Масштабная историческая драма «Смута. 1609–1611 гг.» посвящена героической обороне Смоленска во время польской интервенции. На показе побывала культурный обозреватель «Татар-информа».

Многолетняя дружба – обменные гастроли и «щепкинцы»
Спектакли Малого театра России прошли традиционно на исторической сцене театра Камала, с которым его связывает многолетняя дружба – каждые два года театры обмениваются гастролями. Сотрудничество началось в 2006 году и стало неотъемлемой частью театральной жизни двух городов. Казанская публика встречает Малый как долгожданных гостей, а актеры Камаловского с трепетом выходят на историческую сцену в Москве. За почти два десятилетия было показано множество постановок: москвичи привозили «Пиковую даму», «На всякого мудреца довольно простоты», камаловцы отвечали яркими спектаклями на татарском языке, в том числе лауреатом «Золотой маски» – «Муть. Мухаджиры».
Важно отметить, что труппа театра Камала связана с Малым не только гастролями: многие артисты татарской сцены окончили Высшее театральное училище (институт) имени М.С. Щепкина, действующее при Малом театре.
На этот раз Малый театр представил казанской публике масштабную историческую драму «Смута. 1609–1611 гг.» – спектакль, посвященный героической обороне Смоленска во время польской интервенции.

Постановка создана по мотивам романа Владимира Мединского «Стена» и оформлена известным сценографом Виктором Герасименко. Режиссером-постановщиком выступил Владимир Бейлис. Показы прошли 20 и 21 мая в рамках «Больших гастролей», организованных ФГБУК РОСКОНЦЕРТ согласно Всероссийскому гастрольно-концертному плану Министерства культуры РФ.

Актуальный патриотизм Мединского и зрелищная классика Малого
Спектакль «Смута» на сцене казанского театра – это не просто гастрольный проект, а акт творческого единения, отсылающий к идеалам национальной идентичности, исторической памяти и художественной преемственности. Действие спектакля разворачивается во времена Смутного времени, когда польско-литовские войска под командованием короля Сигизмунда III осадили Смоленск.
История рассказана по всем канонам «правильной» драматургии: захватывающий первый эпизод, в котором происходит убийство, два неожиданных поворота и финал, дающий надежду. «Смута» – безусловно, драма. Практически каждый эпизод рассказанной истории оканчивается коварным убийством. Все элементы экшена на месте: любовный треугольник и сценические бои.

Насмотренной татарстанской публике, искушенной лабораториями, герои могли показаться носителями идеологических клише, а повествование по-советски пафосным и состоящим из штампов. Но Малый театр тем и хорош, что он не гоняется за экспериментами, а выверенно следует классической театральной традиции. К тому же пафос органичен для событий и исторического контекста, о котором повествует пьеса.
Автор романа – бывший министр культуры России, а ныне помощник Президента РФ, председатель Союза писателей России и, ко всему, глава российской делегации на текущих переговорах с Украиной Владимир Мединский. Историк и писатель – выпускник МГИМО МИД РФ, защитил докторскую диссертацию по истории. Мединский известен как автор серии книг «Мифы о России», в которых предлагает собственную интерпретацию исторических событий.
Роман «Стена» (2012), который лег в основу сценической версии Малого театра, – его дебют в художественной литературе, вызвавший полярные отзывы критиков. В 2016 году Дмитрий Месхиев снял по мотивам романа фильм, но автор литературной основы убрал свое имя из титров, поскольку, по его мнению, это кино имеет «крайне отдаленное» отношение к роману.

Режиссура Бейлиса и масштабная сценография Герасименко
Владимир Бейлис – один из ведущих мастеров сцены Малого театра, народный артист России, заслуженный деятель искусств России. За его плечами десятки знаковых постановок на историческую и классическую тематику. В работе над «Смутой» Бейлис продемонстрировал тонкое чувство ритма и масштабное видение, объединив патриотический пафос произведения с глубоким психологизмом. Его режиссерское решение точно выверено: крупные сценические формы сочетаются с камерными актерскими эпизодами, создавая цельное, динамичное театральное полотно.
Чтобы создать атмосферу эпохи, режиссер использовал в постановке «Смуты» разнообразные зрелищные сценические приемы: вращающиеся масштабные декорации, видеопроекции и живописные костюмы. Во время просмотра спектакля для зрителя в зале словно стирается контекст современности, и он попадает во времена добротного классического театра, когда не нужно мучительно угадывать символы, воплощенные в условных трех столбах или двух чемоданах, служащих и реквизитом, и декорацией. В эпоху усталости от стихий сценического постмодернизма оказываешься словно на твердой почве.

Сценографию исторической драмы создал заслуженный художник России Виктор Герасименко. Известный живописец и график, он занимал пост главного художника московского театра «Новая Опера», где оформил такие знаковые постановки, как «Золушка» Россини и «Иоланта» Чайковского. В Казани зрители смогли оценить тонкую и выразительную работу сценографа. На поворотном круге сцены Герасименко выстроил многоплановое пространство из белокаменных стен, которые в течение спектакля превращаются то в своды храма, то в монашескую келью, то в постоялый двор, то в бастионы осажденного Смоленска. Такая пластичность сценического решения подчеркивает драматизм и многослойность событий Смутного времени, позволяя режиссуре и актерской игре раскрываться в полном объеме.

Звездный актерский ансамбль
В постановке участвуют ведущие артисты Малого театра, включая Валерия Афанасьева в роли воеводы Шеина и Валерия Бабятинского в роли короля Сигизмунда III.
Валерий Афанасьев – актер с внушительной карьерой, насчитывающей более 200 работ в кино и сериалах. Он дебютировал на экране в 1971 году в фильме «Светлая речка Вздвиженка» и с тех пор сыграл множество разнообразных ролей. Зрителям он запомнился по сериалам «Гардемарины, вперед!» (Ягупов), «Между нами, девочками» (Сан Саныч Рыбаков), фильмам «Ширли-Мырли», «Калашников». С 2017 г. Валерий Алексеевич служит в Малом театре.

Статного польского короля в «Смуте» воплотил легендарный Валерий Бабятинский – актер, чья карьера началась в 1960-х годах. Он известен своими ролями в классических советских фильмах и телеспектаклях. Среди его заметных работ молодой физик в «Девять дней одного года» (1961), лейтенант Огарков в «Двое в степи» (1962), прапорщик в «Выстреле» (1966), великий князь в фильме «Анна Павлова» (1983). Бабятинский с 1963 г. служит в Малом театре, за годы творческой деятельности исполнил более 60 ролей российского, советского и зарубежного классического репертуара.
Роль купца Зобова, предателя, доносившего Сигизмунду III, исполняет народный артист России Владимир Дубровский. Актер иронично подчеркивает внутреннюю низость героя, делая образ Зобова одним из наиболее запоминающихся в постановке. Его исполнение песни про реку Казанку вызвало благодарные аплодисменты. Фильмография актера насчитывает десятки работ: «Дело гастронома №1» (2011), «Серьезные отношения» (2013), «Милиционер с Рублевки» (2020–2022) – и других, где он проявил себя как разноплановый актер, способный воплощать как положительных, так и отрицательных персонажей.
В спектакле участвуют более 50 артистов, в том числе студенты Высшего театрального училища (института) имени М.С. Щепкина.

Древнерусские мотивы со степной пентатоникой и православная надежда
Музыка Георгия Свиридова, звучащая в спектакле, усиливает атмосферу трагизма, возвышенного драматизма и национального пафоса. Композитор, чье творчество тесно связано с темами русской истории, духовности и народной судьбы, здесь представлен в наиболее героико-эпической ипостаси: звучат его монументальные оркестровые фрагменты, хоровые вставки, музыкальные цитаты с отсылками к древнерусскому церковному пению и народным напевам. Этот музыкальный пласт мгновенно задает масштаб событиям на сцене и формирует у зрителя эмоциональный контекст – надежду на спасение и сплочение под сенью образа Богоматери. В «Смуте» музыка звучит как голос эпохи.

Музыка в спектакле стала не только выразительным художественным инструментом, но и предметом обсуждения: усиливает ли она сценическое действие или затмевает его? Этот вопрос остается открытым и, возможно, намеренно провокационным, подчеркивая амбивалентность самой темы – трагедии национального распада и стремления к объединению.
«Смута» в Малом театре – это попытка осмысления важного исторического события через призму современного театра. Спектакль с впечатляющим визуальным оформлением и участием опытных актеров был восторженно принят казанской публикой. Зал разразился овацией, зрители долго не отпускали актеров со сцены.

Айсылу Хафизова, «Татар-информ», 24.05.2025

https://www.tatar-inform.ru/news/vse-elementy-ekse...

В КАЗАНИ МАЛЫЙ ТЕАТР ПОКАЗАЛ СПЕКТАКЛЬ О СМУТЕ ПО РОМАНУ ВЛАДИМИРА МЕДИНСКОГО

В Казани в рамках программы "Большие гастроли" побывал Государственный академический Малый театр России. Он представил спектакль "Смута. 1609-1611" по роману Владимира Мединского о героической обороне Смоленска от поляков.
Приключенческое произведение под названием "Стена" вышло в свет в далеком 2012 году. В 2016-м его экранизировал Дмитрий Месхиев, а чуть позже режиссер-постановщик Владимир Бейлис решился на его театральную адаптацию, изменив название. Премьера исторической драмы состоялась в Малом театре в 2018 году, вызвав неоднозначную реакцию в прессе.
И вот спустя семь лет Казань стала первым российским городом, где показали эту необычную постановку. Разумеется, в свете недавних политических событий спектакль получил "заряд актуальности" и заиграл новыми красками.
Казанская премьера состоялась в старом здании Татарского государственного академического театра имени Г. Камала. Много повидавшая на своем веку сцена, пожалуй, с такими монументальными декорациями не сталкивалась. А они, действительно, завораживают с первых секунд. Известный художник-постановщик Виктор Герасименко создал вращающуюся платформу, которая трансформируется на глазах публики в зависимости от сцены. То это уютная таверна, то Смоленский кремль, то замок польского короля Сигизмунда.
Так что, действие здесь разворачивается в буквальном смысле и каждый поворот переносит зрителя в новое пространство. Под стать декорациями световые эффекты и визуальные эффекты. Чего стоит превращение серых крепостных стен в православный храм, покрытый фресками или "плачущая" Смоленская икона Божией Матери.

Сюжет строится вокруг двухлетней обороны Смоленска от польских интервентов. В это основное историческое полотно автор вплел множество нитей - шпионскую, приключенческую и, конечно, любовную. Главный герой - воевода Смоленска Михаил Шеин (народный артист России Валерий Афанасьев) всеми силами пытается удержать крепость, причем противостоять приходится врагам, как внешним, так и внутренним. Среди смоленского купечества находится немало желающих сдать город и хорошо зажить при поляках, которые пришли "прекратить Смуту". Антагонист Шеина - Сигизмунд III (народный артист России Валерий Бабятинский). Для него московиты дремучие варвары, которым он несет свет "истинной католической веры".
Между племянницей воеводы Катериной (Лидия Милюзина) и сподвижниками Григорием Колдыревым (Алексей Фаддеев) и Дедюшиным (Александр Волков) возникает любовный треугольник, на который еще накладывается и шпионская интрига. Не обойдется в спектакле и без поиска сокровищ в подземельях крепости.
Характеры персонажей даются яркими широкими мазками, диалоги здесь простые, действия прямолинейные, впрочем, от эпического полотна и не ждешь тонкой психологической "гравюры". Порой действие и по эстетике и по масштабу напоминают оперу - на сцене задействовано более 50 актеров! Есть в постановке и массовые бои и хороводы. В постановке можно услышать фрагменты из произведений Георгия Свиридова, некоторые звучали в прежних спектаклях Малого театра "Царь Иоанн Грозный", "Царь Федор Иоаннович", "Царь Борис" по трилогии Алексея Толстого.
Финал спектакля можно предугадать "без спойлеров" тем, кто знаком с историей страны. Смоленская крепость пала. Но некоторые выжившие герои уже готовы идти на Волгу, где собирается народное ополчение. И казанцы знают, что их город тоже сыграет важную роль в этой исторической эпопее со счастливым концом.
Валерий Афанасьев, народный артист России:
- Мой герой Михаил Борисович Шеин - историческая фигура очень трагическая. Он воин во всех своих ипостасях. Было время, когда нас ругала вся либеральная публика. Как это Малый театр ставит министра культуры?! Они забывают, что и Луначарского ставили. А что тут такого? Владимир Мединский - историк, достойный человек. Мои старшие внуки приходили и с удовольствием смотрели спектакль. Разные бывают постановки: тонкие психологические, гротескные. А это полотно.

Олег Корякин, «Российская газета», 22.05.2025
https://rg.ru/2025/05/22/reg-pfo/v-kazani-malyj-te...

