такие жуткие, страшные мечты.

Интересна Лиза в интерпретации Ольги Жевакиной — бедная воспитанница Графини предстаёт наивной, неопытной девушкой, мечтающей о возвышенной любви, и вместе с тем, она боится себя и собственных чувств. Каково же её горе, когда она понимает, что Германн не любил её, а лишь использовал в своих целях. Девушка осознаёт, что стала невольной убийцей Графини. Она просит прощения у трупа, и в экстатическом состоянии начинает читать «Отче наш». Этот эпизод очень трогательно поставлен режиссёром, а Жевакина очень тонко и эмоционально его воплотила.

По бенефисному играет Наталья Хрусталева горничную Машу — едкую, и хитрую, изворотливую и ловкую.

Чертовски хорош Томский в исполнении Алексея Фаддеева — чуть ироничный, обаятельный, хранящий в себе загадку рода бабушки.

И, конечно, незабываем Валерий Бабятинский в роли Чекалинского. Тот случай, когда роль совсем небольшая, но от того, как произнесена и сыграна фраза в конце «И этот сгорел. Все-таки слаб человек» зависит все.

Спектакль, идущий уже 10 лет в репертуаре Малого, посетил и сам его создатель, Андрей Житинкин. Судя по его реакции, режиссер остался доволен тем, как постановка выглядит и играется сегодня.

Филипп Геллер, "БезФальши", 23 ноября 2023 года

https://bezfalshi.ru/?p=7498

В жизни народного артиста России, режиссёра Андрея Житинкина два знаковых события – премьера спектакля «Летят журавли» в Малом театре и новая книга «Приключения режиссёра».

«Приключения…» – не самовлюблённые мемуары, не забавные анекдоты, не скучные размышления интеллектуала о режиссёрской доле. Это кардиограмма живого творческого процесса, который непредсказуем и уникален. Каждая глава – открытие актёра, режиссёра или драматурга, о которых не только заядлые театралы, но и просто зрители, кажется, знают всё… Но это не так! Новая работа Житинкина в Малом театре тому подтверждение. Кто бы мог подумать, что давняя пьеса Виктора Розова «Вечно живые» станет одним из символов нашего времени…

– Ваш спектакль «Летят журавли» по сценарию Розова к одноимённому фильму Михаила Калатозова, завоевавшему в Каннах «Золотую пальмовую ветвь», был приурочен к Дню Победы. Но «датским» этот спектакль назвать невозможно. В нём «дышит почва и судьба». Почему Розов, почему «Летят журавли»?

– Так совпало, что в этом году два юбилея – Виктора Розова (110 лет со дня рождения) и его пьесы «Вечно живые», написанной им в 1943 году в Костроме, где он лежал в госпитале после ранения, размышлял, как ему жить. И написал пьесу. Ей 80 лет, но нынешние события буквально вытолкнули её наверх, и она стала необыкновенно актуальной.

Когда мы с Юрием Мефодьевичем Соломиным обсуждали замысел, сошлись на том, что этот спектакль не должен быть про окопы, а про людей, души которых обожжены войной. Соломин сказал: «Это замечательно!» Я остановился на пьесе «Вечно живые», но специально оставил название «Летят журавли». Оно – знаковое. Ведь это история, покорившая мир. Я был потрясён, что на спектакль пришли иностранцы. Они ведь смотрели без перевода, но знали фильм.

– Не было ли удивления со стороны актёров Малого театра, что они будут играть в пьесе советского драматурга?

– Я специально «перемешал» в спектакле представителей всех поколений. Народные: Людмила Полякова, Александр Клюквин, Владимир Носик, Светлана Аманова, Александр Вершинин, Людмила Титова; заслуженные: Екатерина Базарова, Варвара Андреева; замечательные популярные артисты Андрей Чернышов и Александр Волков и начинающие талантливые молодые. Для Варвары Шаталовой роль Вероники стала первой главной. Спектакль объединил все поколения. В нём нет ни абсурда, ни авангарда. На сцене Малого – стопроцентное психологическое проживание. Но это совершенно не бытовая история, в ней есть метафоры и символы: мощные стихи Арсения Тарковского, песня «Журавли» на стихи Расула Гамзатова в исполнении Марка Бернеса, даже народные частушки. Всё это наша память, наша жизнь…

– Молодому поколению творчество советских драматургов почти неизвестно…

– Когда-то я начинал в Театре Моссовета спектаклем по Леониду Андрееву «Собачий вальс», сделал постановку «Жёлтый ангел» по произведениям Тэффи, Аверченко, Вертинского. А в 1995 году принёс туда забытую пьесу ещё одного отечественного классика Алексея Арбузова «Мой бедный Марат». В дирекции отнеслись к этому достаточно формально: «Ну, придут ветераны на несколько спектаклей. И всё». Я сказал: «Ни за что! Я так не хочу». И мы сделали этот спектакль с Александром Домогаровым, Андреем Ильиным и Ларисой Кузнецовой. Объездили полмира и играли его двадцать лет с неизменным аншлагом.

– Режиссёры часто пишут книги, и у каждого своё обоснование её необходимости. Зачем вы пишете книги?

– Я столкнулся с тем, что мои любимые произведения нашей и мировой литературы не имеют сценических аналогов. И я сам стал делать сценические версии. И как только я почувствовал, что у меня получается найти театральный эквивалент, эти спектакли потом шли годами и собирали полные залы – «Признания авантюриста Феликса Круля» по Манну, «Милый друг» Мопассана, «Анна Каренина» Толстого и другие. И, естественно, когда меня попросили собрать книгу, я подумал, что кроме пьес хорошо было бы передать то, о чём зрители не знают – нерв репетиций. И особенно во взаимоотношениях с великими. Я, конечно, не думал, что у меня будет такой иконостас, но мне посчастливилось работать с гениальными артистами: Юрий Яковлев, Элина Быстрицкая, Иннокентий Смоктуновский, недавно ушедшая Вера Васильева, Михаил Козаков, Борис Клюев, Людмила Гурченко, Маргарита Терехова, Александр Ширвиндт. Перечислить всех потрясающих артистов, с которыми свела судьба, просто невозможно! Это моё режиссёрское счастье. От театра ничего не остаётся, и мне захотелось, чтобы обязательно на страницах читатели могли представить, как мы работали, какими они были или есть в жизни, какие комплексы, какие слабости, какая сила. Это всё я постарался оставить в книге. Принципиально было для меня не лукавить, а оставить честную интонацию, передать ту атмосферу любви, которую я создавал на репетициях, потому что без любви актёр, как хрупкий цветок, начинает вянуть. Актёров надо любить, холить, лелеять. У меня непопулярная точка зрения, может, сказывается моё первое – актёрское – образование, но я никогда не слушал тех, кто говорил мне, что не надо связываться с тем актёром или актрисой, потому что у них ужасный нрав, характер, перепады настроения. Никогда не слушал и, как правило, всегда побеждал.