МОСКОВСКАЯ «СМУТА» В КАЗАНИ: КАК В КАМАЛОВСКОМ ЗАМИРОТОЧИЛА ИКОНА БОГОРОДИЦЫ

В Казани прошли двухдневные гастроли Малого театра России, который впервые вывез за пределы Москвы эпичную постановку «Смута. 1609-1611», созданную по роману Владимира Мединского «Стена». Показы прошли на старой сцене ТГАТ им. Г. Камала.
Московская «Смута» приехала в столицу Татарстана в рамках всероссийского гастрольно-концертного плана министерства культуры России, организатор - Росконцерт. Казань стала первым городом в гастрольном маршруте Государственного академического Малого театра. Подчеркнем: театра с огромной историей, которая немыслима без таких великих имен, как Михаил Щепкин, Мария Ермолова, Михаил Царев, Юрий Соломин. В этом сезоне исполнилось 200 лет историческому зданию Малого театра, а будущий сезон станет 270-м.
После Казани в июне это пафосное патриотическое полотно «Смута», повествующее о трагической странице истории Руси и самоотверженной защите от Войска польского короля Сигизмунда жителями Смоленска в начале XVII века, увидят зрители Архангельска, а в ноябре – жители Самары.
В основе пьесы «Смута» лежит роман 2012 года экс-министра культуры России, ныне помощника президента РФ Владимира Мединского. В аннотации к спектаклю указано, что «Одна из задач, которые ставит перед собой Малый театр, – ознакомление зрителей с великими страницами отечественной и мировой истории. Особый интерес для Малого всегда представляло русское Средневековье – эту эпоху исследует спектакль «Смута. 1609–1611 гг.», рассказывающий о героической обороне Смоленска, одном из финальных аккордов мрачных событий конца XVI — начала XVII веков». А режиссер-постановщик «Смуты» Владимир Бейлис пояснял в свое время: «Пьеса очень тонкая и психологичная. В ней все объединено патриотической темой. Там действуют русские люди, которые защищают свою родину, свою землю. Жизнь и смерть. Это общечеловеческие проблемы, выявляющие самые лучшие качества человека».
Любопытно, что в 2016 году по роману Мединского режиссер Дмитрий Месхиев снял фильм, который транслировал телеканал «Россия-1». Правда, в титрах фамилии Мединского не было, говорят, он посчитал, что лента Месхиева к роману имела лишь косвенное отношение, в конце концов режиссер и автор романа сошлись на том, что фильм снят «по мотивам» «Стены».
Премьера спектакля «Смута» в Малом театре состоялась в 2018 году. Спустя четыре года, в 2022-м, ее вернули в репертуар, а теперь решили познакомить с ней зрителя в российских регионах. В принципе, о спектакле давно уже все написано, как говорится, его разобрали по косточкам.
Отметим, что ряд критиков приняли постановку в штыки, опубликовав довольно недружелюбные и даже разгромные рецензии. В общем, либеральная пресса была недовольна патриотизмом «в лоб». На мой взгляд, автора сценической адаптации романа можно упрекнуть в некоей «ходульности» ряда персонажей и в недостаточно живых диалогах, которые порой звучат как цитаты из книги, а не разговорная речь. Ну и хотелось бы больше актерской динамики (хотя эти «огрехи» определенно компенсирует постоянная смена движущихся декораций и богатых костюмов).
Интересно, что по «ту сторону баррикад» оказался рядовой зритель: судя по публикуемым до сих пор восторженным множественным откликам в социальных сетях и на сайте Малого театра, подавляющее большинство обычных россиян всем сердцем и душой приняли постановку, преисполнившись гордости за родину. Такой вот символичный диссонанс…
Отдельно стоит сказать о сценографии, которую мастерски создал известный казанцам по постановкам в театре оперы и балета им. М. Джалиля заслуженный художник России Виктор Герасименко. Впечатляет и использованный в оформлении видеоарт (его автор – сын Герасименко Дмитрий). Особенно же сильное впечатление производит плачущая икона Богородицы, и я видела, что во время этой потрясающей мизансцены некоторые зрители даже крестились! Не менее впечатляют огненный сокол в небе над неприступным Смоленском, виртуальный напалм пожара, кружение воронья… В сочетании с музыкой народного артиста СССР композитора Георгия Свиридова атмосфера времени с художественной точки зрения – безупречна.
Сцена «Смуты» густо населена: шутка ли, в спектакле участвуют 55 человек. Среди них – народные артисты Валерий Афанасьев, Александр Ермаков, Владимир Дубровский, Валерий Бабятинский, Александр Вершинин, заслуженные артисты России Алексей Фаддеев, Александр Белый, Дмитрий Кознов, Василий Дахненко, артисты Лидия Милюзина, Александр Волков, Мари Марк, Константин Юдаев, Екатерина Казакова, Максим Путинцев и другие.
У посетившей спектакль «Смута» 21 мая редактора отдела культуры «Вечерней Казани» была возможность пообщаться перед его началом с исполнителем одной из главных ролей – воеводы Смоленска Шеина, народным артистом России Валерием Афанасьевым, а также с его молодыми коллегами – Алексеем Фаддеевым (роль Григория Колдырева) и Лидией Милюзиной (роль племянницы воеводы Шеина – Катерины).

- Довольны вы тем, как прошли показы в Казани?
- Собой я не доволен, – не раздумывая включился в беседу Валерий Алексеевич Афанасьев. – Первый спектакль – это же всегда нервы, надо сориентироваться по выходам из-за кулис и не запутаться. А декорации те же, что и в Москве, просто они довольно сложные (на крутящемся пандусе. – «ВК»), они эпические, огромные, их создал известный театральный художник Виктор Герасименко. Сложность в том, что декорации, которые все время двигаются, поглощают звук, который в идеале должен лететь, поэтому наша актерская задача – говорить четче. Как еще мама моя говорила: «Сынок, говори четче и не морщи лоб». Понимаете, вот так нам и надо. А так все хорошо, публика даже «браво» кричала.
- Говоря о «Смуте», все постоянно подчеркивают, что спектакль – патриотический. И тут как раз президент России Владимир Путин издал указ о том, чтобы не позднее 30 ноября 2025 года был создан театр патриотической направленности. Судя по сайту Малого театра, вы уже ведете гигантскую работу в этом направлении, причем в разнообразных жанрах и формах. Не думаете ли, что эти функции передадут вашему театру?
- Нет, не думаю. Потому что мы национальный федеральный театр России и обязаны играть классическую драматургию. Если классическая драматургия включает в себя патриотическую направленность, то прекрасно, мы будем ее играть, – откликнулся заслуженный артист России Алексей Фаддеев. – У нас два здания – основное (на Театральной площади) и второе на Ордынке, и вот в здании филиала вполне возможны какие-то более современные постановки. Например, на 9 мая у нас вышел спектакль «Белая палатка» о Великой Отечественной войне. Очень хороший патриотический спектакль. Что касается направленности Малого театра – это именно классическая драматургия, традиционный театр. Нас периодически в прессе называют «театр-музей». Не знаю, как мои коллеги, а я этого не стесняюсь. В Москве более ста театров совершенно не «музейной» направленности, и если человека не устраивает «музей», то он может пойти в любой другой театр и прекрасно провести время.
- С этим разобрались. Если говорить о классике, к чему вы лично, Валерий Алексеевич, тяготеете?
- Не знаю, Алексей, к счастью или нет, но я – вахтанговец.
- (Общий смех) Это просто разные школы кун-фу, – пошутил Фаддеев.
- Так вот, я тяготею ко всем жанрам, я – вахтанговец и могу все: от гротеска до психологической драмы, включая патриотической направленности, – продолжил Валерий Афанасьев. – Мне любой жанр хорош, лишь бы не был скучным (в патриотике в том числе). Правильно Алексей вспомнил сейчас о «Белой палатке» (режиссер Ирина Михайленко, в основе одноименная пьеса советского писателя Ивана Стаднюка. – «ВК»). Художник решил, что мы все – от сапог до пилотки, весь реквизит – в белом. Сначала подумали – как странно, а потом поняли – это словно воспоминания. Извините, что немного отступаю от темы, но когда я играл Сатина в пьесе «На дне» на Юго-Западе, мы тоже не знали сначала, как одеться, ведь обычно этих персонажей в лохмотьях как с помойки изображают. И мы решили – будем в белом в этой ночлежке! То есть белый цвет олицетворял мечту этих людей. И то же самое – с «Белой палаткой». Очень важное решение!
Что касается создания отдельного патриотического театра, то как бы это не превратилось в какое-то… Знаете, когда я заканчивал институт, то ходил один довольно известный человек, не стану называть его фамилию, с идеей создать комсомольский театр. Носил пьесу-агитку… Понимаете, театр это уже проходил в начале ХХ века, когда после революции в театры массово внедряли лозунги. Я понимаю направленность президента: общество ищет героев, ищет, за кем следовать.
- Ваш воевода Шеин – герой?
- Воевода Михаил Борисович Шеин – фигура историческая. И очень трагическая. Он воин во всех своих ипостасях, и с Борисом Годуновым был, и с Шуйским, героически держал оборону Смоленска. Потом оказался в плену и восемь лет провел у поляков. А когда вернулся, то снова верой и правдой служил Отечеству. К сожалению, то ли заговор бояр, то ли что еще, но воеводу казнили. На Красной площади. Обвинили его в том, что он поклонялся кресту Сигизмунда (католику. – «ВК») и так далее. Такое бывает, к сожалению. И наших генералов расстреливали, которые чего-то не усмотрели, не учли, не доделали… Но каким был Шеин на самом деле? Есть небольшое изображение, на нем он как Илья Муромец. Нет уверенности у меня, что он таким и был. А вот почему меня выбрали на эту роль, не могу судить. Но я старался. И должен сказать, что два мениска эта роль мне выбила. Да на таком сложном пандусе и немудрено.
- А по эмоциям роль воеводы Смоленска сложная?
- Нет, главное, что партнеры по сцене хорошие. И когда выходит эта девочка (актриса Малого театра Лидия Милюзина) и зажимает мне, то есть воеводе, своими ручками глаза, то, понимаете, тепло становится и дальше хочется играть. Вот и весь секрет. По сценарию моя племянница Катерина погибает, вот это – страшно.
Было время, нас за спектакль «Смута» сильно ругали, мол, как это, Малый театр ставит спектакль по книге министра культуры, забывая, что в свое время и Луначарского ставили (первый нарком просвещения РСФСР, писатель, критик, искусствовед. – «ВК»). А в чем крамола? Владимир Мединский – профессиональный историк, очень достойный человек. Мы пожимали друг другу руки. Недавно он снова приходил на спектакль, потом пригласил пообщаться. А теперь он ведет переговоры [между Россией и Украиной], а мы этим – гордимся.
Спектакль с возрастным цензом 12+ шел ровно три часа плюс антракт, при этом первое двухчасовое действие, видимо, оказалась не по силам некоторым казанским театралам, которые сочли, что «тема спектакля слишком серьезна, а мы хотели чего-то легкого» (это я подслушала в фойе), и покинули театр в антракте. Прискорбно, что граждане, которые ищут в театре лишь комедию и развлечение, не утруждая себя духовной работой, увы, не редкость в наше время.
Ольга Юхновская, «Вечерняя Казань», 22.05.2025
https://www.evening-kazan.ru/kultura/articles/mosk...

«СМУТА» МАЛОГО ТЕАТРА – В КАЗАНИ!

Потрясающая игра актеров, масштабные декорации, проекции на экране,яркие исторические костюмы, – все это спектакль «Смута. 1609-1611 гг.» режиссера Владимира Бейлиcа по роману экс-министра культуры РФ, Помощника Президента РФ Владимира Мединского. Спектакль поставлен в прославленном Малом театре, труппа которого насчитывает более ста человек. Отметим, что Владимир Бейлис – народный артист РФ, заслуженный деятель искусств РФ, — режиссер очень опытный, воспитавший множество знаменитых учеников. Приступая к новой постановке, он точно знает, как сделать так, чтобы это было качественно, интересно, полезно для зрителя и для общества в целом. Не удивительно, что в Казани на сцене театра им. Г. Камала с большим успехом прошли гастроли Малого театра со спектаклем «Смута».
Премьера состоялась в 2018 году. В основе сюжета – героическая оборона Смоленска, осажденного войсками польского короля Сигизмунда III во время русско-польской войны 1609-1618 годов. В постановке занято более сорока артистов театра и студентов Щепкинского училища. Одну из главных ролей — воеводу Смоленска Михаила Шеина играет народный артист России, лауреат премии Правительства России Валерий Афанасьев. А образ его главного противника – короля Польши Сигизмунда III воплотил народный артист России Валерий Бабятинский. В постановке также задействованы заслуженный артист России, лауреат премии Правительства России Алексей Фаддеев, народный артист России, лауреат премии Правительства России Александр Ермаков, заслуженный артист России Александр Белый, народный артист России Владимир Дубровский, заслуженный артист России Дмитрий Кознов, заслуженный артист России Василий Дахненко, народный артист России Александр Вершинин и другие известные актеры.
Владимир Мединский еще до премьеры подчеркнул, что в Малом театре, который славится своими традициями и прекрасным художественным вкусом, бережно относятся к авторскому тексту. Поэтому в достойном результате он не сомневался. Правда, не все критики положительно отнеслись к постановке, но зрители ее приняли с восторгом, и это факт. Немалая заслуга в том, что спектакль получился по-настоящему ярким, патриотичным и содержательным, принадлежит художнику-постановщику, заслуженному художнику России, обладателю множества наград Виктору Герасименко. Декорации впечатляют даже самого искушенного зрителя. Главная находка – широкий поворотный круг с расположенными на нем фрагментами крепостной стены и башен.
Смутное время на Руси – трагический период истории, время предательства, разбоев, внешней интервенции. Поэтому оборона Смоленска, действительно, является одним из поворотных событий русско-польской войны 1609-1618 годов. Город стал тогда фактически стеной на пути польско-литовских интервентов к Москве, где оккупанты готовились посадить на трон польского королевича. Сам роман Владимира Мединского так и называется «Стена».
Этот спектакль крайне актуален сегодня, поэтому именно с этой постановкой проходят в текущем году гастроли Малого театра, организованные ФГБУК РОСКОНЦЕРТ, согласно Всероссийскому гастрольно-концертному плану Министерства культуры Российской Федерации по программе «Большие гастроли». Помимо Казани, в 2025 году спектакль увидят жители Архангельска и Самары. Жители столицы Татарстана очень тепло встретили постановку. Кроме того, журналисты имели возможность непосредственно пообщаться с народным артистом России, лауреатом премии Правительства России Валерием Афанасьевым, заслуженным артистом России, лауреатом премии Правительства России Алексеем Фаддеевым и артисткой Лидией Милюзиной. Они рассказали об участии в спектакле «Смута», выразили свое мнение о настоящем, искреннем патриотизме, раскрыли специфику деятельности старейшего театра России и поблагодарили казанских зрителей за теплый прием.

Альбина Хазиева, «Республика. XXI век», 23.05.2025

https://www.xn--21-6kcdinftsfd0clp5a.xn--p1ai/2025...

Рецензия на спектакль Владимира Бейлиса «Без вины виноватые» в Малом театре.

Тут есть что вспомнить: последний раз Малый театр ставил «Без вины виноватых» в 1981 году в скромном тогда филиале на Ордынке для Элины Авраамовны Быстрицкой. Через два года спектакль торжественно отыграли на Основной сцене в честь 55-летия актрисы (официально – в честь 25-летия творческой деятельности). Поздравительную речь держала Елена Николаевна Гоголева, героиня предыдущей постановки пьесы 1951 года.

Творческая политика Малого театра выстроилась так, что сама тянет в наш день все эти нити из прошлого, провоцирует на воспоминания и сравнения. Хранится ли старая традиция, есть ли вообще что-нибудь в искусстве театра с длительным сроком хранения?..

И вот в новой постановке пьесы Островского, отвечая на этот вопрос, прошлое и будущее на наших глазах смешиваются на сцене в равных долях. Как известно, между прологом и основным действием пьесы проходит 17 лет. Если и Гоголева и Быстрицкая играли и Отрадину и Кручинину, обе ипостаси главной героини, то у режиссёра-постановщика нынешней версии Владимира Михайловича Бейлиса героиню двух периодов играют две разные актрисы. Они – лица разделённых годами миров юности и зрелости. Но если реальная юность смотрит в будущее, а зрелость опирается на прошлое, то здесь юность – прошлое, а зрелость – будущее.

В первой же сцене в полутьме мы видим Кручинину за столиком у зеркала. Она поднимается, смотрит в зал, на неё падает свет: на лице Лидии Вележевой застыло рыдание, в позе – скорбь. Сцена проворачивается, посреди ярко освещённой комнаты перед нами юная Отрадина: на лице Арины Осиповой пылает вера в будущее и светлая мечта. С подругой Шелавиной – Дарьей Новосельцевой – они резвятся и без конца заливисто хохочут… Буквально через минуту, увидев карточку Мурова в качестве жениха другой, Отрадина каменеет. Она смотрит в зал, её лицо – отпечаток боли. И в мысли зрителя сцена крутится обратно, к застывшему образу Кручининой, а прекрасная юная актриса в воображении уже и сама видится в этой роли. Имеется и внутренний сюжет: около тридцати лет назад Лидия Вележева сама играла Отрадину в знаменитом спектакле П.Н. Фоменко с Ю.К. Борисовой в Театре имени Вахтангова…

Для режиссёра спектакля течение времени – фактор предельно жестокий: оно безжалостно перепахивает человека и его меняет. Муров в прологе – Иван Трушин – тоже мальчишка, трусоватый и подловатый, но мило признающий в себе это. В спектакле герой вырастает в жестокого воротилу в исполнении Василия Зотова. Стыковка двух планов времени высекает такие искры, что по инерции хочется увидеть показанную власть времени над человеком в исполнении одного актёра. Так и кажется, что молодым, которые воплощают героев пьесы в прошлом, предписано сыграть будущие ипостаси своих героев в своём актёрском будущем.
Мы видим не отдельные актёрские работы, а крепко выстроенный ансамбль. Единые задачи равно успешно решают в нём и юные, и зрелые, исполнители и больших, и маленьких ролей. Это – несомненно высокое достижение режиссёра. В его спектакле артисты на сцене играют артистов в их закулисной жизни, в которой они всё те же артисты, исполняющие роли. Все смотрятся в зеркала: в небольшое на гримировальном столе, в большое, стоящее на полу, в расположенные на стене, но чаще всего они смотрятся в «зеркало сцены» – в зал. Только трещины по зеркалам, заполняющим боковые панели декорации, говорят, что у этих людей, кроме игры, есть своя жизнь, и у всех она изрядно побита.

«Жизнь – это театр», и наоборот… Хорошо знакомая гипотеза. Если её развивать, она способна и развлечь причудливым перетеканием одного в другое, и навести на серьёзные размышления. У Островского иначе: жестокая жизнь выталкивает на сцену, а сцена – в жестокую жизнь. Так и в спектакле: естественная для артиста попытка стереть границу между сценой и залом только чётче её прочерчивает. Поэтому мы сразу так удивлены, когда музыка начинает звучать, вводя в действие при полном освещении в зале. Ради той же театральной идеи напряжённого диалога между сценой и залом, а не ради уважаемой традиции и стоит перед актёрами задача работать на зал, убеждать зрителя. По спектаклю, смотреться в зал и в нём отражаться жизненно необходимо его героям. Ведь Островский не раз выводил артистов в своих пьесах, а в данном случае у него всё время обсуждается вопрос, что у них игра, а что правда, а главный герой вообще требует «подавать ему только чистую правду». Режиссёр вместе с актёрами, буквально копаясь в душах персонажей, вплотную занят вот этим отделением «зёрен» от «плевел» и настойчиво привлекает зал к соучастию.

По классическим кино-, теле- и радиопостановкам нам привычен ярко романтический Незнамов (Н.К. Симонов, В.В. Дружников, О.А. Стриженов) – побитый судьбой, клянущий её страдалец и громкий искатель душевной правды. Островский же характеризовал его как «трактирного героя», громкого спьяну, в ком «проглядывает румянец юности и конфуза». Максим Путинцев строит образ как раз на этой трудно уловимой двойственности. С помощью прежде всего выверенной широкой жестикуляции он передаёт и пафосность артиста, занятого, по всей видимости, в ролях трагического плана (в пьесе только вскользь упомянуто, что его талант заметен, а по амплуа он не резонёр и не комик), и угловатую застенчивость, присущую ему в пусть даже и хорошо «подогретом» закулисном поведении. На протяжении всего действия актёр тщательно растит в своём герое заложенный в нём цветок души, который готов вот-вот раскрыться. В результате удаётся вывести на первый план открытость и ранимость, а не истовую жалость к себе. Это – достижение в интерпретации хрестоматийного образа.

Полина Долинская играет Коринкину расчётливой красавицей, хозяйкой ситуаций, возникающих в театре, где она занимает первое положение. Такова она и по пьесе. Здесь, однако, она жёстче и сдержаннее, чем привычно видеть у исполнительниц этой роли, и с этим в образ привносится ещё одна краска – достоинство: она не злобна и не мелочна, её имидж примы скрывает неплохого человека. Именно поэтому стоит ей только обратить своё высокое внимание на чувствительного правдолюба Незнамова и сократить дистанцию, как она тут же начинает ему нравиться. Эта вспышка увлечения точно выхвачена режиссёром в их напряжённо-колких диалогах.

Петя Миловзоров, на сцене «первый любовник», – самый безликий персонаж пьесы, традиционно он «тюфяк». Заведомо примирительно обращаясь ко всем «мамочка», вне сцены он нарочно прячет все свои характерные черты, со всеми всегда согласен, так как осмотрительно держится за занятую в труппе позицию. Назначение на роль Александра Вершинина, героя (Молчалин, Глумов и многие другие), озадачило, пока сразу же не стало ясно, что и Петя предстанет у него героем. Из пьесы мы только вычитываем результат мимикрии под среду, понимая, что там, на сцене, он удал, а здесь вне сцены тих, но каждому по-своему умеет быть мил. А тут актёр явил нам всё, что сам герой в себе прячет, и словно удвоил свою роль: сыграл и самого человека, и того, кого он как артист играет по жизни. При этом никакого раздвоения личности не возникает: раз даже в жизни этот герой играет с колоссальным удовольствием, то и человек он явно широкой души. В жизни он, оказывается, и любовник, и комик, и добрый товарищ. Вершинин так интенсивно проживает каждую секунду существования в роли, так рельефно подаёт каждое мимическое движение или жест на большой зал без капли переигрывания, что даже повеяло духом давнего Малого театра.

Владимир Дубровский – артист острохарактерный. Поэтому, играя Шмагу, он может далеко уйти от комедийного – передать заложенный в него Островским размах личности русского комика, чья жизнь беспросветно трагична. Показывая, как Шмага по жизни только играет артиста-комика, соответствуя своему амплуа в околотеатральном обществе, Дубровский вносит в бесцеремонное поведение героя много ненаигранно суровой твёрдости. Он борец за уважение к артисту. На полном серьёзе требует, например, чтобы Кручинина заплатила за артистов в буфете, и та по праву рекомендует Незнамову с таким человеком не знаться. Но тут же и трогательные нотки искренней привязанности к Незнамову. Словами этот Шмага не разбрасывается. В ожидании подачи закусок на приёме он, ноя, предлагает Незнамову голодным волком завыть на луну – так в спектакле они все втроём, ещё и с Миловзоровым, и правда начинают вовсю выть! По давней традиции характеризовать комический персонаж песенкой или куплетами, артист чуть что затягивает припевку-тост: «Здравствуй, рюмочка Христова, ты откуда? – Из Ростова. – Деньги есть? – Нема. – Ну вот тебе тюрьма!»

Главная героиня спектакля Лидия Вележева передаёт все нюансы психологического письма Островского, показывая очень широкий диапазон эмоциональных состояний. Это закономерно, раз в согласии с общей концепцией она, как и другие, тоже живёт в удвоенной перспективе артистки на сцене и в жизни. Да, Кручинина, по собственному признанию, — мазохистка, нарочно и с удовольствием вызывающая в себе горестные воспоминания (тут же получает от Дудукина совет лечиться), но в качестве актрисы, чьё ремесло этого требует. Героиня Вележевой и вне сцены постоянно смотрится в зеркала и в зрительный зал. Она и горестно патетична, и одержимо истерична, и готова броситься в рыданья, одновременно и сильно страдая, и разыгрывая мелодраму. В другие моменты она сдержанно строга и проста, искренне открыта в своей теплоте, а между этими полюсами есть и улыбка сквозь слёзы. Контактное сближение с психологизмом Достоевского и ролью Настасьи Филипповны, сыгранной Вележевой в фильме Владимира Бортко «Идиот», – лишь часть палитры, задействованной актрисой в этой работе с Островским. Незнамов и вся пьеса в целом прямо ставят вопрос: является ли эта хорошая актриса такой же хорошей женщиной? По спектаклю, обе эти роли и качество их исполнения неразделимы. В спектакле Бейлиса все артисты – хорошие люди, а правда в искусстве тем самым равна правде в жизни.