– Ваши планы, чем будете удивлять?

– На исторической сцене Малого театра начинаю репетиции по прозе Чехова. Меня всегда поражало, что в Москве большое количество «Чаек», «Вишнёвых садов» и так далее… Я взял прозу Чехова, сам сделал сценическую версию из нескольких произведений, одно из которых – знаменитая «Драма на охоте». Спектакль будет называться по цитате из Антона Павловича – «Мой нежный зверь».

Беседовала Жанна Филатова

"Литературная газета", 4 ноября 2023 года

https://lgz.ru/article/glavnoe-atmosfera-lyubvi/

23 ноября в Государственном академическом Малом театре (Большая Ордынка, 69) состоится 100-е представление спектакля «Трамвай «Желание»» Т.Уильямса.

Великий американский драматург – редкий гость на наших подмостках. В 1989 г. режиссёр Томас Манн поставил «Ночь игуаны». В 2016-м актёр Сергей Потапов обратился к пьесе «Трамвай «Желание»». Для своего режиссёрского дебюта Потапов выбрал одно из самых известных произведений Уильямса, где возвышенные идеалы и поклонение красоте противопоставлены грубой жестокой действительности.

«Трамвай «Желание»» принадлежит к спектаклям, которые никого не оставляют равнодушным: он находит отклик и у рядовых зрителей, и у профессионального сообщества. Постановку отличает глубокое проникновение в характеры героев. Костюмы и декорации художника Виктории Беспаловой продуманы до мелочей. Отдельного упоминания заслуживает музыкальное оформление, создающее на сцене атмосферу Америки конца 40-х.

От всей души поздравляем коллектив спектакля, в особенности режиссёра-постановщика и бессменного исполнителя роли Стэнли Сергея Потапова, а также актёров, который выйдут на сцену в 100-й раз – Елену Харитонову (Бланш) и Михаила Фоменко (Митч) с замечательным юбилеем! Желаем «Трамваю «Желание»» дальнейших творческих успехов!

В Малом театре впервые обратились к «Капитанской дочке» Александра Пушкина. Это первая режиссерская работа актера труппы Станислава Сошникова. Спектакль создан для аудитории любого возраста — от него точно будут в восторге все. Даже школьники, которые воротят нос от литературы, смотрели постановку с упоением, — свидетельствует Филипп Геллер.

При переносе на сцену произведений, не предназначенных для этого, всегда есть риск, что спектакль развалится на разные эпизоды. Однако в «Капитанской дочке» Сошникову этого счастливо удалось избежать: швов не чувствуется ни разу, повествование развивается максимально логично и ровно. Но не обошлось без купюр — первая глава, в которой рассказывается про детство Петруши Гринева и его судьбу, выкинута. Однако постановка от этого ничего не потеряла — скорее, наоборот, обрела больший динамизм.

Спектакль поставлен деликатно и умно, как принято в Малом, в классическом виде. Зрители могут получить нескрываемое наслаждение от подлинного Пушкина и полностью погрузиться в действие исторического романа.

Некоторое удивление и оторопь поначалу вызывает аскетичное оформление (художник — Мария Утробина). Визуальная доминанта постановки — лестничная конструкция, по ней герои активно перемещаются, на ней же произойдет казнь Пугачева. Активно в этой версии используются система занавесов: так, сказка про орла и ворона объясняется Волковым и Гриневым в пространстве, отгороженным со всех сторон огромными портьерами. Буран (сцена вьюги, когда Петруша дарит Пугачеву тулуп) показан также колышущимися полотнищами (и тут это просчет — выглядит по-детсадовски). Важную роль играет свет — в сценах захвата Пугачевым крепости пространство зияет пугающим и тревожным красным, например. А эпизод встречи Маши с Императрицей решен камерно и без реалистического пейзажа на фоне — именно благодаря свету на белом занавесе как будто бы возникают тени огромных деревьев в саду.

Как всегда в Малом, радуют хорошие актерские работы. Роль Гринева исполняет выпускник прошлого года Щепки, Максим Путинцев. Это его первая большая партия — и сыграна она на сто процентов. Артист четко и вдумчиво показал взросление героя, его беззаветную преданность своим принципам, верность Родине и чистую любовь к Маше.

Сильно уступает актеру его коллега, исполнительница как раз-таки роли Маши Алина Колесникова. Девушка очень красива, но обладает слишком современной внешностью, и на дворянку, пусть и бедную, не тянет. Образ оказался бледноватым — особенно не хватило показа смелости девушки в сцене с Екатериной, когда Маша заступается за любимого.

Зато в спектакле есть умопомрачительно харизматичный, темпераментный Пугачев — Александр Волков. Он раскрывает своего персонажа максимально глубоко, показывая его душевное благородство и уважение к Гриневу. Обаятелен Савельич — Алексей Коновалов. Он, конечно, визуально слишком молод для этой роли, но интерпретация актера убеждает. Одна из сильнейших работ — у Алены Колесниковой, играющей Василису Егоровну. Прежде не замеченная в остро характерных ролях, актриса доказала, что ей подвластно все. Ведь в этой партии есть и комедия, и трагедия. До мурашек и учащенного сердцебиения пронзила сцена на площади, когда она узнает о смерти мужа, Ивана Кузьмича…

Его, в свою очередь, выпукло и ярко показал Александр Титоренко. Выразителен Максим Хрусталев — мерзкий, подлый, ничтожный Швабрин. Правда, актер, конечно, слишком красив для этого героя (вспомним, как описывал его Пушкин).

Трогательный образ старого вояки, честного и порядочного офицера создает Александр Никифоров — Иван Игнатьич. Бесподобна и царственна Светлана Аманова — Екатерина Вторая, это настоящее попадание в яблочко. Кстати, в этой постановке она говорит с явным немецким акцентом. Запоминаются работы Сергея Видинеева (Генерал), Андрея Манке (Белобородов), Максима Зубарева (Максимыч).

Финал постановки несколько выбивается из общей концепции и не совсем соответствует нравам того времени — главные герои, стоя на вершине конструкции, слишком страстно целуются…

12 ноября после утреннего показа, на Малой сцене в рамках проекта «Диалог времен» прошла встреча зрителей с некоторыми артистами и режиссером Станиславом Сошниковым. Это просветительская программа театра, в которой учащиеся школ и студенты могут задать участникам спектакля интересующие их вопросы.