Вот кто здесь насквозь декоративный, театральный персонаж – так это мещанка Галчиха в исполнении Юлии Зыковой. Она всю жизнь играла роль детолюбивой нянюшки, теперь же потеряла доверие людей в этом деле из-за своего корыстолюбия и поражает воображение сердобольных обывателей в роли кающейся юродивой, имея некоторый успех. Своим персонажем Зыкова вносит в концепцию спектакля новый ракурс: наглядной становится разница между лживой игрой «артистки» по жизни и повседневным существованием профессиональных актёров, чья игра, пусть даже и за кулисами театра, всё равно правдива.

Тот же самый ракурс – и в изображении примкнувшего к артистическому миру барина-мецената Дудукина. В иных постановках он бывал и человеком степенным, купеческой складки, и дворянином-бонвиваном. Андрей Чубченко определённо показывает его артистом, но другого плана – тонким политиком в закулисной жизни города. Чуть вертлявый любезник, сплетник, с напускным легкомыслием (в том, что он добр, его заслуги ведь нет – это от родителей), он угождает сразу всем. Заботиться о своём положении ему не требуется – важно держать в руках все нити околотеатральных событий. Любя театр, он отвечает за «смычку» городской элиты с элитой театральной в ситуации эпохи, когда эти два мира были разведены по краям социума и никак не могли пересечься. Ради этого ему и приходится играть в городе снисходительно-добродушного чудака.

И вновь очередные внутренние сюжеты. В «Без вины виноватых», поставленных и сыгранных Т.В. Дорониной во МХАТе имени Горького в 2000 году, Юлия Зыкова и Андрей Чубченко были Коринкиной и Незнамовым, то есть находились по пьесе внутри артистического мира. А в нынешней постановке оба выведены в «артисты по жизни». Анонсируя премьеру, режиссёр сказал, что и Вележеву пригласили из Театра имени Вахтангова ради того, чтобы буквально воспроизвести коллизию пьесы: гастролирующая артистка играет в спектакле труппы, для которой она чужая и даже конкурентка. Наблюдая ансамбль, воплощающий сложную, «стереоскопическую» концепцию изнанки артистического мира, можно лишь сказать, что все эти сюжеты ещё более обостряют впечатление от его слитности.

Из образов героев пьесы и антуража её действия на корню убран дух русской провинции, и, возможно, из-за этого теряется и вся глубинная характерность изображаемой жизни, которой пропитано всё у Островского. Постановщики вознамерились создать среду, покрытую столичным лоском. Возможно, их целью было сократить дистанцию между сценой и залом – залом Малого театра, столичным по статусу и дизайну, качеству публики. Сценография маститого мастера Виктора Герасименко — развёрнутые почти в плоскость три стены интерьера в стиле парадной эклектики рубежа XIX–XX веков. От картины к картине в комнатах, на стенах — нарядный штоф или театральные афиши, яркие пятна цветочных букетов, изящная мебель, граммофон и многое другое.

Возникло ощущение, что Островский сопротивляется такой нарочитой красивости. И вся пьеса, очевидно, сочтена режиссёром по современным меркам сказочной. Поэтому, выдержав эстетику реалистического театра вплоть до последней мелочи, он прибегает и к элементам символизма. Все они, кроме тщательно выстроенного символизма зеркал, оказываются прямолинейно плоскими и выбиваются из объёма смысла, который постановщику удалось воссоздать с актёрами.

Вращающаяся декорация, состоящая из четырёх секций, напоминает о вращении времени, разбрасывающем людей и вновь собирающем воедино. Помимо разных комнат она поворачивается к залу ещё и слегка аляповатым дверным порталом в ренессансном стиле, тёмно-синим с золотом и гобеленами по бокам. Он знаменует путь к славе и счастью. В начале Кручинина в тоске ступает в его двери (её ждут судьбоносные гастроли), под конец Незнамов тоскует у входа в него (накануне судьбоносного приёма у Дудукина).

К тому же из-за громоздкости цельной четырёхсторонней конструкции на сцене остаётся лишь довольно узкое пространство для действия, что заметно стесняет мизансцены. Когда же в финале зал дома Дудукина оказывается открыт в глубину, где мы видим ещё один, полностью зеркальный зал (финальный виток символизма зеркал), то и здесь действие всё равно смещено почти вплотную к авансцене.

Стилистически спокойная и мелодичная музыка Кузьмы Бодрова каждый раз начинает звучать, чтобы обозначить и поддержать особую эмоциональную приподнятость момента. Приём быстро приедается и начинает казаться навязчивым.

Все эти в общем-то мало влияющие на общее впечатление просчёты говорят о том, как трудно идти сегодня к театральной правде, если двигаться не назад в прошлое, а вперёд, прямо глядя в лицо сегодняшнему зрителю. Новый спектакль «Без вины виноватые» предлагает высококлассный актёрский театр с естественной театральной речью без подзвучки, идёт под аплодисменты после почти каждой сцены, на поклонах зал приветствует артистов стоя. И неразумно объяснять этот успех угодой вкусу особого, отставшего от «прогресса» слоя публики – здесь дают урок виртуозной работы с классическим драматическим текстом и его вечно современными смыслами.

Михаил Пащенко, «Театральный журнал», 27.03.2025

https://journal.theater/review/spektakli-i-pesy/ar...

Дорогие друзья!

Предлагаем вашему вниманию выпуск программы «Действующие лица», гостями которого стали режиссёр Владимир Бейлис и актёр Михаил Мартьянов.

В интересной беседе с ведущими программы, Владиславом Борецким и Оксаной Подригой, на примере спектакля «Без вины виноватые» были подняты важные темы: чем современного зрителя может привлечь типичная мелодраматическая история? есть ли в пьесах Островского параллели с нашим временем? почему важно беречь чистоту языка в классических пьесах? готов ли Малый театр к экспериментам?

Об этом и о многом другом – в выпуске программы «Действующие лица»: https://smotrim.ru/audio/2832843

Кто устал от новомодных интерпретаций классики, пусть смело идёт сюда: получит удовольствие.

В новом спектакле Владимира Бейлиса «Без вины виноватые» - никакого трюкачества, здесь по-честному сделанные психологические актерские работы, роскошные декорации (художник Виктор Герасименко), немало юмора. Однако старомодным этот спектакль не назовешь.

Странно, что сам Островский назвал эту пьесу комедией, хотя современники отзывались о ней так: даже самые жестокосердные зрители не могли сдержать слез. Что же это за комедия, на которой публика плачет?

Думается, секрет определения «комедия» в том, что в основу пьесы положен избитый сюжет бедного «найденыша», которого спустя 17 лет мать узнает по медальону... Уже в XIX веке эту фабулу иначе как пародийную, обкатанную в тысячах историй, воспринимать было нельзя. Но - хорошо смеяться рассказчику. А каково тому, кто является персонажем?

Постановщики спектакля вслед за Островским используют эту двойную оптику, потому и герои спектакля получаются по-человечески убедительны в самых невероятных обстоятельствах. Вот юная и бескомпромиссная Люба Отрадина (Арина Осипова), вся растворенная в любви к своему милому - не видит, не хочет замечать его очевидной лжи. Вот Нил Стратоныч Дудукин (Андрей Чубченко) - меценат, готовый разбиться в лепешку ради счастья окунуться в театральное закулисье. Трогательный хитрован и алкоголик театральный комик Шмага (Владимир Дубровский), провинциальная прима-интриганка Коринкина (Полина Долинская), пафосный «герой-любовник» Миловзоров (Александр Вершинин). Вся эта актерская братия - нелепая и не очень счастливая - необыкновенно мила автору. Потому что «про театр»? Да, но не только.

Дерганый, истеричный, похожий на трудного подростка Незнамов (Максим Путинцев) цепляет и горячим темпераментом, и какой-то очень юной жаждой справедливости, и обостренным чувством собственного достоинства, то и дело, впрочем, попираемого жизненными обстоятельствами.

Владимир Бейлис признается, что у постановщиков была идея повторить сюжет Островского - пригласить известную актрису из другого театра на главную роль, чтобы возникла сама атмосфера произведения. А потому в спектакле образ Кручининой создаёт приглашенная прима - ведущая артистка Вахтанговского театра Лидия Вележева. Красивая, утончённая, убедительная в самых острых трагических сценах, она здесь и впрямь, как звезда, упавшая с неба. И её искренняя доброта к ближнему - не показная благотворительность, а сердечный порыв.

Пожалуй, именно в судьбах этих двоих стоит искать главную тему спектакля. Она - не про мелодраматическую фабулу нашедших друг друга мать и сына. И даже не про силу материнской любви. Она - про волшебную силу искусства. Ведь почему так хороши на сценах своих театров Кручинина и Незнамов? А страдали много. Увы, это так: искусство питается страданием. Только из своей души, из пережитого, можно вынуть то, что потом явится публике. Есть и обратный процесс: пережитые беды и горести преодолеваются только искусством. Оно сообщает нашим печалям иной регистр - возвышенный, утешающий.

Эта мысль, только по-иному явленная, звучит и в комических сценах спектакля. Вот Шмага на приеме у Дудукина жаждет похмелиться. А к столу гостей все не зовут и не зовут. Хоть на Луну вой! Он и воет, привлекая к этому незамысловатому актерскому этюду своих товарищей - Миловзорова и Незнамова. Казалось бы, глупость, ерунда! Но отчего-то всем троим становится от этой шалости легче... В спектакле немало таких режиссерских находок, не заявленных Островским.

И на вопрос Незнамова: «Мама, а где отец?» Кручинина отвечает: «Твой отец не стоит того, чтоб его искать... Нашим счастием мы с ним не поделимся. Зачем тебе отец?».

Какой прелестный открытый финал! Какой простор для дальнейших размышлений! В сущности, Незнамов, хоть и получает фамилию, состояние и любовь матери-звезды, останется безотцовщиной, что по меркам XIX века всё равно что незаконнорожденный. А по меркам XXI века эту семью сегодня назвали бы «психологическим инцестом», где властная мать всю свою любовь сосредоточивает исключительно на одном мужчине - своём сыне. Можно ли назвать это счастьем?

Ольга Штраус, «Российская газета», 26.02.2025

https://rg.ru/2025/02/26/princip-najdenysha.html?y...

На исторической сцене Малого театра дают Островского. Режиссер Владимир Бейлис поставил комедию в 4-х действиях «Без вины виноватые», главную роль сыграла заслуженная артистка России, актриса Театра им. Евг. Вахтангова Лидия Вележева.

Пьеса главного автора Малого театра, классика отечественной драматургии А. Н. Островского «Без вины виноватые» – одна из известнейших, она часто ставилась на отечественной сцене. Видимо, потому что близка самим актерам: в ней откровенно и придирчиво выведены нравы театрального мира, который со времен жизни Александра Николаевича мало изменился.

Владимир Бейлис рассказывает сочным языком великого драматурга о слабых и сильных сторонах закулисья, о попранных мечтах и спасительном дурмане театра, о сцене, ставший для героев судьбой.

В центре внимания новой постановки – образ сильной, благородной женщины, большой актрисы Отрадиной-Кручининой. Эта героиня – из тех волевых русских женщин, которые если и гнутся под ударами судьбы, то не ломаются, а удивительным образом возрастают духовно.

Лидия Вележева прекрасно передает свое понимание актерской природы, ощущение уязвимости и душевной оголенности служителей Мельпомены, сочетая в своей героине бесстрашие и аристократизм, комедийность восприятия момента и высокие трагичные ноты.

Владимир Бейлис сумел собрать в этом спектакле команду единомышленников разных возрастов, бережно хранящих великие традиции Щепкинской театральной школы. Это команда людей, искренне влюбленная в классический русский репертуарный театр в высочайшем его проявлении.

На сцене бок о бок работают заслуженные артисты России Андрей Чубченко (Дудукин) и Василий Зотов (Муров), народные артисты России Александр Вершинин (Миловзоров) и Владимир Дубровский (Шмага), заслуженная артистка России Юлия Зыкова (Галчиха) и студентка театрального училища им. М. С. Щепкина Арина Осипова (Отрадина), Полина Долинская (Коринкина) и Иван Трушин (Муров в молодости).

Сценографию и костюмы создал Виктор Герасименко. Мир театрального закулисья Островского, кажущийся со стороны идеальным, в прочтении художника прорезают острые гигантские осколки разбитых зеркал. В какой-то момент складывается ощущение, что зеркала покрылись сетью трещин от жара интриг и страстей, которые бушуют на сцене.

Над премьерным спектаклем работали композитор Кузьма Бодров и режиссер по пластике Елена Каралашвили.

От новой постановки в Малом театре остается приятное, почти поэтическое послевкусие. Самое время вспомнить слова Ивана Сергеевича Тургенева по поводу текстов Островского: «Эдаким славным, вкусным, чистым русским языком никто ведь не писал до него!.. Какая местами пахучая, как наша русская роща летом, поэзия!»

Андрей Булов, «Мой дом Москва», 25.02.2025

Каждый монолог — исповедь, каждый жест — отголосок личной драмы. Пьеса Островского «Без вины виноватые» возвращается на историческую сцену Малого театра спустя почти 50 лет.

В новой версии зрителей ждет не просто история о потерянном ребёнке и роковых случайностях, а глубокое размышление о природе актерского мастерства. Режиссер-постановщик, народный артист - Владимир Бейлис превратил классическую мелодраму в гимн театральному братству. Если у Островского сцена лишь фон, то здесь она становится главным героем. В центре событий по классике — история о материнской жертвенности.
Режиссер-постановщик, народный артист России Владимир Бейлис: «Зритель хочет очищения, очищения от скверны, которая есть сейчас в нашем обществе. Наш спектакль говорит об этом».

Зарина Баранова, ОТР, 21.02.2025

Репортаж ОТР о финальной репетиции: https://otr-online.ru/news/malyi-teatr-vernul-na-i...

Дорогие друзья! До премьеры спектакля «Без вины виноватые» осталось совсем немного времени - уже 22 февраля первые зрители смогут увидеть этот спектакль.

Эта постановка очень важна как для театра, так и лично для режиссёра-постановщика, народного артиста России Владимира Бейлиса.

Владимир Бейлис: «В Островского я влюблён, он гений. Сколько в его произведениях ассоциаций с сегодняшним днём - через настоящее драматург видел будущее. Комедия «Без вины виноватые», поднимая столь важные сегодня вопросы взаимоотношений в семье, имеет воспитательное значение. Инициатором постановки был Юрий Мефодьевич Соломин, заразивший меня мечтой воплотить эту пьесу на сцене. На протяжении нескольких лет работы над текстом менялись подходы, но тема материнской любви, волновавшая тогда, осталась.

У нас была идея повторить сюжет Островского – пригласить известную актрису из другого театра на главную роль, чтобы возникла сама атмосфера произведения. В спектакле образ Кручининой создает ведущая артистка Театра им. Евг. Вахтангова, заслуженная артистка России Лидия Вележева.

В пьесе Кручинина стала артисткой, Незнамов – артистом, и все происходит в театре. Театр – это магнит, который всех притягивает, и место, где разворачиваются события. В современном театральном мире по-прежнему есть место историям о любви, ревности и соперничестве. Вместе с режиссёром Станиславом Сошниковым, художником-постановщиком Виктором Герасименко, композитором Кузьмой Бодровым, режиссёром по пластике Еленой Каралашвили и всей постановочной группой мы решили воспеть артистов, которых так любил Островский».

С большим интересом мы наблюдаем, как режиссёрский замысел обретает своё воплощение на сцене. На одной из репетиций побывал наш фотограф Евгений Люлюкин. И сегодня мы с радостью делимся с вами этими фотографиями.

Билеты на премьеру уже в продаже. Ближайшие спектакли: 22 и 28 февраля, 14 и 28 марта, 13 и 20 апреля.

[GALLERY:861]

Дорогие друзья!

До премьеры спектакля «Без вины виноватые» осталось меньше месяца! Уже 22 февраля первые зрители смогут увидеть его своими глазами. А с сегодняшнего дня мы начинаем делиться с вами подробностями о новой постановке.

Режиссёр Владимир Бейлис давно вынашивал идею о постановке пьесы: история о сильной женщине, которая смогла выстоять перед всеми невзгодами и пережитую боль воплотить на сцене. Произведение А.Н. Островского приоткрывает завесу тайны на притягательный мир закулисья и позволяет взглянуть на его столь разных обитателей.

Творческая команда спектакля выходит на финишную прямую: артисты усердно репетируют, а мастерские по изготовлению декораций и костюмов скоро завершат свою работу. Каждый спектакль Малого театра обладает своим особым шармом. Говоря об увиденном спектакле, многие зрители сразу вспоминают оформление сцены. Декорации к спектаклю «Без вины виноватые» создал заслуженный художник России Виктор Герасименко, это его вторая работа с Владимиром Бейлисом (ранее он создал декорации к «Смута. 1609 - 1611 гг.»). Сегодня мы предлагаем вам взглянуть на эскизы и на то, как идея начинает воплощаться в реальность благодаря работе наших мастерских.

[GALLERY:857]

Вчера на Исторической сцене сыграли 200-й спектакль «Мнимый больной» Ж.Б. Мольера в постановке Сергея Женовача.

Премьера состоялась в октябре 2005 года. За 19 лет спектакль стал неотъемлемой частью репертуара, а в 2007 году был удостоен премии «Золотая маска» в номинации «Спектакль большой формы».

200-й раз зрители сопереживали героям, смеялись над вечно актуальными шутками о врачах-шарлатанах и мнительных пациентах, наслаждались блистательной игрой актёров и благодарили их бурными овациями на поклонах. Народные артисты России Василий Бочкарёв (Арган), Евгения Глушенко (Белина), Людмила Титова (Туанетта) и актёр Игорь Григорьев (г-н Боннфуа) сыграли без замен все 200 спектаклей!

23 октября после поклонов на сцену вышел заведующий труппой Малого театра народный артист России Владимир Бейлис, чтобы поздравить всех участников спектакля от имени руководства.

В Малом театре по сложившейся традиции дают одну из пьес Александра Островского, написанную в соавторстве с драматургом Николаем Соловьевым, “Светит, да не греет”. На сцене театра пьеса о нравах и обесценивании ценностей возродилась спустя 143 года в режиссуре талантливого мастера Владимира Бейлиса. Образ роковой дамы всегда пленял воображение, обещая искусные игры, страсть, флирт и азарт. В “Светит, да не греет” - название уже раскрывает нам смысл - через актуальные и в наше время монологи и характеры главных героев показан тусклый отблеск и горечь человеческой души, протрезвевшей после “дьявольского хмеля”.

Молодая помещица Ренева возвращается в родовое имение из Парижа. Желая сохранить праздный и вольный образ жизни, она решает продать недвижимость, а заодно с ней и землю. В двух актах барыня ловко манипулирует мужскими сердцами и пытается совершить сделку с дряхлым стариком Худобаевым. Жертвами красавицы также становятся бывший ухажер, ныне женатый Залешин, страдающий по Реневой поодаль, и видный принципиальный Рабачев, чье счастье с невестой Олей из зависти она походя разбивает. Нерв спектакля пульсирует благодаря блестящей актерской игре Полины Лоран, Александра Волкова, Сергея Вещева, Дмитрия Кривошеева и Анны Шишкиной. В лучших традициях классика Островского правда предстает как беспощадный хлыст, но не для бичевания грешников, а для самоосознания праведников.

Журнал AVENUE VIP, театральный обзор 6/2024, Марина Аржиловская, писатель, обозреватель культуры.

25 мая студенты Николо-Угрешской семинарии из стран Африки посетили Малый академический театр, на сцене которого в этот вечер шел спектакль «Светит, да не греет». На спектакль студенты были приглашены его режиссером-постановщиком, заведующим труппой Малого театра, Народным артистом России Владимиром Михайловичем Бейлисом.

О чудесных обстоятельствах появления классического произведения на сцене Малого театра стоить сказать отдельно: пьеса «Светит, да не греет» вышла из-под пера послушника Николо-Угрешской обители драматурга Николая Яковлевича Соловьева в соавторстве с «русским Шекспиром» Александром Николаевичем Островским.

Служители Малого театра России делают неоценимый вклад в сохранение и развитие культурных и творческих традиций, приглашая студентов Николо-Угрешской семинарии на спектакли по лучшим произведениям русской и зарубежной литературы. А теперь и африканцы – учащиеся Духовной школы на Угреше активно приобщаются к русской культуре благодаря классическому репертуару Малого театра. Старший преподаватель Николо-Угрешской семинарии Владислав Валентинович Талалаев, благодаря которому поддерживается тесная связь семинарии и театра, надеется, что дружба с мастерами театрального искусства, в скором времени поможет выпускникам семинарии организовывать драматические кружки при православных приходах и воскресных школах.

На спектакле вместе со студентами побывали старший преподаватель, руководитель Международного отделения Николо-Угрешской семинарии Олег Семенович Птушкин и старший преподаватель Владислав Валентинович Талалаев, а также Яна Александровна Ганелина — преподаватель МПГУ, научившая африканцев понимать русский язык и говорить на нем.

В антракте студенты-африканцы встретились с режиссером Владимиром Михайловичем Бейлисом, поздравили его с успешной постановкой и на память о посещении спектакля получили от создателя спектакля, народного артиста России автографы с пожеланиями.

В финале спектакля «Светит, да не греет» Владислав Валентинович Талалаев и семинаристы поднялись на сцену Малого театра и вручили Владимиру Михайловичу цветы и памятный альбом «Святая Угреша».

https://nupds.ru/seminaristy-afrikanczy-pobyvali-v...

Дорогие друзья!

Малый театр начал работу над еще одним спектаклем по пьесе Александра Николаевича Островского. Народный артист России Владимир Бейлис ставит "Без вины виноватые". Эта постановка - давняя творческая мечта режиссера, замысел которой он вынашивал несколько лет. Знаменитая пьеса об артистах и театре имеет славную сценическую историю, одной из ярчайших страниц которой является участие в ней Марии Николаевны Ермоловой и Александра Алексеевича Остужева.

На главную роль Кручининой в свой новый спектакль Владимир Бейлис пригласил заслуженную артистку России Лидию Вележеву. Ее партнерами станут народные артисты России Владимир Дубровский (Шмага), Александ Вершинин (Миловзоров) заслуженные артисты России Андрей Чубченко (Дудукин), Юлия Зыкова (Арина Галчиха), артисты Полина Долинская (Коринкина), Максим Путинцев (Незнамов), Александр Волков (Муров) и другие.

Желаем команде спектакля плодотворной работы, а новому спектаклю - аншлагов и аплодисментов!

На первой репетиции побывал фотограф Евгений Люлюкин.

[GALLERY:791]

Пьесу "Светит, да не греет" Островский написал в соавторстве с Николаем Соловьевым. Это одно из последних произведений классика. Впервые пьеса была поставлена в 1880 году в Малом, а позже - в Александринском театре, однако в обеих столицах спектакли были приняты довольно холодно. Современникам не хватало закрученной интриги, активного действия…

Это сегодня мы понимаем: "Светит, да не греет" - абсолютный шедевр. Из нее, как русская литература из гоголевской "Шинели", вышла вся чеховская драматургия, начиная с "Платонова" и кончая "Вишневым садом". И постановщик спектакля Владимир Бейлис, прекрасно чувствуя эту особенность, отчетливо показывает зрителям все "чеховские" мотивы пьесы. Уже сама завязка - модная барыня, неудавшаяся певица, приезжает из-за границы в свое имение, чтобы продать его - заставляет вспомнить Раневскую. Продает она имение, как водится, своему старосте-кулаку, нарождающемуся классу.

Но не социально-экономическая проблематика волнует авторов спектакля в первую очередь. В центре внимания - любовь. Точнее, тот тип "самостоятельной женщины", который, видимо, так волновал Островского, раздражал Чехова и сегодня плотно утвердился во всякого рода глянце. "Любите себя", "вы этого достойны" - мантры светских львиц, внушаемые нашим современницам со всех экранов и баннеров. Что случается в итоге тупого следования этим заповедям - показывает спектакль.

Собственно, главная героиня Анна Владимировна Ренева, девица лет под 30 - не новость в русской литературе. Точный аналог ее описан еще Тургеневым в повести "Вешние воды". Там мадам Полозова точно так же скуки ради берется "поиграть в любовь" и губит счастье юной влюбленной пары. Не забыть описание ее победы над героем - "у ястреба, который когтит пойманную птицу, такие бывают глаза".

Актриса Полина Лоран великолепно справляется с этой ролью. Яркая, харизматичная, не столько красивая, сколько способная очаровать своей живостью, непосредственностью, откровенной женской манкостью, она и впрямь освещает все вокруг себя какой-то карнавальной радостью. Но хватает этой радости ненадолго - ее чары нужны ей самой ровно до первой победы. Дальше ей становится скучно, и она будет искать новых приключений. "Ведь она этого достойна".

Отнюдь не такова Оленька Василькова (Анна Шишкина) - нежная, искренняя, сердечная, она тот самый "луч света в темном царстве", и ясно, что ее душевного тепла хватило бы на долгую счастливую жизнь. Но гибнет она так же, как Катерина, - только не от абьюза свекрови, а оттого, что не сумела пережить измену любимого. Примечательно, что при первых постановках пьесы именно образу Оли Васильковой режиссеры и критики уделяли первостепенное внимание: их и играли лучшие актрисы своего времени - Савина, Ермолова.

Однако в спектакле Бейлиса главное внимание уделено именно Реневой. Это вокруг нее завинчивается вихрь любовных страстей (привет чеховскому Платонову). Это она с радостным детским эгоизмом принимает все восторги поклонников. И она же с детской жестокостью ломает "игрушки", которые дарит ей жизнь.