На этой встрече основным действующим лицом стал именно Сошников — он рассказывал о работе над спектаклем и своем видении легендарного произведения Александра Сергеевича. В частности, режиссер отметил, что стремился сконцентрироваться именно на любовной линии романа. «Лейтмотив нашей истории — о том, как Маша и Гринёв пытаются соединиться, но им все время что-то мешает это сделать. И мы всю постановку идём к этому, к их воссоединению».

Маленькие и не очень зрители максимально подробно расспрашивали участников интерпретации. Артисты и молодое поколение проводили параллели между поступками героев «Капитанской дочки» с современностью и поднимали вопросы, связанные с актуальностью произведения. В заключении встречи актер Алексей Коновалов настоятельно пожелал детям активно читать книги и образовываться. Он же вместе с Станиславом Сошниковым посоветовал конкретных авторов, их любимых писателей — Константина Паустовского и Вальтера Скотта.

Филипп Геллер, "БезФальши", 17 ноября 2023 года

https://bezfalshi.ru/?p=7468

Дорогие друзья!

15 ноября 2023 года мы завершили прием заявок на участие в лаборатории молодых режиссеров «Постигая Чехова». На сей раз свои предложения прислали 53 соискателя из 15 городов: Белгорода, Долгопрудного, Домодедова, Дубны, Кемерова, Красногорска, Минска, Москвы, Новосибирска, Новоуральска, Пушкино, Санкт-Петербурга, Саранска, Петропавловск-Камчатского, Ханты-Мансийска.

Абсолютным лидером симпатий соискателей стала пьеса «Чайка»: эскизы по ней планируют делать 11 режиссеров. На втором месте – «Дядя Ваня»: его выбрали 6 кандидатов. На третьем – рассказ «Душечка»: его планируют инсценировать 4 постановщика. По две заявки поступило на эскизы по пьесам «Иванов», «Три сестры», «Вишневый сад». Единственная – на пьесу «Леший».

Кроме того, к рассмотрению предложены экспликации на основе инсценировок рассказов «Актерская гибель», «Бабье царство», «Ведьма», «Влюбленный карась», «Горе», «Дама с собачкой», «Драма на охоте», «Дом с мезонином», «Душечка», «Жены артистов», «Загадочная натура», «Злоумышленник», «И то, и се», «Каштанка», «Месть», «Первый любовник», «Попрыгунья», «После бенефиса», «Рыбья Любовь», «Скрипка Ротшильда», «Средство от запоя», «Трагик поневоле», «Три года», «Черный монах».

Все поступившие заявки будут тщательно рассмотрены художественным руководством Малого театра до 12 декабря 2023 года, после чего мы с радостью опубликуем имена финалистов.

В театре «Балтийский дом» пройдет III театральный фестиваль «Вперед, к Островскому!»

С 18 по 27 ноября в программе — постановки по произведениям Александра Николаевича Островского от театров Петербурга, Томска, Южно-Сахалинска, Воронежа, Вологды, Ярославля, а откроет фестиваль спектакль «Женитьба Бальзаминова» Государственного академического Малого театра, который еще называют Домом Островского. Об этой работе и о секретах непреходящего обаяния сочинений великого драматурга размышляет Алексей ДУБРОВСКИЙ, актер, режиссер, заместитель художественного руководителя Малого театра.

— Алексей Владимирович, почему вы выбрали для постановки именно историю о Бальзаминове?

— Это одна из вершин творчества Александра Николаевича. По жанру — комедия, которая при этом вплетает в себя самые разные компоненты. Например, одну из сцен вполне можно отнес­ти к театру абсурда: Бальзаминов со своей мамой мечтает о том, как они обретут большую сумму денег и поедут в экипаже в сад Эрмитаж. Потихоньку на наших глазах они начинают верить в эти вымышленные предлагаемые обстоятельства. И когда Бальзаминов теряет несуществующие деньги, на полном серьезе эти несущест­вующие деньги ищут. Абсолютно абсурдист­ская сцена, гениально написанная Островским.

— В анонсе сказано, что вы ставили этот спектакль о людях, живущих иллюзиями…

— Да, большинство действующих лиц существуют в иллюзорных, даже фантастических, предлагаемых обстоятельствах. Например, главный герой высчитывает, что если он женится и получит приданое, то этих денег ему хватит на триста лет. А когда его мать выражает некоторое сомнение в такой долготе жизни своего сына, Бальзаминов, не задумываясь, пересчитывает и говорит: нет, если тратить побольше, то получится всего 150 лет. И он в этот момент не шутит. Он все время фантазирует и полностью погружается в свои фантазии, которые у нас в спектак­ле буквально реализуются теат­ральными средствами.

Бальзаминов, по сути, живет в совершенно другом, воображаемом, мире. И если подробно прочитать пьесу, оказывается, что так же существуют практически все персонажи. Единственный герой, купец Неуеденов, который говорит абсолютно правильные вещи и смотрит в лицо реальности, кажется нам самым несимпатичным. Таков парадокс этой пьесы.

— Насколько этот парадокс актуален?

— Так устроен человек, что он все время живет завтрашним днем. Я думаю, это часть нашей жизни — существование в иллюзиях. Просто иллюзии у всех разные. Проблема в том, что счастлив тот, кто живет днем сегодняшним. Однако таких людей мало, большинство предпочитают витать в фантазиях. Это свойство человека, но у Александра Николаевича оно гипертрофируется, и поэтому мы начинаем к нему более внимательно приглядываться.

— Малый театр называют хранителем традиций Островского…

— Это так и есть. Традиций, которые заложил Островский не только как драматург, но и как реформатор театра. Традиций русского психологического театра, основным выразительным средством которого является актер. И мы этим гордимся. При этом никто не говорит о том, что мы должны играть, как 150 лет назад, когда Островский был жив и находился в зените славы. Замечательно сказал Густав Малер: «Традиция — это не поклонение пеплу, а передача огня». Естественно, меняется время, а с ним меняется и камертон правды. Но, на то Александр Николаевич и великий, гениальный автор, что каждое поколение находит в нем свое созвучие. Однако современность спектакля, на мой взгляд, заключается не в том, чтобы все в нем внешне выглядело современным. Если вы оденете героя Островского в костюм от Версаче и посадите в «Мерседес», спектакль от этого современным не станет. А вот если найдете современное звучание мысли автора, ее созвучность сегодняшнему дню, вот тогда вы будете современным. Если зритель в зале подумает: «Это же про меня, про моего отца или брата!..».

— О каких конкретно традициях идет речь?

— Самая главная традиция — бережное отношение к автору. Это не значит, что не должно быть никакой трактовки, интерпретации. Но для меня существует четкий «водораздел». Или ты исследуешь автора, пытаешься разобраться, что же он написал. Или используешь автора для реализации своих абсолютно сторонних фантазий. Или тянешься к высочайшему уровню Островского, или притягиваешь его на свой уровень. Второе мне кажется в корне неверным. Я категорический сторонник первого варианта. Это мы и стараемся сохранять.