Конечно, успеху Полины Лоран в этой роли способствует и выразительная игра всего актерского ансамбля. Вполне вроде бы "вялая" у Островского партия супругов Залешиных здесь, в спектакле, превращается в пронзительный психологический дуэт. Александр Волков так точен во всех своих микродвижениях, что даже не по словам, а по его жестам становится понятно все: и страдания по несостоявшейся любви, и бесконечное казнение самого себя, и раздражение по отношению к дурище-жене, и понимание ее, и сочувствие, и прощение… А Екатерина Порубель играет этакую хамоватую "бабу из народа" - лукаво-простецкую, но горячую сердцем и душой, способную и отругать, и пожалеть, и приласкать.

Бесподобно хорош Владимир Дубровский в роли Худобаева. Один из немногих по-настоящему комических персонажей, он от души и с явным удовольствием воплощается в человека, которому под старость бес ударил в ребро. И его наивные объяснения в любви с открытками-"валентинками", и его неловкие движения, выдающие все подробности многочисленных старческих диагнозов - просто школа актерского мастерства!

Говоря о спектакле, нельзя обойти вниманием и работу художника. Мария Утробина очень точно создает время "разлома эпох". На одной сцене у нее соседствуют и аристократические интерьеры барской усадьбы и грубо сколоченный "вид в сад": неструганные столбы, шаткие скамейки… Видимо, скоро сад этот превратится в фермерские грядки: не до красот. Задник с роскошным видом на Волгу превращается в опасный темный пейзаж, на фоне которого кипят инфернальные страсти… Костюмы персонажей хочется рассматривать, как музейные экспонаты или наряды от кутюр на подиуме.

Словом, "дом Островского" в очередной раз убедил зрителей в нестареющей актуальности своего драматурга.

Ольга Штраус, "Российская газета", 26 марта 2024 года

https://rg.ru/2024/03/26/reg-cfo/vy-etogo-dostojny...

Владимир Михайлович Бейлис, народный артист России, режиссёр-постановщик и заведующий труппой Малого театра, стал новым гостем подкаста «Упражнения в прекрасном. После премьеры». Бейлис остаётся одним из режиссёров, хранящих верность традициям Малого театра, а потому его новый спектакль «Светит да не греет» может считаться идеалом классической постановки этой пьесы Островского. О традициях в целом и важности их сохранения в частности — в новом эпизоде подкаста "Театрального журнала".

Слушать запись

«…Вообразите, вчера ночью я была невольной свидетельницей какого-то свиданья у меня в саду! Да, какая-то парочка, очень горячая! А ночь славная была, и как же они любовно обнялись на моих глазах, — признается Борису Рабачеву – юному соседу-землевладельцу Анна Владимировна Ренёва, молодая помещица, только что приехавшая из Парижа, чтобы продать часть своего запущенного имения и отдохнуть от светских развлечений.

— Покаюсь, так тошно мне стало мое собственное одиночество и так досадно на эту парочку — так бы взяла да и разбила сейчас это чужое счастье!»

От скуки светская львица Анна Владимировна решила закрутить роман с Борисом – женихом Оли Васильковой — молодой девушки, ранимой, наивной и идеалистичной — дочерью бывшего управляющего имением Ренёвой. Безмятежное счастье влюбленных внезапно прерывается из-за бурного романа парижской гостьи и Бориса. Оля случайно становится свидетельницей свидания Анны Ренёвой и своего жениха.

Она не может представить свою судьбу без него: «Да какая любовь, Боря! Любви нет. Уж я как верила, что ты меня любишь; а где ж эта любовь? …Мне все равно теперь, мне нечего жалеть, нечего беречь, у меня ничего нет. Мне как-то легко, и как будто я веселая. Только эта легкость какая-то особенная: как будто все с меня свалилось, ничего у меня нет, ни горя, ни радости, ну, ничего — и души нет». Не пережив предательства возлюбленного она решает…

Дальнейшие события в пьесе А. Островского и Н. Соловьева «Светит, да не греет» в Малом театре России в постановке народного артиста России Владимира Бейлиса разворачиваются стремительно и непредсказуемо. Вначале пьеса называлась «Разбитое счастье», потом «На Родине». «Мы не можем придумать правильное название, что это может значить? — писал Островский Соловьеву. Только то, что лейтмотив пьесы остается неясным даже для нас. Сюжетная линия еще не разработана… и даже главный вопрос остается без ответа: что пьеса претендует на то, чтобы сказать точно?»

Главный герой – «человек вспыльчивый, не очень умный и несколько примитивный. Его любовь к Оле — это не что иное, как чувственный инстинкт. Только в четвертом акте он внезапно осознает, что его жизнь с Олей будет такой же унылой, как жизнь Завалишина с женой. Вот она, суть его личной драмы. Он разрывается между двумя женщинами: одна выше его, другая низшая. Он отвергает последнюю и отвергает первую».

Островский предложил название «Свет без тепла». «Ренёва только осветляет им болото их жизни, не давая вообще ничего, — писал он. — Это высвечивает главный конфликт пьесы. Ибо Завалишину и Рабачеву она облегчает их жизнь, но не дает, ни одному из них тепла. Первый, разбитый апатией, тонет в своей личной трясине. Второй, импульсивный, буквально бросается с обрыва».

Но пьеса не ограничивается мелодраматическим сюжетом. Как всегда в произведениях Островского – яркие незабываемые персонажи, русская глубинка без прикрас, которая мало чем отличается от сегодняшней. Люди, их характеры, взгляды, поступки те же, что у ренёвых, рабачевых, васильковых, дерюгиных и других обитателей нынешней российской глуши.

«Земли по нынешнему времени, ох, дороги!. . Потому, главная причина, купец кинулся на землю, скупает, и наш брат, мужик, норовит, как бы тоже собственником стать, — признается Дерюгин — богатый крестьянин, желающий купить имение Ренёвой. — … Народ у нас — выжига, свой же сосед не постыдится убрать, что плохо лежит». Классик, заглядывая в будущее, безошибочно обличает пороки нынешнего российского общества, поэтому пьеса, несмотря на свою почти полутора вековую историю, современна и актуальна.

Неизбежны и параллели с прошлыми постановками этой драмы в Малом театре. Сценическая история пьесы началась в 1880 году, после она ставилась еще два раза. Спектакль 1964 года с участием Руфины Нифонтовой и Виктора Коршунова — классический вариант постановки запечатлен на пленке. Вспоминая народную артистку СССР Руфину Нифонтову в роли Реневой, особенно в финальной сцене объяснения с Борисом, — властной, надменной, высокомерной дамы, затеявшей от скуки провинциальный роман, её образ отличается от героини драмы Островского в исполнении Полины Лоран – импульсивно-эмоциональный, претендующей на роль знатной дамы.

«На нашу с вами встречу и на все, что потом произошло между нами, я смотрела, как на счастливую случайность, на веселое приключение, о котором останется более или менее приятное воспоминание, и только, — снисходительно объясняет Ренёва Борису … Эти порывы, эта экзальтация никогда не ведут к добру. Надо уметь жить. Как же вы не заметили с первого взгляда, что я на серьезную страсть неспособна». Народный артист СССР Виктор Коршунов — Рабачев – сентиментальный доверчивый юноша, способный потерять голову от романа с Ренёвой, забыть свою Олю накануне свадьбы. Борис Рабачев в исполнении Дмитрия Кривошеева — горячая, увлекающаяся, порывистая натура, решившийся на отчаянный шаг принести себя в жертву за гибель Оли. «Да, вам хотелось, чтоб я, всей душой любя мою несчастную Олю, умел еще любить и вас на день, на два, на полчаса… — выпаливает Борис надменной помещице. — Как же вы не заметили с первого взгляда, что я серьезный человек?» — «А если вы серьезный человек, как же вы, любя страстно свою невесту, могли через полчаса увлечься другой женщиной?» – недоумевает Ренёва.

Спектакль погружает нас в любовную драму главных героев – Ренёвой – Рабачева – Оли Васильковой. Каждый актер несет свой заряд энергетики, взаимодействия с залом. Кто завоюет сердце зрителя? – вечный вопрос сцены. Малый театр отвечает на эту непростую загадку о таланте и актерской магии. Спектакль наверняка найдет своего зрителя, в том числе молодого. Мелодрама берет верх, что, наверняка привлечет зрителя, но только ли в этом ценность пьесы? Время меняет лишь декорации и одежды — людские судьбы, проблемы, чаяния, подсмотренные классиком, — вечны. Правда, можно попытаться поспорить с великим драматургом, что в нынешний жесткий век, вряд кто будет сводить счеты с жизнью из-за потери любимой…

В спектакле заняты: народный артист России Виктор Низовой, народный артист России Владимир Дубровский, Полина Лоран, Дмитрий Кривошеев, Анна Шишкина, заслуженный артист России Петр Складчиков, заслуженная артистка России Ольга Чуваева, заслуженный артист России Сергей Вещев, Александр Волков, Галина Микшун, Аксиния Пустыльникова, Александр Никифоров, Екатерина Порубель, Владимир Алексеев, Варвара Шаталова, Мари Марк.

Марина Эратова, zakulisy.wordpress.com

https://zakulisy.wordpress.com/2023/12/30/%d0%ba%d...

«Светит да не греет» – одна из пьес, написанных А.Н. Островским в сотрудничестве с драматургом Н.Я. Соловьевым, который приносил свои драмы Александру Николаевичу, считая их готовыми. Но Островский заставлял многое переделывать: менялся состав персонажей, расстановка сил, а порой и название. Так «Разбитое счастье» Соловьева превратилось в «Светит, да не греет».

Главная героиня пьесы – помещица Анна Владимировна Ренева (Полина Лоран) приехала из Парижа в свое имение в тихой российской глубинке. Но это вовсе не возвращение домой. Анну Владимировну одолевает скука. И леса вокруг, да только тепла никакого не дают, и реки хоть и синие, но воды в них мутные… Точно беды какой дожидаются (отменная сценография Марии Утробиной). Цель героини – выгодно продать имение и укатить за рубеж, чтобы жить там на широкую ногу, в модных шляпках по Вене, Ницце и Парижу разгуливать да разбивать мужские сердца. Анна Владимировна обижена на жизнь: не сбылась ее мечта стать великой певицей, исчез после простуды голос. Не верит она и в любовь: когда крестная, богатая княгиня, возила ее собой повсюду, поклонники, готовые целовать следы ног Анны Владимировны, в действительности охотились только за богатым приданым. Ее раздражает чужое счастье: героиня стремится непременно его разрушить. Она заправская кокетка и знает, как тронуть сердце и зрелого мужчины – трогательного и смешного Худобаева (Владимир Дубровский), и молодого – Бориса Борисыча Рабачева (Дмитрий Кривошеев). Увидев, как гармоничны и нежны отношения Рабачева с невестой Оленькой (Анна Шишкина), Анна Владимировна решает непременно влюбить его в себя и увести от невесты. Ей это удается, но сила и искренность чувств Рабачева способны ее только испугать.

Анна Владимировна добивается своей цели – имение продано зажиточному крестьянину Денису Иванычу Дерюгину (Виктор Низовой). Но ей так и не удалось пробудить свою душу, как броней закрытую прежними обидами и переживаниями. Блистая нарядами и красотой, Анна Владимировна, лишь поиграла чужими судьбами и счастьем. Продав имение, она разбогатела, но после трагедии, случившейся по ее вине, кажется, в первый раз в жизни задумалась об ответственности за свои поступки. Ей еще предстоит научиться любить и быть милосердной.

Марина АБРАМОВА, Театральная афиша столицы

Режиссер-постановщик: В. Бейлис.

Сценография и костюмы: М. Утробина.

Недавняя премьера Малого театра, спектакль «Светит, да не греет» по пьесе А.Н. Островского и Н.Я. Соловьёва, это отличный пример того, как нужно в наши дни ставить классику, желая всецело сохранить атмосферу и дух того времени, о котором писали авторы, и при этом создать стопроцентно современную (в первую очередь — внутренне, психологически) постановку. Режиссёр Владимир Бейлис — признанный мастер своего дела, и его стараниями история о любви и нелюбви, всепрощении и непонимании, душевной теплоте и сердечной пустоте ожила, задышала полной грудью, заискрилась — с тем, чтобы не оставить никого из зрителей равнодушным.

Пьеса «Светит, да не греет» была написана тандемом драматургов в 1880 году. Нужно сказать, что Александр Николаевич Островский нередко оказывал помощь молодым литераторам. И она заключалась не только в рецензиях на произведения и неких советах по их улучшению: Островский сам брался за перо и видоизменял материал так, как ему виделось наиболее выгодным (несомненно, не по своей личной воле, а по обоюдной договорённости).

И здесь всё началось с пьесы Николая Яковлевича Соловьёва «Разбитое счастье», которую он продемонстрировал именитому коллеге. Островский задумку оценил и начал работу по трансформации текста: дал новое название, во многом переписал диалоги, обострил характеры персонажей… Соловьёв относился к подобной «редактуре» достаточно болезненно, ибо кому приятно, что твоё детище постепенно превращается в нечто совершенно иное? Тем не менее, в ноябре 1880 года на суд почтеннейшей публики была представлена первая постановка пьесы — в Малом театре (на этих подмостках «Светит, да не греет» появлялась ещё дважды — в 1901 и 1964 годах).

И вот всё тот же Малый театр, опять ноябрь — только 143 годами спустя, — и новая, абсолютно блестящая версия спектакля.

Сюжет таков: молодая барышня Анна Владимировна Ренёва возвращается из Парижа в своё имение — где-то в глубинке России. Дело в том, что крёстная Ренёвой, которая и вывезла Анну Владимировну заграницу, привив вкус к красивой и весёлой жизни, внезапно умерла, не оставив завещания. Все немалые деньги усопшей забрал себе её сын, и наша героиня осталась без копейки. Выход один: продать имение.

Только вот в глуши Ренёвой бесконечно скучно. Дабы развлечься, она решает обзавестись кавалером (в смысле, спутником, который сопровождал бы нашу красотку во время прогулок и всячески скрашивал ей серый деревенский быт; никакие интрижки, вроде бы, пока не подразумеваются). Бывший ухажёр, Семён Семёныч Залешин, на эту роль не подходит — уж больно изменила его жизнь, да и семьёй он обзавестись успел. Потому пусть страдает поодаль. Но появляется иная кандидатура: видный собой Борис Борисыч Рабачёв.

К тому же, интересная игра наклёвывается: Ренёва стала случайной свидетельницей свидания Рабачёва с юной Олей Васильковой, и теперь, частично — из зависти (она же — одинока), частично — из спортивного интереса Анна Владимировна решает разбить чужое счастье…

И в течение двух актов и трёх часов мы наблюдаем за манипуляциями Ренёвой, её попытками продать имение нелепому и трогательному старику Худобаеву, искренним, нежным чувством, пылающим между Рабачёвым и Олей, — и жестокими забавами Анны Владимировны, жаждущей стереть эту любовь в порошок… Финал — болезненный, пронзительный, мощный — бьёт в самое сердце. А вывод прост: как говорится, «нельзя обижать тех, кто тебя любит»…

По мнению Владимира Михайловича Бейлиса в произошедшей трагедии виновата лишь одна персона: собственно, Анна Владимировна Ренёва. Рабачёв судит себя сам, но в свежей постановке Малого театра он — всего лишь одна из жертв роковой заморской гостьи. Но ведь действительно: противостоять её чарам не смогла бы и статуя командора, и можно сколько угодно укорять Бориса Борисовича в том, что он пал под натиском хищной красотки, только деться ему было некуда: Ренёва умеючи управляла им, как марионеткой.

В спектакле Бейлиса очень много телесности: жарких поцелуев, горячих объятий… И вот что поразительно: впервые в жизни я смотрела на подобное проявление чувств, разгорающееся на сцене, без какого-либо смущения и ощущения себя подсматривающей в замочную скважину. Никогда прежде я не видела столь органично простроенной и прожитой артистами страсти, здесь, в этой постановке, совершенно необходимой.

В целом же режиссёр стремится к единственной цели: сделать всё происходящее максимально настоящим, живым, эмоционально выверенным. Проблема в том, что пьеса базируется не столько на событиях, сколько на диалогах героев (а уж драматурги проявили свой талант по полной: «Светит, да не греет» написана ярким, цветастым языком). И от того, узнаёт ли публика хоть в ком-то из персонажей себя, принимает ли действо всецело, зависит успех спектакля. Иначе весь зал будет тоскливо скучать, пережидая бесконечную говорильню.

У Бейлиса же складывается невероятный психологический триллер: мы, так или иначе, осознаём, что нас ожидает трагедия (а «Светит, да не греет», будем честны, не самый известный материал, потому, наверняка, большая часть публики заранее не знает сюжета), предчувствуем её, видим её предзнаменования в той или иной детали, реплике, даже жесте… Но, двигаясь к неизбежному финалу, получаем огромнейшее удовольствие от режиссёрского подхода и прочтения пьесы, актёрских работ и, конечно же, сценографии постановки.

Художник Мария Утробина поместила действие в некое пространство, обрамлённое стволами деревьев — это и усадебный сад Ренёвой, и местный лес, одновременно и воспевающий красоту природы, и символизирующий гибель души Анны Владимировны — ведь на исполинских стволах нет ни одного самого завалящего листочка… Все остальные декорации — это впечатляющая гигантская лестница (которой достались роли разнообразных особенностей рельефа и второго этажа усадьбы), дверь в дом Ренёвой и некоторые элементы мебели, а также резные наличники дома Рабачёва. Невероятно красиво и атмосферно!

Отдельных аплодисментов заслуживают костюмы той же Марии Утробиной — скажем, Ренёва могла бы устроить настоящее дефиле, столько у неё платьев и такие они шикарные.

Но главное удовольствие зрителя — это, конечно же, артисты Малого театра. Ролей в спектакле всего 10, и хоть мы, несомненно, можем проранжировать действующих лиц по значимости, пьеса интересна тем, что в ней нет проходных, вспомогательных персонажей. Даже дворовые люди Ренёвой, старик Ильич и его жена Степанида (заслуженные артисты России Пётр Складчиков и Ольга Чуваева), одарены отдельной сценой, немаловажной для сюжета в целом и большего раскрытия характера Ренёвой в частности. Шикарная пара, одно из украшений постановки. (В другом составе на этих ролях Александр Никифоров и Галина Микшун.) Хороша и Даша (Аксиния Пустыльникова), горничная Анны Владимировны, пожалуй, единственный человек, к которому Ренёва искренне привязана — думается, потому, что она воплощает воследний осколок той, вожделенной, богатой жизни.

Истинный праздник для глаз и души — чиновник Худобаев в исполнении народного артиста России Владимира Дубровского. Стопроцентно комический персонаж, отрицательный по сути, но вызывающий невероятную симпатию в спектакле Малого театра. Основателен, открыт, добр, пусть и несколько хитроват Денис Иваныч Дерюгин (народный артист России Виктор Низовой). Эдакое воплощение народа на сцене. (В другом составе — заслуженный артист России Сергей Вещев.)

Живой трагизм как он есть — Семён Семёныч Залешин, сосед и экс-любовь Ренёвой (Александр Волков). Первоклассная и пронзительная актёрская работа с шикарной трансформацией в финале — той, когда Залешин осознаёт, что же на самом деле важно и ценно для него. (В другом составе — народный артист России Александр Вершинин.) И как чудесна Авдотья Васильевна, жена Семёна Семёныча (Анастасия Дубровская)! Пусть такие женщины и кажутся серыми, приземлёнными, обычными — но ведь на них всё и держится. (В другом составе — Екатерина Порубель.)

И вот она — главная троица действующих лиц. Оля Василькова (Анна Шишкина) — чистая душа и воплощённая любовь. Героиня могла бы показаться скучноватой (ну, это же стандартный положительный персонаж — без ярких черт и «шероховатостей»), но актриса настолько искренна в каждой мелочи, что будто бы светится изнутри — и с ней хочется ассоциировать себя. Для меня именно Оля стала центром повествования, его сутью. (В другом составе на данной роли — Варвара Шаталова.)

Борис Борисыч Рабачёв (Дмитрий Кривошеев), молодой помещик, сосед Ренёвой, впечатляет статью и удивительным тембром голоса. Вполне понятно, почему искушённая Анна Владимировна положила на него глаз. В спектакле Бейлиса Рабачёв — эдакий «барин из народа», истинный русский мужик (пусть и благородного происхождения). И счастье для него — это:

Маленький домик, русская печка,

Пол деревянный, лавка и свечка…

Идеальная была бы семья Бориса Борисыча и Оли: оба красивые, сильные, работящие, честные, ценящие семью… И Рабачёв до последнего сопротивляется Ренёвой, не видя смысла ни в пустых прогулках при луне, ни в общении с Ренёвой в принципе. Но приезжая соблазнительница безжалостна — и Борис терпит поражение… Невероятно захватывающе наблюдать за атаками Анны Владимировны на неприступную до поры крепость Рабачёва — и бесконечно больно, когда несчастный проигрывает бой, наивно полагая себя победителем… Ещё одна мощная актёрская работа, заслуживающая громких аплодисментов. (В другом составе — Владимир Алексеев.)

Ну, и, конечно, она: Анна Владимировна Ренёва. Героиня Полины Лоран блистает, сокрушает, пленяет, совращает (и морально, и физически), бесконечно играет (о, Ренёва — прирождённая актриса!), действительно освещая обыденные деревенские будни, но будучи не в силах — не умея — никого согреть… и то ли искренне полагая, что не приносит никому вреда, и жизнь в этом тихом уголке после её отъезда будет течь так же, как и прежде, то ли пытаясь убедить в этом саму себя. Нравственная испорченность Анны Владимировны (она сама полагает, что это — свобода и уникальность, отличающие её от местных женщин) не позволяет героине осознать разрушительную силу собственных действий.

И ведь где-то глубоко в душе Ренёва всё ещё остаётся той доброй и светлой девушкой, которая когда-то уехала в далёкий Париж. Она обещает Ильичу и Степаниде устроить их жизнь после продажи имения (хотя лично я подозреваю, что Анна Владимировна с лёгкостью могла и позабыть о столь важном для стариков разговоре), щедро раздаривает подарки, старается быть приветливой хозяйкой… Но жажда забавляться с людскими судьбами перевешивает, и происходит катастрофа… Идеальный выбор артистки на данную роль, чистый восторг! (В другом составе — Мари Марк.)

«Светит, да не греет» — это невероятная красота «картинки», доля хорошего комизма (там, где он на самом деле уместен) и абсолютно зубодробительная, правдивая трагедия, оставляющая после себя при этом мягкое тепло в душе (да-да, эта премьера не только светит, но и греет — и как она это делает!..). Такую классику необходимо смотреть всем — и школьникам, и их родителям, и завзятым театралам, и тем, кто ходит на спектакли не чаще раза в год, и поклонникам Малого театра, и тем, кто обожает совсем иную стилистику… Насытьте душу сильными чувствами — приезжайте на Большую Ордынку!

Ирина Петровская-Мишина специально для Musecube

https://musecube.org/otchet/otchet-theatre/svetit-...

Пьеса «Светит, да не греет» Александра Островского, написана в 1880 году в соавторстве с Николаем Соловьевым была поставлена в Малом театре в том же году в бенефис Михаила Садовского. Вечная тема любви и предательства, психологическая глубина и самобытность персонажей пьесы в сочетании с непривычным для драматургии Островского трагичным финалом производили глубокое впечатление на зрителей конца ХIХ-го века, к тому же на сцене впервые зазвучала тема столкновения двух эпох. Недаром постановка «Светит, да не греет» вдохновила впоследствии Чехова на создание «Вишнёвого сада», где тема нарастающего социального конфликта получила дальнейшее развитие.

Спектакль Малого театра «Светит, да не греет» сезона 2023-2024 в постановке народного артиста России, лауреата премии правительства России, режиссёра Владимира Бейлиса выделяется захватывающим синтезом лирики, элементов трагедии, чувственных сцен, психологической драмы и тонкого юмора в сочетании с яркой и органичной манерой искреннего актёрского существования на сцене. Владимир Михайлович выбрал для постановки пьесу созвучную нашему времени: «Замечательных пьес у Островского много, но эта, созданная по сюжету Соловьёва, наверное, особая. «Светит, да не греет» увлекает не только вечной темой человеческих страстей, интересно в ней и то, как отражена многогранность человека, сколько в нас всего намешано: и плохого, и хорошего, но есть важный акцент: какой выбор делает человек, какие качества в себе культивирует?.. К тому же пьеса написана простым, понятным языком, что делает её близкой современному зрителю»

Светская красавица Анна Ренёва - девица тридцати лет, оставшись без наследства и без женихов после внезапной смерти покровительницы-тётки, приезжает из Парижа в свое родовое поместье с целью его продать. Повинуясь своему желанию найти поклонника для приятного времяпрепровождения, добивается внимания импозантного соседа – молодого и деятельного помещика Бориса Робачёва, который поддаётся чарам красавицы не сразу, ведь он искренне любит свою невесту - Олю и считает себя честным человеком. Далее происходит цепь событий, которые превращают историю любовного приключения Анны Ренёвой в большую трагедию: разжигая из любопытства горячее чувство, она в то же время боится силы возникающей страсти Бориса и отвергает его предложение. В то же время обманутая Оля, убедившись в предательстве своего жениха, с горя бросается в реку и тонет. Узнав о гибели Оли, Борис обвиняет в этом Анну, но Анна резко упрекает Бориса, ведь это был его осознанный выбор: забыть на время невесту! Осознав свою вину, Борис произносит страстный монолог покаяния, а затем вслед за Олей бросается с обрыва. Прекрасная пара влюблённых погибает в водовороте чувств и страстей, которые возникли с появлением циничной красавицы.