— Почему пьесы Островского до сих пор волнуют и зрителей, и режиссеров?

— Как любой гениальный драматург, он затрагивает общечеловеческие ценности. Несмотря на то что среди его героев — купцы с бородами, подьячие и помещики, которых уже нет, — каждый может перевести их переживания на себя, под каждое время эти переживания трансформируются. У нас есть спектакли-долгожители, они идут по 25 – 30 лет. И я вижу, как меняется реакция людей. В конце 1990‑х зрители реагировали в одних мес­тах, в начале 2000‑х — в других, сейчас — в третьих. А спектакль один и тот же.

— Много говорят о языке Островского. О том, что речь его героев музыкальна, красива, но полна архаизмов.

— Если вы будете играть хорошо, все будет понятно. Архаизмы — это самое вкусное. Его речь — произведение искусства. У Островского она имеет свою мелодику, музыку. Если вы поменяете одно слово на другое, более понятное, эта мелодика исчезнет. Вот сваха говорит Бальзаминову: «Ты подари мне… платок пукетовый, французский… Так смотри же, французский. А то ты подаришь, пожалуй, платок‑то по нетовой земле пус­тыми цветами». Давайте заменим на сегодняшний лад: «Ты мне подари платок с цветами французский, а то ничего не подаришь». Что лучше? Что является произведением искусства? Конечно, текст Островского. Но это надо поставить и сказать так, чтобы зрители поняли. И есть актерские способы сделать понятными эти слова.

— Существуют ли еще какие‑то театры, кроме вашего, которые столь же трепетно относятся к Островскому?

— Сложный вопрос. Боюсь, не смогу на него ответить. К сожалению, их не так много. И в основном они все в провинции, где много достойных театров с сильными труппами.

— Есть ли сегодня драматурги, которых можно сравнить с Александром Николаевичем?

— Опять боюсь вас разочаровать. Я таких не знаю.

— Может быть, они есть, но пока неизвестны нам?

— Островский при жизни был возведен в ранг первого драматурга, ему при жизни пели дифирамбы абсолютно разные люди. Все знали при жизни Гоголя, Чехова, Горького, Володина, Розова… Их имена были на слуху. Сейчас такого нет. Но я думаю, что должна появиться какая‑то новая драматургия. Просто надо подождать. Мы все об этом узнаем, это не останется в тайне.

— Год 200‑летия со дня рождения Островского наполнен самыми разными событиями…

— Замечательно, что этот юбилейный год привлек внимание к нашему гениальному драматургу. И я надеюсь, что это будет способствовать еще большему интересу к его творчеству. Мне кажется, здорово, что многие молодые творческие люди стали интересоваться Островским. Например, у нас в театре мы провели лабораторию для молодых режиссеров, посвященную творчеству Александра Николаевича. Были показаны интересные работы, две из которых будут продолжены.

— Лично вы открыли для себя что‑то новое за этот год?

— Я делал со студентами «Грозу». Поначалу им было скучновато, но потом они стали погружаться, разбирать, понимать… Они сделали Островского современным, потому что поняли, что ничего не изменилось с тех времен. Произошло соединение молодых ребят с гениальной драматургией. Для меня было открытием то, как Островский становится современным, завоевывает молодых, производит с ними метаморфозы. От изначально холодного отношения до полностью горячего. И дело не в коллизии. Коллизия — поверхность. А вот что под этой верхушкой айсберга? Там‑то и скрыты все точки отсчета, катализаторы для фантазии.

Екатерина Гиндина, «Санкт-Петербургские ведомости» № 217 (7546) от 17.11.2023

https://spbvedomosti.ru/news/culture/v-teatre-balt...

19 ноября в спектакле "Золушка" Е.Шварца роль 1-го стражника первый раз сыграет артист Михаил Зубарев. Желаем успеха!

Дорогие зрители!

С 16 ноября дня в фойе второго этажа Сцены на Ордынке можно посмотреть новую выставку, подготовленную к премьере спектакля «Капитанская дочка».

Мы назвали ее «Рождение спектакля: от первой читки до премьеры». Название говорит само за себя: в кадре все действующие лица постановки, в том числе те, кто создают спектакль за кулисами.

Автор фотографий - Жанна Фашаян.

Ждём всех зрителей спектаклей на Ордынке до начала спектакля и в антракте.

[GALLERY:715]

ЩЕПКИН Михаил Семенович (6(17).XI.1788, с. Красное Обоянского уезда Курской губернии, — 11(23).VIII. 1863, Ялта) — русский актер. Основоположник реализма в русском сценическом искусстве. Великий реформатор русской сцены. Родисля в семье крепостного, управляющего имениями графа Г. С. Волькенштейна. В детстве бывал на спектаклях крепостного театра. 15 февраля 1800 впервые выступил в любительском спектакле, поставленном учениками Судженского уездного училища (в котором Щепкин обучался), в роли крепостного слуги Розмарина в комедии «Вздорщица» Сумарокова. В летние месяцы неоднократно играл в театре Волькенштейна. В 1801 Щепкин переходит в Курское губернское училище. В Курске он посещает театр братьев М.Е., П. Е. и А.Е. Барсовых. В 1805, заменяя одного из актеров, Щепкин с успехом исполнил в этом театре роль Андрея Почтаря в пьесе «Зоа» Мерсье. С этого времени он становится профессиональным актером театра Барсовых. В 1816 перешел в харьковскую труппу И. Ф. Штейна и О. И. Калиновского. В 1818 с группой ведущих актеров этого театра Щепкин основывает «вольный театр» в Полтаве, который возглавляет И. П. Котляревский. После закрытия Полтавского театра (1822) Щепкин вновь вернулся к Штейну, державшему антрепризу в Туле. В том же году вместе со своей семьей Щепкин получил вольную (борьба за освобождение Щепкина от крепостной зависимости велась с 1818; в ней принимали активное участие будущий декабрист С. Г. Волконский, П. П. Котляревский, партнеры Щепкина, многочисленные зрители, внесшие свои пожертвования). На провинциальной сцене Щепкин исполнил большое количество ролей самых разнообразных жанров, включая партии в операх и балетах. Его исполнение отличалось искрометным темпераментом, юмором. Уже в этот период, много размышляя над проблемами искусства, наблюдая игру талантливого актера-любителя кн. П. В. Мещерского, актеров театра Штейна — И.Ф. Угарова, Павлова, крепостной актрисы орловского театра Кузьминой (ее трагическая судьба со слов Щепкина описана А. И. Герценом в рассказе «Сорока-воровка»), Щепкин приходит к выводу, что «искусство настолько высоко, насколько близко к природе». Он начинает сознательно утверждать в сценическом искусстве реализм. Лучшие роли Щепкина в провинциальный период: Чупрун и Макагоненко («Москаль-чаровник» и «Наталка Полтавка» Котляревского, обе в 1819), Подслухин («Подложный клад» Ильина), трактирщик Панкрат (комическая опера «Мнимый невидимка» Кавоса), Богатонов («Господин Богатонов, или Провинциал в столице» Загоскина)