Актёрский состав спектакля состоит из признанных мастеров сцены, известных актёров и недавних выпускников ВТУ имени Щепкина. Это народные артисты России Владимир Дубровский, Виктор Низовой, Александр Вершинин, заслуженные артисты России: Петр Складчиков, Ольга Чуваева, Сергей Вещев, популярный актёр театра и кино Александр Волков, артисты Анастасия Дубровская, Галина Микшун, Аксиния Пустыльникова, Александр Никифоров, Екатерина Порубель, Владимир Алексеев, Варвара Шаталова, Полина Лоран, Дмитрий Кривошеев, Анна Шишкина. Актеры создают самобытные образы, ярко проживая чувства своих персонажей, каждый из которых обогащён точными психологическими чертами.

Появление на сцене народного артиста России Владимира Дубровского вносит в палитру спектакля иронично-комедийные краски, ещё больше оттеняющие трагедию человеческих отношений. Его немолодой персонаж с выразительной фамилией Худобаев, очарованный Анной Ренёвой, почему-то надеется на ответные чувства. И неподражаемое исполнение Дубровского заставляет сочувствовать его карикатурному герою. Более 50 лет замечательный артист служит на сцене Малого театра. За эти годы Владимир Алексеевич Дубровский исполнил 90 ролей классического и современного репертуара. Блестящий комедийный талант делает его сценические образы колоритными, полными тонких эмоций, что всегда находит отклик в зрительских сердцах. Как «смех сквозь слёзы» воспринимается зрителями нового спектакля и супружеская пара Залешиных в ярком исполнении Анастасии Дубровской и Александра Волкова. Народный артист России Виктор Низовой, обладающий заразительной энергией, в образе Дениса Дерюгина обаятелен и точен, его герой очень напоминает нынешних дельцов. Каждое слово звучного голоса актёра с выразительными интонациями долетает до последних рядов зрительного зала, что является традиционной чертой актёрской школы Малого театра: безупречная дикция на сцене, сильные голоса легко вовлекают нас в действие. Эпизодические персонажи спектакля тоже запоминаются, как созвучные нашему времени. Изящная Аксинья Пустыльникова в роли горничной Даши сумела оттенить своеобразное сочетание беспечности и расчёта своей героини, рядом с ней прообразом чеховского Фирса видится горестная пара дворовых старичков в исполнении Петра Складчикова (Ильич) и Ольги Чуваевой (Степанида).

На сценических подмостках Малого театра ещё раз открылся художественный мир русской драматургии - социально-содержательной, наполненной глубоким смыслом и живыми персонажами. Новая постановка проникнута психологизмом, бережным отношением к классике в сочетании с выразительными современными приёмами режиссуры, тонким чувством эстетики и меры, особенно в ярких любовных сценах. Драматизм сюжета подчёркивает лаконичная и в то же время поэтичная сценография художника спектакля Марии Утробиной (она же и автор костюмов, выполненных с пониманием характера каждого персонажа и с точным знанием исторической эпохи.)

С новой постановкой пьесы «Светит, да не греет» традиция русского психологического театра получает интересное развитие, лишённое шаблонов и обогащённое талантом ярких индивидуальностей.

Ирина Кумова

"Литературная газета", 8 января 2024 года

https://lgz.ru/article/vizit-nestaroy-damy/

Ну и умел же наш гений Александр Николаевич Островский названия пьесам из пословиц давать. «Светит, да не греет» – это вовсе не о месяце сказано, а о женщине, не дай бог такую в спутницы жизни заполучить: светить-то будет, а согреть никогда, впридачу ещё холодом обдаст. Не жизнь, а ад, скажут в народе. Но именно перед таким выбором готов поставить себя герой спектакля «Светит да не греет» старейшего режиссёра Малого театра, н.а. Владимира Бейлиса небогатый землевладелец Борис Борисыч Рабачёв (Дмитрий Кривошеев).

В пьесе значатся два автора – Островский и Николай Соловьёв, по просьбе которого великий драматург переработал его пьесу «Разбитое счастье». Сюжет незамысловат: из Парижа, где провела шесть лет, приезжает помещица Анна Ренёва (Полина Лоран) с целью продать запущенное имение. Эта «барышня» под тридцать, привыкшая к поклонению, не любит скучать и намерена с пользой провести время, пока продаётся имение, тем более, что, гуляя в ночи, она и «объект» присмотрела – того самого Бориса Борисыча, который миловался в саду со своей невестой Олей (Анна Шишкина). Чем не задача соблазнить красавца соседа, когда расклад не совсем в её пользу – бывший поклонник Семён Залешин (Александр Волков) женился и обзавёлся детьми, а остальные очень уж возрастные дяденьки. А с ББ её и познакомить готовы - богач Дерюгин (н.а.Виктор Низовой), он и покупателя на имение ищет. А то, что у Рабачёва есть невеста, которую Ренёва помнит подростком, волнует её меньше всего.

Борис, которого Дерюгин едва не официально определил эскорт-кавалером для помещицы, смутившей всех мужчин в округе, вплоть до развалины Худобаева (н.а.Владимир Дубровский), посмеиваясь, принимает предложения Ренёвой прогуляться по саду, покататься на лодке, спеть под гитару дуэтом. Уж его-то она не расколет, он и от Оли не скрывает, что определён во временные кавалеры. Но тут вмешивается рок, и ББ повержен: после сцены на реке он страстно влюбляется в соседку и твердит ей, что отныне они «связаны навеки». Ренёву это пугает, Борис для неё всего лишь герой интрижки, утром ей уезжать, но весь ужас в том, что сцену в лодке видела Оля, и поутру её хладный труп вытаскивают из реки рыбаки...

ББ прозревает, принародно кается, что он убийца, и через сад мчится к обрыву, с которого «камень-то разбивается вдребезги». Вот такой трагедией заканчивается не характерная для Островского пьеса. А переработал он её капитально. Отвергнув заглавия «Разбитое счастье» и «На родине», Островский сообщил Соловьёву, что, когда автор не может подобрать названия, это значит, что идея пьесы не ясна, сюжет как следует не освещён, и в нём трудно разобраться. Да и само существование пьесы не оправдано: зачем написана, что нового хочет сказать автор? Островский намеревался в корне изменить характеры главных героев, но не сделал этого, так как был занят работой над своей пьесой «Невольницы». Единственное, написал Соловьёву: «Пьесу надо назвать «Светит, да не греет» – Ренёва освещает им их болото, но сама ничего не даёт… При таком плане является контраст, который художественно проводится в пьесе. Завалишин и Озерской (в последней редакции Залешин и Рабачёв. – Ред.) - обоих Ренёва осветила, но не согрела; один, как вялый человек, погрязает в болоте, а другой, как горячий, бросается в омут…» Островский внёс правки в рукописный экземпляр пьесы, более жизненным сделал язык действующих лиц, уделив особое внимание местам, имеющим значение для развертывания сюжета и обрисовки персонажей. Изменил финалы всех пяти действий.

На пресс-показе нам показали отдельные сцены: впечатляет. Неудивительно, что в своё время пьеса потрясла Чехова, и под её влиянием у Антона Павловича родился «Вишневый сад». Ренёва стала Раневской, смешанный сад – вишневым, также много говорилось об усадьбе, отъезде в Париж и т.д. «Светит, да не греет» - это второй спектакль Владимира Бейлиса к 200-летию Островского: в декабре 2022-го он поставил «Горячее сердце», а всего на сцене Малого режиссёром поставлено пять пьес драматурга.

«Светит, да не греет» - пьеса Островского, - сказал Владимир Михайлович, - чувствуется его гений. Пьеса обжигает, она о людях, об их чувствах, о любви и предательстве. Человек рождается многогранным, и в пьесе видим, как чистых, любящих людей, так и тех, кто уходит от настоящей любви, принимая за любовь страсть, и кончается всё трагично. Это, считайте, драма, хотя две смерти в финале - близко к трагедии. Пьеса написана замечательным языком, она меня сразу зацепила. Малый театр всегда славился спектаклями про человека, про его душу и страдания, и мы стараемся поддерживать эти традиции.

Играют актёры разных поколений, так, Ольге Александровне Чуваевой (Степанида, жена Ильича, дворового человека) 93 года, а Полине Лоран (Ренёва), которая только пришла в театр, 24. Но мы с молодёжью понимали друг друга, у нас была общая сверхзадача, которая пронизывала всех. Конечно, старались сыграть так, чтобы, как говорит наш худрук Юрий Мефодьевич Соломин, за кулисами дежурили две скорых помощи. И, считаю, артисты сыграли блестяще, я ими доволен. Всегда переживаю, как за исполнителей, так и за персонажей, которые выходят на сцену. Мне жаль их всех, тем более, работают мои ученики, Олю играет Аня Шишкина, а Бориса Митя Кривошеев. То, что они делают на сцене, это так тонко, я могу выйти и показать кусочек роли, а они берут целое, и в течение трёх часов тратят часть своей души. У нас и художник замечательный – Мария Утробина, и композитор Кузьма Бодров - сложилось всё.

Меня очень волнует, как воспримут спектакль зрители, особенно молодёжь, вот сейчас наблюдаю за тем, как смотрят «Горячее сердце», и, знаете, очень хорошо принимают, молодёжь тянется к Островскому. Тем более, к юбилею много его спектаклей играли, и все с аншлагами. Иногда говорят – «Ааа, вы ставите пьесы из школьной программы»: ничего подобного, вот «Светит, да не греет» совсем «не школьная» пьеса. Одна из последних у драматурга, напечатана в восьмом томе. Всего Александр Николаевич написал 47 пьес, в Малом театре идут 15. Планирую ещё ставить Островского, также у меня в замыслах ещё один великий наш драматург Леонид Андреев».

Актёров спросила о том, что вдохновляло их в этой необычной пьесе и непривычных ролях, возникали ли ассоциации с другими героями и героинями?

«Анна Ренёва – моя первая главная роль в Малом театре, - сказал Полина Лоран, - а чтобы была драматургия про женщину вообще редкость, и я ставила перед собой задачу не сделать героиню прямолинейно плохой, потому что самое интересное в актёрской профессии - оправдать любого персонажа, у него всегда есть история, почему он стал таким. Идти пыталась от нутра, и, конечно, очень вдохновлял меня и поддерживал наш режиссёр Владимир Михайлович Бейлис. Мы обсуждали с ним, что пьеса «Светит, да не греет» уникальна тем, что актуальна как для старшего поколения, так и для нас, молодых, потому что можем привнести в неё современный взгляд. Ассоциации возникали с Настасьей Филипповной, потому что я её делала. Первоначально про неё и поговорили, а дальше я плясала сама».

«Мне очень понравилась пьеса, когда я её внимательно прочитал, - признался Дмитрий Кривошеев. - Действительно, нетипична для Островского, я привык читать у него про другое и с другими персонажами, а тут психологическая вещь, романтичное произведение с жёстким финалом, с непривычными событиями и поступками. Некоторых градусных сцен я откровенно боялся, да и сейчас боюсь, потому что находить что-то стремишься в себе, а иногда оно не находится или находится не то, но работать стараюсь откровенно. И, как ни странно, с другой стороны, вот эта боязнь найти в себе что-то непривычное, вдохновляет и заставляет работать честно. Для меня пьеса перекликается с произведениями других классиков, например, с «Месяцем в деревне» Тургенева и «Вишневым садом» Чехова. Впечатление такое, что она пошла дальше благодаря тому, что авторы использовали в своих произведениях какие-то куски из неё. То есть, видно, что пьеса «ходила» в кругах драматургов, не просто так возникали все эти совпадения».

На вопрос, бывает ли диссонанс у актёра, если внешне он брутал, а играть приходится слабака, Дмитрий Кривошеев сказал: «Честно говоря, нет, внешность это одно, а внутреннее другое, и когда себя отпускаешь, наружу лезет, в том числе, и твоя слабость. И я не хочу это убирать, если рождается, значит, искренне».

Завершил разговор Владимир Бейлис. «В слабом человеке надо искать силу, - сказал он, - а в сильном - слабость, - тогда это будет хорошо. Когда слабый человек плачет, мы говорим – мало ли, а когда сильный - это всегда хорошо».

Нина Катаева, Мир тесен, 30 ноября 2023 года

https://ninak.mirtesen.ru/blog/43530716721/-Svetit...