[GALLERY:432]

20 сентября 1822 Щепкин дебютировал в Москве в роли Богатонова и 6 марта 1823 был зачислен в труппу Московского театра (с 1824 — Малый театр). В Москве реализм Щепкина приобрел характер законченной системы. Формированию взглядов Щепкина способствовали его тесные идейные и дружеские связи с передовыми обществ, и художественными деятелями России (А. С. Пушкин, Н. В. Гоголь, С. Т. Аксаков, В. Г. Белинский, А. И. Герцен, И. С. Тургенев, Н. А. Некрасов, Т. Н. Грановский, Т. Г. Шевченко и др.). Щепкин был не только участником первых постановок пьес Грибоедова, Гоголя, Пушкина, Тургенева, Сухово-Кобылина, но и активно способствовал написанию многих из этих пьес, горячо их пропагандировал, добивался снятия цензурных запретов. Сценическая деятельность Щепкина отвечала новым эстетическим требованиям, выдвигавшимся революционной демократией. Высокая сознательность и идейная целеустремленность художественного творчества, отличавшие критический реализм Щепкина, определили его значение как реформатора актерского искусства. Свои лучшие сценические образы Щепкин создал в произведениях русских сатирико-обличительной драматургии. Играя Фамусова (1830), Щепкин изображал представителя чиновной бюрократии, показывал конкретные типические черты этого персонажа; чванство и барская заносчивость крепостника сочетались в его Фамусове с раболепством и угодничеством по отношению к придворной знати. Такой же глубокой жизненной достоверностью и обличительной силой отличался образ Городничего (1836). Исполняя эту роль, Щепкин достигал широкого сатирического обобщения, поднимался до обличения николаевского режима. Сатирические типы дворян были созданы Щепкиным в пьесах Гоголя — «Женитьба» (Подколесин и Кочкарев, 1843), «Игроки» (Утешительный, 1843), «Тяжба» (Бурдюков, 1844).

Другая сторона творчества Щепкина связана с созданием им образов в украинской драматургии; в Петербурге (на гастролях) и Москве он сыграл роли выборного Макагоненко и крестьянина Чупруна («Наталка Полтавка», 1837, «Москаль-чаровник», 1840, Котляревского), передав национальное своеобразие этих персонажей. Играл роли людей из народа: с глубоким драматизмом раскрывал в водевиле «Матрос» Соважа и Делурье трагическую судьбу старого человека, жертвующего личным счастьем ради благополучия близких ему людей. Подчеркивая значение этой работы Щепкина, проникнутой демократическим гуманизмом, Белинский писал: «Торжество его искусства состоит не в том только, что он в одно и то же время умеет возбуждать и смех и слезы, но и в том, что он умеет заинтересовать зрителей судьбою простого человека и заставить их рыдать и трепетать от страданий какого-нибудь матроса...» («Александрийский театр», см. Полн. собр. соч., т. 8, 1955, с. 533). Другой замечательный образ простого человека был создан Щепкиным в пьесе «Жакар, или Жакардов станок» Фурнье (1858), герой которой ремесленник-изобретатель отдает все свои сбережения, труд и талант облегчению тяжелой участи рабочих-ткачей. Гимном труду, патетически и проникновенно звучали у Щепкина слова куплетов, воспевающих подвиг тружеников (когда пьеса сошла с репертуара, Щепкин продолжал исполнять эти куплеты в концертах). В конце жизни его репертуар был пополнен ролями в пьесах И. С. Тургенева, А. Н. Островского, А. В. Сухово-Кобылина. Развивая тему «униженных и оскорбленных», Щепкин с исключительной психологической глубиной показал душевный мир маленького чиновника Мошкина («Холостяк» Тургенева, 1850) и обездоленного старика Кузовкина («Нахлебник» Тургенева, 1862). Та же тема отчетливо раскрывалась в одной из лучших актерских работ Щепкина последнего периода — в роли Муромского («Свадьба Кречинского», 1855). Во всех этих ролях Щепкин показывал не только приниженность своих героев, но и их чувство собственного достоинства. Щепкин во многом был чужд бытовой колорит пьес Островского. Тем не менее он исполнил роли Коршунова и Любима Торцова (1854 и 1855, «Бедность не порок»), Большова («Свои люди — сочтемся», 1861). В образах, созданных им в произведениям Мольера, Шекспира, Пушкина, Щепкина обличал страсть к стяжательству: Гарпагон (1827), Шейлок (1835); Барон («Скупой рыцарь» Пушкина, 1853). При исполнении ролей в пьесах Шекспира, Пушкина ярко проявилось дарование Щепкина как трагедийного актера. Работая на казенной сцене, Щепкин был вынужден играть роли в пустых и бессодержательных пьесах, однако и в этих ролях он стремился утверждать правду жизни.

Законченную систему взглядов на актерское искусство Щепкин выразил в многочисленных высказываниях, письмах, воспоминаниях, в беседах с учениками. Он указывал на необходимость подчинения всего творческого процесса «общей идее», требовал от актера пристального внимания к окружающей действительности. Он говорил, что актер должен не копировать жизнь, а вникать «в душу роли», влезать, «...так сказать, в кожу действующего лица...» (Щепкин М. С., Записки. Письма. Современники о М.С., 1952, с. 250, см. также с. 243-45, 251), т. е. добиваться перевоплощения в сценический образ. В то же время Щепкин настаивал на всестороннем осмыслении исполнителем творческих задач, возникающих в процессе работы над ролью, на тщательной отделке всех ее деталей. Только тогда, по мнению Щепкина, на сцене появится человек живой «не только одним телом», но и «головою и сердцем». Защищая искусство переживания, Щепкин вместе с тем требовал от актера упорного и постоянного труда. Деятельность Щепкина утвердила критический реализм как ведущий творческий метод в русском театре. Герцен писал, что Щепкин «...создал правду на русской сцене, он первый стал нетеатрален на театре...» («М. С. Щепкин», см. Собр. соч., т. 17, 1959, с. 268).

Художеств, принципы Щепкина нашли претворение в творчестве его учеников, выдающихся русских актеров — И. В. Самарина, С. В. Шумского, Г. Н. Федотовой и др. Традиции сценического реализма, заложенные Щепкиным, имели большое значение для развития искусства Малого театра, за которым упрочилось наименование «Дома Щепкина». Сценические заветы Щепкина и проповедуемые им этические принципы послужили основой реалистической системы актерского творчества, созданной К.С.Станиславским. Щепкин часто выступал в Петербурге (Александрийский театр), много гастролировал в провинции. Эти гастроли носили характер пропаганды лучших произведений русской драматургии, реалистического актерского искусства. Среди последователей Щепкина — крупнейшие актеры петербургской сцены и провинции: А. Е. Мартынов, П. В. Васильев, К. Т. Соленик, Л. И. Млотковская, Е. Б. Пиунова-Шмитгоф и др. Богатейшие жизненные наблюдения Щепкина нашли отражение в русской литературе. Его устные рассказы были использованы Н. В. Гоголем, А. И. Герценом, А. В. Сухово-Кобылиным, Н. А. Некрасовым и др. Щепкин оставил воспоминания, начатые им по настоянию Пушкина (заглавие и первая фраза этих воспоминаний написаны рукой великого русского поэта).

ЗАПИСКИ МИХАИЛА СЕМЕНОВИЧА ЩЕПКИНА

– Как при работе с классикой соблюсти бережное отношение к литературному тексту и авторскому замыслу и в то же время прозвучать современно? Или на самом деле одно другому не противоречит, и гениальность Островского сама по себе уже является залогом успеха?

– Гениальность Островского несомненна. А вот с успехом и современным звучанием бывает по-разному. На то и существует профессия режиссера, чтобы мы увидели какое-то прочтение, трактовку. Но для меня есть одно принципиальное правило – отталкиваться в своей фантазии от автора. Конечно, я должен придумывать, вкладывать в спектакль свои мысли, но я изначально исхожу из того, что написал автор, пытаюсь разобраться в этом, исследую, анализирую.

Бывает, что режиссер идет по другому пути, но лично для меня он неприемлем – это когда автора используют для реализации своих собственных фантазий и мыслей, с ним не связанных. Островский гениален, как и все наши классики. У великих авторов есть на разное время своя актуальность, и в каждое время их произведения раскрываются определенными гранями. Я не перестаю этому удивляться. Вдруг неожиданно такие фразы «выстреливают», о которых ты даже и не задумывался. Это я встречал и при работе с Пушкиным, с Гоголем, и сейчас с Островским. Некоторым вещам просто потрясаешься, насколько это сейчас звучит своевременно, абсолютно созвучно сегодняшнему дню. Это бездонные неисчерпаемые колодцы! До меня было огромное количество режиссеров, которые искали и находили что-то свое. И я уверен, что и после нас, несколько столетий спустя, люди будут находить в этих произведениях новое, и в то же время понятное им.

Внутри этой литературы скрыто очень много смыслов. Каждый может взять то, что ему ближе, и попытаться раскрыть. Но, конечно, все это надо прежде всего найти в произведении. Не произведение подтянуть под свои желания и нужды, а именно увидеть то, что заложено в источнике. Ведь это высокая классика в прямом смысле слова, это вершины отечественной и мировой драматургии – Гоголь, Островский, Грибоедов, Чехов и другие авторы такого же порядка. Поэтому надо не их «опускать» на свой уровень, а пытаться тянуться к их уровню.

– Отдельно хочется спросить про сценографию и костюмы спектакля – все ярмарочное, цветное, лубочное, и создает очень легкое, под стать самой комедии, настроение. Такое решение пришло сразу или были определенные поиски?

– Решение пришло в результате нашего сотворчества с художником (Мария Утробина – прим. ред.), но, конечно, мы занимались подготовительной работой до того, как начнется репетиция непосредственно с артистами. Поэтому к началу репетиционного периода артисты уже работали, видя в макете и на эскизах то, в чем они будут играть, и в каком пространстве.

Это решение связано с игровым началом, которое есть в спектакле и которое, как мне кажется, заложено в пьесах. «Женитьба Бальзаминова» Островского – это трилогия, но у нас в спектакле дилогия: мы использовали две пьесы для создания этого спектакля («Праздничный сон – до обеда» и «За чем пойдёшь, то и найдёшь» – прим. ред.). Это непростое произведение, в котором люди существуют буквально в иллюзорных предлагаемых обстоятельствах. Есть сцены, по которым Александра Николаевича можно назвать предвестником драматургии абсурда. Например, сцена, где мама и сын Миша Бальзаминов начинают представлять, как они едут с большими деньгами в карете, потом полностью погружаются в эти предлагаемые обстоятельства и начинают искать из них выход, как будто это не иллюзия, а реальность. Поэтому, создавая сценографию, мы не могли не обратить внимание на это игровое начало. У нас есть условные деревянные животные, с которыми существует взаимодействие во время спектакля, есть фантазии и мечты, которые буквально воплощаются на сцене. Это игровая история, при которой абсолютно бытовое оформление вносило бы некоторый диссонанс. Наша сценография создана с учетом эстетики Малого театра и традиций Островского, но с преломлением в сторону игрового театра.

– В спектакле «Женитьба Бальзаминова» на одной сцене с народными артистами играют и молодые. Это прекрасный пример творческой преемственности. Что Вы скажете об этой молодежи, которых уже тоже можно смело назвать ведущими актерами Малого театра?

– Пьеса с моей точки зрения совсем непростая, это пьеса с секретами, весьма удивительными предлагаемыми обстоятельствами, с нелинейной логикой персонажей, большинство из которых живут в своей выдуманной реальности. И, конечно, решать такие задачи нужно серьезными силами. Поэтому я и привлек к работе наших замечательных народных артистов, таких, как И. В. Муравьева, Л. П. Полякова, В. Б. Носик, С. Г. Аманова, Л. В. Титова, В. А. Низовой, и нашу молодежь, которая ориентировалась на этих ведущих артистов. Такой симбиоз опыта и молодости, полезное взаимодействие как раз и может позволить нам надеяться на осуществление желаемых задач.

Я уверен, что как молодые артисты учились у наших народных, так и народные что-нибудь обязательно перенимали у молодых, потому они и народные, настоящие, крупные русские артисты, которые никогда не чувствуют над головой потолка и двигаются вперед в своем развитии. Еще в спектакле присутствуют студенты Высшего театрального училища (института) имени М. С. Щепкина. Это тоже такая дополнительная составляющая абсолютно юная энергия, около десяти человек студентов, которые внесли свою лепту.

PROТЕАТР.BD, ноябрь 2023 года

17 и 28 декабря в Малом театре представят спектакль «Дон Жуан» по одноименной пьесе Мольера, которую называют самой философской у драматурга.

Заглавного героя режиссер-постановщик Владимир Драгунов видит как свободного человека, которому для всего нужны доказательства. И вне зависимости от своего желания персонаж становится изгоем в обществе, где лицемерие становится религией.

«Этому герою недостаточно просто существовать, ему нужна сильная вера как стимул к жизни. А если ее нет, Дон Жуана одолевает бескрайняя уничтожающая его пустота. В своем поиске он идет жутковатым путем – доказывает веру отрицанием веры, доказывает существование Бога, провоцируя его своим поведением. То же и в отношениях с женщинами – он больше играет любовь, нежели любит. И только тогда задумывается о существовании настоящей любви, когда Эльвира приходит к нему, чтобы предупредить его и спасти», – говорит Владимир Драгунов.

Главную роль режиссер предложил заслуженному артисту России Андрею Чубченко, а роль слуги Сганареля – Михаилу Фоменко.

Соавторами Владимира Драгунова станут художник-постановщик Мария Рыбасова и художник по костюмам Любовь Скорнецкая.

Анастасия Евтефеева, Театрал-онлайн, 16 ноября 2023 года

https://teatral-online.ru/news/34420/

18 ноября в Малом театре (Большая Ордынка, 69) состоится 200-е представление спектакля «Золушка» по Е.Б.Шварцу.

«Сказка с таинственными чудесами и превращениями для хороших детей и их родителей» была поставлена в 2014 году, и с тех пор спектакль Малого театра пользуется заслуженной любовью зрителей всех возрастов. Многие помнят советский фильм с участием Янины Жеймо, однако Виталий Иванов, написавший инсценировку по киносценарию Шварца, добился того, что наша постановка – совершенно самостоятельное произведение. «Любители классики могут смело покупать билеты в Малый. Здесь сказка о Золушке и принце, конечно же, превратилась в один из самых красивых спектаклей Москвы» («Театральная афиша», октябрь 2014 г.). И это действительно так, ведь над постановкой работал замечательный художник Валерий Левенталь. Атмосферу волшебства дополняют музыка Максима Дунаевского и прекрасный актёрский ансамбль.

От всей души поздравляем режиссёра-постановщика Виталия Иванова и весь коллектив спектакля «Золушка» с чудесным юбилеем! Желаем дальнейших творческих успехов!

18 ноября спектакль «Женитьба Бальзаминова» А.Н.Островского Малый театр сыграет на сцене «Балтийского дома» в Санкт-Петербурге в рамках III Всероссийского театрального фестиваля «Вперед к Островскому!»

Спектакль вошел в программу посещения участников IX Санкт-Петербургского международного культурного форума - Форума объединенных культур, который будет проходить с 16 по 18 ноября.

20 ноября на Основной сцене Государственного академического Малого театра России состоится концерт Белорусско-российского молодежного симфонического оркестра под руководством Народного артиста СССР, Героя Труда Российской Федерации Маэстро Юрия Башмета.

В составе оркестра – лучшие молодые музыканты из России и Белоруссии, которые прошли конкурсное прослушивание и стали участниками этого уникального коллектива.

Основной идеей создания Оркестра является развитие культуры, академического искусства, музыкального образования, выявление и профессиональное развитие молодых музыкантов, создание условий для сохранения и развития культурной самобытности народов Российской Федерацией и Республики Беларусь в рамках Союзного государства.

В программе предстоящего концерта в Москве произведения П.И. Чайковского и Р. Штрауса. В качестве солистов на концерте выступят молодые музыканты, лауреаты международных конкурсов из России и Белоруссии. За дирижерским пультом оркестра – Маэстро Юрий Башмет.

Концерты Белорусско-российского молодежного симфонического оркестра в Москве и Минске пройдут при поддержке Постоянного комитета Союзного государства, Министерства Культуры Российской Федерации и Министерства Культуры Республики Беларусь.

Программа концерта:

П.И. Чайковский Увертюра – фантазия «Ромео и Джульетта»

Р. Штраус Концерт для валторны с оркестром (1 часть)
Солист: Дмитрий Корнеенко (Беларусь, валторна)

П.И. Чайковский Ария Ленского из оперы «Евгений Онегин» (переложение для гобоя)
Солист: Федор Освер (Россия, гобой)

П.И. Чайковский Концерт для скрипки с оркестром (2 часть)
Солист: Станислав Павлов (Беларусь, скрипка)

Лукьянов Фантазия на темы оперы Кармен для ударных инструментов
Солисты: Дарья Барашкина и Анна Смирнова (Россия, ударные инструменты)

П.И. Чайковский Симфония №5
Белорусско-российский молодежный симфонический оркестр
Художественный руководитель и главный дирижер
Юрий Башмет

Среди литературоведов до сих пор идут споры, к какому жанру отнести повесть Пушкина, именно так поэт называл сам «Капитанскую дочку», а специалисты стоят на том, что это «первый исторический роман в русской литературе», западные же ценители говорят, что это «роман о любви».

Над повестью, рассказывающей о событиях Пугачевского восстания 1773-1775 годов, когда беглый казак с Дона Емельян Пугачев объявил себя императором Петром III, Пушкин трудился с 1833 по 1836 год. Планировал написать документальное произведение о Пугачевщине, изучал документы, семейные архивы, ездил в Приуралье и Поволжье. В итоге в 1834‑м написал «Историю Пугачева», а в 1836‑м в журнале «Современник» вышла «Капитанская дочка», охватывающая необъятный спектр проблем. Проблемы власти и общества, социального неравенства, насилия над личностью, войны и мира, патриотизма, но главное – чести, совести, долга, любви, взаимоотношений родителей и детей, которые актуальны были всегда. По форме повесть называют мемуарами и семейной хроникой, романом-биографией, романом воспитания и даже романом-притчей. В точку попадают те, кто опознавательными знаками повести считают цитаты – эпиграф «Береги честь смолоду» и «Не приведи Бог видеть русский бунт – бессмысленный и беспощадный» – оценку Пушкиным Пугачевского восстания. История пылкой любви Петра Гринева и Маши Мироновой разворачивается на фоне боев крестьян за свободу.

Мне доводилось проезжать по местам тех событий на Оренбуржье, возили фестиваль «Восток/Запад» и на место съемок «Русского бунта» Александром Прошкиным, где декорации остались в роли музея под открытым небом. Надо сказать, эти холмы и овраги, по которым проезжал когда-то Пушкин, а потом Петруша Гринев, производили огромное впечатление.

Для режиссера-дебютанта Станислава Сошникова, поставившего спектакль по своей инсценировке на сцене Ордынки, это, конечно, был экзамен. Пословица «Береги честь смолоду», которую он считает одной из самых актуальных, стала отправной точкой для работы. По мнению постановщика, сегодня важно говорить с молодым поколением о таких вне­вре­мен­ных понятиях, как смелость и верность долгу, говорить просто и ненавязчиво, следуя музыке пушкинского слога. «История молодого человека, который подвергает себя любым опасностям ради того, чтобы сохранить свою любовь, для нашего времени нетипична, – сказал перед премьерой Сошников. – И в размышления над происходящим хотелось вовлечь зрителей всех поколений».

Скажем сразу, что зал, заполненный в основном подростками, начиная с первой сцены, в которой Гринев встречается с Пугачевым среди бурана, образ которого создает устрашающе развевающееся голубое полотнище, активно участвовал в спектакле, поддерживая действие аплодисментами. Спектакль идет в сценографии Марии Утробиной – деревянная конструкция-трансформер со множеством ступенек, меняясь, представляет собой то постоялый двор, то интерьер и окрестности Белогорской крепости, где Гринев из-за Маши дрался на шпагах со Швабриным (Максим Хрусталев), то избу «царя» Пугачева, всю в красных полотнищах, то парк, в котором гуляет Екатерина II, то место казни самозванца, то точку счастливой финальной встречи Петра и Маши. Действие движется плавно, без провалов, путь взросления Петра Андреевича Гринева, по словам постановщика, от «недоросля» до храброго почтенного мужа тернист, судьба не раз испытывает его, но он, движимый подлинным чувством любви к Маше, обретает стойкость и сохраняет достоинство.

Инсценируя классику, режиссер выбрал верную позицию – никаких новаций и интерпретаций, только Пушкин, с его «чистотой» и «безыскуственностью», по словам Гоголя, с его истинно русскими характерами ступает на подмостки. И мы видим чудесную пару отважных хранителей крепости – коменданта Ивана Кузьмича (заслуженный артист Александр Титоренко), преданного солдата Отечества, и верную его Пенелопу Василису Егоровну (Алена Колесникова), начальницу, что над щами, что над шпагами дуэлянтов, их соратника, поручика Ивана Игнатьича (Александр Никифоров), и нам становится все понятно про «бестолковщину времени» и про то, как жили русские люди почти два века назад. В роли Петра Гринева дебютирует Максим Путинцев, капитанскую дочку, отважную дочь своего отца, сумевшую добиться аудиенции у Екатерины II и защитить жениха, играет Алина Колесникова. Трогательная пара подкупает зрительный зал, а Петрушу зрители явно поддерживают, когда ему приходится принимать крутые решения.

Пожалуй, одна новация в спектакле имеется – непривычен моложавый красавец Емельян Пугачев (Александр Волков), руководитель крестьянского восстания: без бороды и в кафтанах, хоть сейчас на эстраду. Истоки такого взгляда на самозванца вновь находим у Пушкина, воспевающего русского крестьянина, – «ни тени рабского уничижения в поступи и речи» – за его смелость, смышленость, предприимчивость, проворство и ловкость. Никак простофилей не назовешь, подобно тому как честят своих сельских жителей французы. Именно таков Пугачев в спектакле, но за обаянием в нем угадывается отчаянная жестокость по отношению к царским служителям. Как ловко дирижирует он казнью родителей Маши Мироновой и поручика Ивана Игнатьича! Голубые квадраты – веревки виселицы – по его знаку только успевают вздыбливать приговоренных. Здесь он «царь» Емельян Пугачев – народный мститель, избравший стезю орла из калмыцкой сказки, который в отличие от ворона, живущего триста лет, питаясь мертвечиной, живет всего 33 года, зато пьет живую кровь. Пугачеву было отпущено два года предводительства: сцена с закованным в колодки злодеем подчеркивает трагичность его судьбы и очень важна в спектакле.

Теплый образ старика Савельича, окрашенный юмором, создает Алексей Коновалов, этот слуга, приставленный к Петруше сызмала, из того разряда русских людей, которые любят барчуков как родных детей и расходуют на них все запасы добра, отпущенные природой. Савельич-Коновалов похож на дядьку Никиту, который был в «воспитателях» у маленького Саши Пушкина, а годы спустя первым принял на руки раненного на дуэли поэта…

«Капитанская дочка» – четвертый спектакль по Пушкину на сцене Малого театра. Помнится, после «Метели» поклонники прозы поэта загадывали сценический цикл по «Повестям Белкина», новая премьера близка к этому замыслу. Можно только приветствовать такие дебюты: в труппу театра влилось немало молодежи. А в будущем году Россия отметит 225‑летие со дня рождения Александра Сергеевича Пушкина.

Нина Катаева, "Учительская газета", 14 ноября 2023

https://ug.ru/beregi-plate-snovu-a-chest-smolodu/

24 июня в комедии Н.В.Гоголя "Ревизор" роль Трактирного слуги первый раз сыграл артист Павел Казачук. Поздравляем и желаем новых творческих успехов!

14 ноября на основной сцене Государственного академического Малого театра состоится 300-е представление комедии Н.В.Гоголя «Ревизор».

Эта пьеса принадлежит к числу произведений, на которых основан наш репертуар. «Ревизор» был впервые показан в Малом в 1836 году; роль Городничего сыграл Михаил Щепкин, и его исполнение до сих пор считается эталонным. Нынешняя постановка была осуществлена в 2006 году. Спектакль, пользующийся неизменным успехом, стал заметным событием в культурной жизни Москвы, покорив и рядовых зрителей, и театральную общественность. В 2007 году «Ревизор» был удостоен премии Правительства России.

Юрий Соломин и Василий Фёдоров создали динамичный, живой, остроумный и красочный спектакль. В то же время режиссёры бережно отнеслись к авторскому замыслу, к традициям и духу Малого театра. Для сложного, многослойного произведения был найден лёгкий и увлекательный сценический язык. Это делает постановку интересной и для интеллектуалов, и для широких зрительских масс.

Декорации Александра Глазунова и костюмы Константина Шамрина созданы в лучших традициях Малого театра. А прекрасная музыка Григория Гоберника придаёт «Ревизору» дополнительную остроту и символичность.

От всей души поздравляем режиссёров-постановщиков Юрия Соломина и Василия Фёдорова, а также весь коллектив спектакля, в особенности бессменных исполнителей своих ролей Сергея Кагакова (Бобчинский), Виктора Андрианова (Уховёртов) и Евгения Арановского (Держиморда) с замечательным юбилеем! Желаем дальнейших творческих успехов!

12 ноября в спектакле "Правда - хорошо, а счастье лучше" А.Н.Островского роль Поликсены первый раз сыграла артистка Алена Ревнёва. Поздравляем и желаем новых творческих успехов!